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domingo, 30 de mayo de 2010

Mussorgsky. Cuadros de Una Exposición. Una Noche en el Monte Pelado. Celibidache. Orquesta Filarmónica de Munich. Orquesta Sinfónica de la RAI de Milán. Berlín y Milán. 1986 y 1967.


100 entradas en el blog. Un número importante de visitas y de amigos que pueden compartir mis discos y mis sensaciones, expresando las suyas y pudiendo dar espacio a una mayor difusión de discos que creo son representativos de o bien grandes obras, bien grandes interpretaciones o bien, simplemente grandes momentos en mi vida. Y para esta ocasión no he dudado en elegir este CD que os dejo. Lo más maravilloso que he escuchado de los Cuadros y lo más fuerte en entrega emocional de Celibidache y de su orquesta de Munich en un concierto celebrado en Berlín, esa adorada Berlín de sus sueños, en 1986. La obra se acompaña de una interpretación también excepcional y maravillosa de Una Noche en el Monte Pelado en toma de años anteriores con una orquesta de rango menor pero "mágicamente" transformada por ese brujo de la "sonoridad del momento" que fue Celibidache.

Los Cuadros de una Exposición constituyen una suite de 15 piezas, compuesta en 1874 originalmente para piano (http://juliosbv.blogspot.com/2010/04/richter-recital-de-sofia-1958.html) aunque en general es más conocida en la forma orquestada y arreglada por el compositor francés Maurice Ravel. Originalmente llamada Suite Hartmann e inspirado por la exposición póstuma de diez pinturas y escritos de su gran amigo, el artista y arquitecto Viktor Alexandrovich Hartmann, fue un homenaje del compositor que quiso «dibujar en música», algunos de los cuadros expuestos. Es una verdadera obra maestra, música romántica, música programática y música verdaderamente expresiva. Forma un conjunto de piezas brillantemente descriptivas que adquieren unidad por el bellísimo tema llamado Promenade "Paseo" que se oye desde el inicio y a lo largo de la pieza, mientras el visitante de la exposición va de cuadro en cuadro. En  la Promenade de Ravel este hizo que el fagot y el saxofón compartieran una suave y melancólica música con el acompañamiento de las cuerdas. Una joya. Una obra perfecta para la expresión de todo el conjunto de instrumentistas y de la orquesta en pleno.

 

Y la versión presentada aquí es desde mi punto de vista la mejor que he escuchado. La Orquesta de Munich está formidable, entregada al máximo, cada instrumentista ejecutando de forma soberbia y logrando Celibidache una masa orquestal fabulosa, plena y poderosa cuando se necesita, suave y delicada cuando así es necesario, rítmica, saltarina, dulce o divertida según el caso, en definitiva adaptada a cada cuadro y os aseguro que el cuadro final de la Gran Puerta de Kiev es absolutamente impresionante, por su progresión, su ritmo, su energía, su sonoridad, con un Celibidache enfurecido llevando y levantando la orquesta a gritos hasta un crescendo final retenido y suspendido de una manera única e irrepetible que se mezcla con el júbilo desbordado del público berlinés. Una joya absoluta.


Una Noche en el Monte Pelado es el nombre común para "La Noche de San Juan en el Monte Calvo" ese gran poema sinfónico de Mussorgsky, inspirado por una historia corta de Gógol, en la cual un campesino presencia un acto de brujería en el Monte Calvo, cerca de Kiev, en la Noche de San Juan. Escrita inicialmente por Mussorgsky en el verano de 1867, durante su estancia en la casa de su hermano en Minkino la obra tiene una historia composicional tortuosa y es conocida en muchas versiones distintas habiéndose revisado varias veces (1872, 1908). Mussorgsky encabezó la partitura con unas frases de su puño y letra, que desde un principio ayudaron a comprender mejor la atmósfera fantástica de la obra: Rumores subterráneos de voces sobrenaturales - Aparición de los espíritus de las tinieblas y de Chernabog (Satanás) - Glorificación de Chernabog y misa negra - Sábado de brujas - A lo lejos suena la campana de una iglesia del pueblo, dispersando a los espíritus de las tinieblas - Amanecer. Tras la muerte de Mussorgsky, su amigo y compañero Rimsky-Korsakov orquestó y arregló esta extraordinaria obra, tan llena de intenso colorido y fuerza emocional por sí misma y más en la orquestación de Rimsky y que la han hecho muy popular en los conciertos.

La interpretación en esta ocasión con una orquesta de menor nivel no deja de ser sorprendente y de mostrarnos a unos músicos entregados a Celibidache logrando entre ambos una bellísima interpretación de esta preciosa obra.

Disfruten de este disco maravilloso, en mi corazón está como algo absolutamente excepcional y lo tengo como una joya maravillosa de la fonografía. Que ese corazoncito no les de sustos en el final de los Cuadros...



La Gran Puerta de Kiev de Hartmann
                                                     


Mussorgsky
Cuadros de una Exposición
Una Noche en el Monte Pelado*

Celibidache
Orquesta Filarmónica de Munich
Orquesta Sinfónica de la RAI de Milán*

Grabaciones
Berlín, 1986
Milán, 1967*







Mp3

FLAC

Ver también anterior entrada con grabación Altus en Tokio aquí.


Albéniz. Iberia. Versión Orquestal de Peter Breiner. Orquesta Sinfónica de Moscú. Igor Golovschin. 1996.


Un poco pasada ya la fecha de celebración de su centésimo quincuagésimo nacimiento os dejo un disco como homenaje a ese genial, prolífico, fantástico y poco valorado compositor español de Camprodón, en Girona, que fue Isaac Albéniz. 

Magnífico compositor y excelente instrumentista de piano no se concentró sólo en la interpretación como solista sino que desarrolló una actividad compositiva para escena fantástica, así como obras orquestales, de cámara y claro está de piano. Sus amplios estudios en Madrid, Bélgica y Barcelona se complementaban con sus amplias giras concertísticas. Sus éxitos en París y Londres eran enormemente reconocidos y particularmente en París sus contactos y amistades con los músicos franceses de renombre de la época eran muy profundos, siendo su casa misma "refugio" de otros compositores españoles como Turina o Falla. Albéniz en sus etapas finales comenzó a jugar con formas musicales más largas experimentando un cambio en su estilo composicional desde lo básicamente ligero, piezas atractivas de su inicial carrera, hacia un arte más complejo. Sin dejar de interpretar, sus apariciones disminuyeron absorbido por la composición y producción de sus trabajos operísticos. Estos últimos bien no vieron la luz o bien no tuvieron mucho éxito y Albéniz regresó poco a poco al piano y a su nativo paisaje y lenguaje de inspiración, con texturas pianísticas, suaves, delicadas, enormemente dulces y sensibles como La Vega, Suites Españolas I y II y  su culminación con la obra maestra Iberia de 1905 a 1908.



Iberia: 12 Nouvelles Impressions en Quatre Cahiers es una obra maravillosa, perfecta. Acetaba una translación orquestal que en parte realizó el gran maestro Arbós. Se integra en cuatro cuadernos:

Primer Cuaderno: Evocación - El Puerto - El Corpus en Sevilla. París, Sala Pleyel, 9-5-1906. Blanche Selva, piano.

Segundo Cuaderno: Rondeña - Almería - Triana. San Juan de Luz, 11-9-1907 (Rondeña y Almería). Blanche Selva, piano; Barcelona, Teatre Principal, 5-11-1906. Joaquim Malats (Triana).

Tercer Cuaderno: El Albaicín - El polo - Lavapiés. París, Palacio de la Princesa de Polignac, 2-1-1908. Blanche Selva, piano.

Cuarto Cuaderno: Málaga - Jerez - Eritaña. París, Société Nationale de Musique (Salon d'automne), 9-2-1909. Blanche Selva, piano.

La versión que os dejo presenta la aproximación a la orquestación completa de la obra por el músico eslovaco Peter Breiner que creo consigue ser muy fiel en el trasvase de intenciones, ideas y colorismo y que logra una música bellísima. La Orquesta Sinfónica de Moscú dirigida por un estupendo Golovschin logra una interpretación muy fresca, rica en matices y digna de ser disfrutada. En otra ocasión les dejaré al acercamiento de Argenta a las piezas orquestadas por Arbós.


Albéniz
Iberia, Versión Orquestal Completa de Peter Breiner
Igor Golovschin
Orquesta Sinfónica de Moscú
Moscú, marzo de 1996

http://www.megaupload.com/?d=5U2U2ZMC

Sibelius. Sinfonías 4 y 5. Finlandia. Karajan. Philharmonia Orchestra. 1952. 1953.


Magnífica muesta del arte de un joven Karajan dirigiendo obras de Sibelius a las que era particularmente afecto. Y homenaje también que sirva para otro hombre que en la postguerra tuvo un papel, con sus más y sus menos, fundamental en el desarrollo musical de una Europa asolada por la muerte, la violencia y la desolación espiritual en todos los sentidos: Walter Legge, fundador de la excepcional Philharmonia Orchestra. La asociación produjo discos maravillosos, verdaderas obras de arte tanto en el campo sinfónico, concertante como fundamentalmente en el operístico.

A Legge, además, no debemos olvidarlo, le debemos mucho más. Durante la Segunda Guerra Mundial se ocupó de los conciertos para las fuerzas aliadas y una vez terminada la se estableció en Viena, a modo de cazatalentos, para contratar artistas que habían quedado sin trabajo ante la destrucción masiva de los teatros. Muchos le deben su desarrollo profesionl y su proyección internacional: Josef Krips, Irmgard Seefried, Ljuba Welitsch, Hans Hotter, Ludwig Weber, el mencionado Herbert von Karajan, Christa Ludwig, Dietrich Fischer-Dieskau y la soprano alemana Elisabeth Schwarzkopf con quien se casó en 1953 y de quien fue el artífice de su carrera. Productor de numerosísimos discos para estos artistas participó también en el lanzamiento y produción de los discos de Callas, Victoria de los Ángeles, Janet Baker, Jacqueline du Pré, Fritz Wunderlich, Rudolf Kempe, Dinu Lipatti, Daniel Barenboim y otros. Su carácter, digamos que un poco "dictador", marcó su declive con las nuevas generaciones. Pero muchos, muchísimos le deben no sólo el éxito de su profesión sino también la subsistencia en sí misma.


Las obras musicales presentadas ya han sido previamente comentadas en las entradas del blog sobre la Integral Sibelius de Bernstein. Sólo me gustaría dejarles la reseña del valor interpretativo e histórico amén de humano de estas versiones. Creo que son de las más bonitas interpretaciones de Karajan de estas obras. Incluso me atrevería a decir que están a nivel de cualquier otra que puedan tomar como referencia. El discurso musical tan diferente en ambas obras, por su carácter también tan diferente, es asimilado por Karajan para ofrecer la interpretación precisa a cada una de ellas. Y verdadermente tenemos una Cuarta Sinfonía magistralmente ejecutada, escueta en recursos, rompedora con lo anterior, sombría y una Quinta emocionalmente profundísima, vibrante, con invenciones melódicas maravillosas y un un final arrollador. La ejecución que ofrece la Philharmonia es soberbia. Y Finlandia ¡suena maravillosamente emotiva y pujante!
Disfruten el disco con una muy buena grabación sonora.





Sibelius
Finlandia
Sinfonía nº 4*
Sinfonía nº 5
Karajan
Philharmonia Orchestra
Londres, julio de 1952 y julio de 1953*


Mp3

FLAC

sábado, 29 de mayo de 2010

Gershwin: Rhapsody in Blue, Un Americano en París. Grofé: Grand Canyon Suite. Leonard Bernstein, Director y Pianista. Orquesta Sinfónica Columbia. Orquesta Filarmónica de New York. 1959. 1958, 1963.


Disco precioso, de música maravillosa, alegre, bella al oído, rítmica, melodiosa, dulce, simpática, descriptiva, instrumentalmente genial, ejemplo precioso de la música americana de mitad del siglo XX. Director y orquesta de lo más apropiado que puedan encontrar para transmitir ese espíritu americano, ese ritmo, ese alma de jazz y esa alegría a los pentagramas de Gershwin y Grofé.

Esta entrada está dedicada con todo el cariño del mundo a mi amiga desde la infancia, compañera de estudios y de profesión, confidente, animadora espiritual de mis muchísimos momentos bajos, alegría sencilla en los buenos, mente preclara para ver la vida, madrina de mi nene y una de las personas más maravillosas que existen. Va por ti Chiti. Por aquellos veranos de estudio de MIR ¿recuerdas las calores de Sevilla a las cuatro? en los que descubrí, en un vinilo que poníamos siempre con el cafelito que preparaba tu mami, esta música que fue el origen de mi pasión por la música clásica. Todavía te debo un regalo que debí darte en su momento y que guardaré para siempre.


 Gershwin


 Grofé


Gershwin y Grofé tuvieron una lucha interna propia. Estuvieron marcados ambos por una lacra que les costó quitarse. Gershwin de ser incapaz de componer, completa, una buena obra sinfónica (cosa que no se dudaba pudiera hacer Grofé pero no lograba que se reconociera) y Grofé, reconocidísimo orquestador, de poder demostrar, de dar una prueba de su innato don de compositor (cosa que se dudaba de Gershwin y que finalmente hizo).

El Director de Orquesta de Jazz Paul Whiteman tenía en mente poder demostrar que el jazz podía ser una música perfectamente adecuada a la sala de concierto y perfectamente aceptada y "asequible" por la sociedad si se le podía dotar de un cierto carácter sinfónico. Gershwin fue el compositor designado para realizar una obra que lo demostrase y aún pareciéndole que comportaba numerosas dificultades técnicas y musicales aceptó. La obra compuesta de forma rapsódica y libre debe su nombre a su hermano Ira Gershwin partiendo del modelo impresionista de nominación de las pinturas y que en parte hacía alusión a algunos elementos propios del jazz como eran "las notas azules"; fue la Rhapsody in Blue. Se estrenó finalmente como tenía previsto Whiteman el 12 de febrero de 1924 en el Aeolian Hall con Gershwin al piano y con una acogida con cierta polémica que pronto pasó a ser buena acogida teniendo gran aceptación y difundiéndose rápidamente entre solistas y orquestas. La obra fue orquestada por Grofé (el orquestador de la banda de Whiteman aprovechando todas las posibilidades del jazz que la composición original de Gershwin ofrecía. Y ciertamente consigue una obra preciosa sobre la base de una composición maravillosa.


  Whiteman Band
     (Grofé al piano, Whiteman delante en pie)
                  

Gershwin sin embargo era conocedor de sus carencias compositivas, técnicas y formales por lo que siguió estudiando para su mejora. Emprendió un viaje a Europa, París y Viena, con el objeto de ser admitido por grandes maestros de la época y recibir su docencia aunque lo que en realidad recibió fueron respuestas muy curiosas de dichos maestros como Stravinsky o Ravel a la hora de negarle la posibilidad de darle clases (respuestas curiosas pero que son de lo más sincero que pueda haberse dicho).

Durante ese viaje europeo compuso la fantástica obra Un Americano en París. Compuso y orquestó (lacra quitada) él mismo la obra completa. Es una obra no puramente ilustrativa de escenas (programática) sino muestra de impresiones generales aunque llegó a dejar escrito algunas anotaciones para desarrollar un programa de acción general de la obra y la dotó con la maestría suficiente de elementos coloristas locales que resultan maravillosos (bocinas, temas franceses de canciones, recuerdos con temas de charlestón, etc.) La obra fue estrenada en New York el 13 de diciembre de 1928 en el Carnegie Hall por la Filarmónica de New York y el director Walter Damrosch. A pesar de ciertas críticas, la obra fue un éxito y Gershwin queda entre los grandes compositores musicales americanos del siglo XX. Culmina su breve carrera (una prematura muerte) con su ópera Porgy and Bess, excepcional obra.

Ferde Grofé, en realidad Ferdinand Rudolph von Grofé por sus orígenes europeos, fue uno de esos talentos ocultos en la sombra de la vida musical americana de principios y mediados del siglo XX. Miembro y mano derecha de la banda de jazz de Whiteman amén de pianista y violinista era un extraordinario arreglista y orquestador y un enamorado de las imágenes y sonidos de su país. Su enorme deseo era ser un buen intermediario entre el jazz de diversión y la música considerada seria. Sus obras están llenas de un sonido mixto de fácil retención y asociados a títulos descriptivos muy evocadores (San Francisco Suite, Metrópolis, Broadway at Night, Niágara Falls, etc.) que pintan un paisaje americano musical bellísimo (su lacra quitada). Entre ellas destaca esta fantástica Grand Canyon Suite (quién no se ha sentido transportado al oeste como un Gary Cooper o John Wayne cualquiera escuchándola). El primer movimiento de la obra se compuso en 1921 y el resto durante los viajes y giras con la orquesta de Whiteman entre el 1929 y 1931. Se estrenó con enorme éxito en noviembre de 1931 en el Studebaker Theatre de Chicago con la banda de Whiteman.


Las grabaciones de las obras de Gershwin tuvieron lugar en un espacio excepcional de New York, el gran hotel St. George de Brooklyn, el más grande hotel de New York, en su excepcional salón de baile. La grabación de Grofé se realiza en la sala Philharmonic Hall en un momento donde su fracaso constructivo en cuanto a la sonoridad estaba plenamente admitido y que llevó a sus tres reformas hasta dar lugar al definitivo New Avery Fisher Hall.


Bernstein


Las interpretaciones de las obras reconozco que me parecen impresionantes. Las orquestas están excepcionales, Bernstein dirige con un alma, una pasión y una vitalidad fantásticas y su piano resulta bellísimo en la Rhapsody. Y ¡qué bonito suena es violín del gran John Corigliano en la Gran Canyon! Este es un disco que me sigue alegrando la vida cada vez que lo escucho. Espero que un poquito de esa alegría les llegue con su audición.

Gershwin

Rhapsody in Blue
Bernstein, Director y Piano
Orquesta Sinfónica Columbia
New York, 23 de junio de 1959

Un Americano en París
Bernstein
Orquesta Filarmónica de New York
New York, 21 de diciembre de 1958

Grofé

Gran Canyon Suite
Bernstein
John Corigliano, violín
Orquesta Filarmónica de New York
New York, 20 de mayo de 1963














viernes, 28 de mayo de 2010

Michael Nyman. Piano Concerto / Where the Bee Dances. Takuo Yuasa. John Lenehan, piano. Simon Haram, saxofón. Ulster Orchestra.


Os dejo un disco precioso para disfrutar de la bellísima música de Nyman. No es lo mejor que ha dejado este soberbio compositor pero es quizá de lo más conocido, básicamente gracias a la película El Piano.

En el disco se recogen dos piezas fantásticas. Where the Bee Dances para orquesta y saxofón es una música deliciosa, lírica, ligera, rítmica, dulce. Referencia a la canción de Shakespeare de Ariel ya fijada por Nyman en la película Prospero's Books basada en La Tempestad de Shakespeare (excepcional). Merece la pena escucharla por su belleza y por la belleza que logra extraer Simom Haram de su instrumento en esta versión de la obra.

El Concierto para Piano es en parte la adaptación de la música de la banda sonora basada en gran parte en un tema popular escocés precioso. Conjuntado con algún tema soberbio más y bien escrito y desarrollado, da lugar a una pieza de escucha sorprendente y muy agradable al oído y muy bienvenida para el corazón. La interpretación de Lenehan al piano es maravillosa, con alma, fuerza y vitalidad. Una obra romántica con núcleo minimalista que conjunta perfectamente los aspectos trágicos, sombríos, amables y dulces. Un concierto precioso.


La Orquesta del Ulster y Takuo Yuasa están a muy alto nivel, y el disco no les defraudará, su música es bella por sí misma y es capaz de llegar al corazón sin más.

Michael Nyman
Where the Bee Dances
The Piano Concerto

John Lenehan, piano
Simon Haram, saxofón
Ulster Orchestra
Takuo Yuasa

Grabaciones
Ulster Hall, Belfast, Irlanda del Norte, 25 y 26 de febrero de 1997








martes, 25 de mayo de 2010

Grandes Marchas. Leonard Bernstein. Orquesta Filarmónica de New York. 1965, 1967, 1968, 1970, 1971.


Amigos os dejo un disco para, simple y llanamente disfrutar de una música bonita, conocida por una gran mayoría, de melodías que "nos suenan", muchas de ellas asociadas a películas o escuchadas en ellas, otras piezas superpopulares muchas veces reeditadas en discos de amplia difusión; marchas ceremoniales, de concierto serio, de conciertos dominicales en los parques, de desfiles, de teatro, de óperas, etc. Americanas, francesas, italianas, inglesas, húngaras, alemanas, etc.

Las fechas de grabación son muy variadas desde 1965 a 1971 y fueron grabadas por Bernstein y su Filarmónica de New York. Simplemente un disco para escuchar con sepíritu abierto, con alegría y con una sonrisa en el corazón. Hasta la portada del disco es preciosa, con ese gesto tan desenfadado de Bernstein.

Espero que lo disfruten. Les dejo las piezas y sus fechas como simple orientación. Que disfruten de su belleza, ritmo, alegría y si les apetece danzar un poquito, pues adelante con ello.

Grandes Marchas
Leonard Bernstein
Orquesta Filarmónica de New York
New York, desde 1965 a 1971

1. Semper Fidelis, march for band. John Philip Sousa. 1967.
2. The Thunderer, march for band. John Philip Sousa. 1970.
3. The Washington Post, march for band. John Philip Sousa. 1967.
4. Hands Across the Sea, march for band Composed by John Philip Sousa. 1968.
5. Radetzky-Marsch, for orchestra, Op. 228. Johann I Strauss. 1970.
6. Under the Double Eagle for band (or orchestra), Op. 159. Joseph Franz Wagner. 1970.
7. The Battle Hymn of the Republic ("Mine Eyes Have Seen the Glory," words by Julia Ward Howe. William Steffe. 1970.
8. Anchors Aweigh (Official song of the U.S. Navy). Charles A. Zimmerman. 1970.
9. The Stars and Stripes Forever, march for band. John Philip Sousa. 1967.
10. British Grenadiers. Disa English. 1970.
11. Rule, Britannia, for orchestra/band (with voice and/or chorus ad lib). Thomas Arne. 1970.
12. La Marseillaise (National Anthem, France). Claude-Joseph Rouget de Lisle. 1970.
13. National Emblem March for orchestra (or band). Composed by Edwin Eugene Bagley. 1970.
14. Marche de Rákóczy, for orchestra (Le damnation de Faust), H. 109. Hector Berlioz. 1967.
15. Carmen Suite nº 1 March of the Toréadors. Georges Bizet. 1967.
16. Le prophète, grand opera in 5 acts Coronation March. Giacomo Meyerbeer. 1967.
17. The Love for Three Oranges, suite for orchestra, Op. 33 bis March. Sergey Prokofiev. 1971.
18. Athalie, incidental music, Op. 74 War March of the Priests. Felix Mendelssohn. 1967.
19. Aida, opera Grand March. Giuseppe Verdi. 1968.
20. Caucasian Sketches. Procession of the Sardar. Mikhail Mikhaylovich Ippolitov-Ivanov. 1965.
21. Symphonic Metamorphosis of Themes by Carl Maria von Weber. Paul Hindemith. 1968.
22. Pomp and Circumstance March No.1. Edward Elgar. 1967.
23. Tannhäuser, opera, WWV 70 Fest March. Richard Wagner. 1970.
24. Colonel Bogey March for orchestra/band. Kenneth J. Alford. 1970.








lunes, 24 de mayo de 2010

Conciertos para Piano de Tchaikovsky, Prokofiev, Bach. Richter, Ancerl, Talich. Orquesta Filarmónica Checa. Orquesta Sinfónica de Praga. 1954.



Queridos amigos, os dejo un disco histórico de una valor emocional e interpretativo único. Tres grandes maestros de la música, en el piano el excepcional Richter, a la dirección los no menos excepcionales maestros checos Ancerl y Talich acompañando a unas formaciones orquestales de un nivel altísimo, las orquestas Filarmónica Checa y la Orquesta Sinfónica de Praga. Todo esto unido a las obras interpretadas nos hacen un menú digno del mejor restaurante musical.


Richter


Talich


Ancerl

       
En una entrada anterior en el blog (http://juliosbv.blogspot.com/2010/02/sviatoslav-richter-rachmaninov.html), realizamos una reseña del disco de DG en el que junto a un excepcional concierto de Rachmaninov se acoplaba un enorme concierto nº 1 de Tchaikovsky realizado con Karajan en el 1962. Me atrevo a indicaros que esta interpretación de Richter con la Filarmónica Checa y Ancerl en la dirección va un poquito más allá. A pesar de su sonido mono y algo peor que el del disco de DG, tiene una calidad sonora más que suficiente, diría incluso más, sorprendente. Y tiene un alma en ella que no deja de emocionar.

El Concierto para Piano nº 1 de Tchaikovsky es sin duda una de las obras pianíticas románticas más célebres. Escrito en el invierno entre 1874 y 1875 a la demanda del Director del Conservatorio de Moscú, Nicolás Rubinstein, enorme pianista además y primer, o mejor dicho, destinatario original de la obra, tuvo una inicial acogida fría por el propio Rubinstein (luego recapacitó) en su primera aproximación en versión camerística usada en los ensayos. Tchaikovsky, sin perder el ánimo, cambió el destinatario y se estrenó el 25 de octubre de 1875 en Boston dirigido por Benjamin Johnson Lang y Hans von Bülow en el piano. El concierto tuvo luego dos revisiones más de 1879 y de 1888.


El concierto es de una belleza suprema, de carácter amplio y sinfónico, es fuerte, rítmico, sonoro, bello y transmisor de emociones bellísimas. Y la aproximación de Richter y Ancerl no tiene desperdicio.

El Concierto para Piano nº 1 de Prokofiev es una obra musical de sus "años escolares" incluyendo en el mismo su conocimiento profundo de la técnica pianística y los efectos sonoros "modernos". Es un concierto simple, claro, fresco, expresivo, virtuoso y bello. Se inició su composición en 1911 y se terminó en 1912. En un movimiento, es el más corto de sus cinco conciertos para piano. El concierto fue estrenado en Moscú el 7 de agosto de 1912, con el compositor como solista y Saradzhev Konstantin como director. Prokofiev ganó el Premio Anton Rubinstein del Conservatorio de San Petersburgo por esta obra además de un hermoso piano nuevo.


La interpretación, en este caso acompañado por Ancerl de nuevo y la Orquesta Sinfónica de Praga es de nuevo bella, técnicamente maravillosa y el virtuosismo de Richter en endiabladamente bello.

De los siete conciertos para Clavecín y Orquesta de Cuerdas de Bach, enorme y bellísimo legado musical, el nº 1 es el más conocido de ellos. Su modelo violinístico es desconocido y Bach volvió a usarlo en alguna que otra ocasión más en sus obras. La melodía y el ritmo de la obra son enormemente expresivas y bellísimos en sus repeticiones y ornamentaciones. Cierto y verdad es que dirán los más entendidos que la interpretación es moderna, de piano y orquesta actual pero la vida infundida a esta música por Richter, Talich y la Filarmónica Checa hace que olvidemos cualquier prejuicio. Dejen libre su alma y verán qué profundamente fluye esa bendita música.



Tchaikovsky
Concierto para Piano nº 1

Richter
Ancerl
Orquesta Filarmónica Checa

Grabación
Rudolfinum, Praga, junio de 1954

Prokofiev
Concierto para Piano nº 1

Richter
Ancerl
Orquesta Sinfónica de Praga

Grabación
Rudolfinum, Praga, mayo de 1954

Bach
Concierto para Piano nº 1

Richter
Talich
Orquesta Filarmónica Checa

Grabación
Rudolfinum, Praga, junio de 1954










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domingo, 23 de mayo de 2010

Mi hijo. Exámenes al Grado Medio.


El próximo miércoles 26 de mayo mi hijo tiene los exámenes de acceso al Grado Medio de Guitarra en el conservatorio Superior Cristóbal de Morales.

Ánimo, has estudiado, has ensayadado, ahora simplemente toca y expresa con corazón, como llevándolo a tus dedos, lo que te transmitan esas piezas que has ido puliendo. Y si no sale, pues "aquí paz y a Dios gloria" otro año más nunca está de sobra.

Besos Julio.

Schumann, Sinf. nº 4. Furtwängler, Sinf. nº 2. Furtwängler. OF de Berlín. 1953. 1951.


Amigos, os dejo otro disco que considero de enorme valor. Musicalmente hablando es una delicia. En el terreno de las emociones no se sentirán fríos tras su escucha. Tendrán una versión interpretativa de una Cuarta Sinfonía de Schuman excepcional y una aproximación por el propio Furtwängler a su Segunda Sinfonía, una obra preciosa, digna de escuchar y reflejo de todo su mundo musical, social, cultural y emotivo.

Ya dejamos anteriormente en este blog http://juliosbv.blogspot.com/2010/02/schumann-integral-de-las-sinfonias.html una integral sinfónica de Schumann por el genial Szell. Enorme y sublime conjunto interpretativo del mundo sinfónico de Schumann sin reproche algun.. Escepcional. En esta ocasión la interpretación de Furtwängler del año 1953 con sus filarmónicos berlineses es puro fuego, lava fundiéndose, intensidad máxima, emotividad directa, ejecución perfecta en todo el recorrido de la obra, pasión pura y vida en la música. En mi humilde opinión, la más bonita que puedan escuhar. La Sinfonía n.º 4 fue completada en 1841 (conocida como primera versión). Schumann la revisó profusamente en 1851, y esta es la versión que escuchamos en el CD de Furtwängler. Les recomiendo con toda mi fuerza que aprecien este genial y poderosísima aproximación a esta obra por un director para el que parece estar hecha a la medida de su alma.


La Sinfonía nº 2 de Furtwängler es una obra preciosa que merece mayor difusión que la lograda al igual que su precioso Concierto Sinfónico para Piano y Orquesta. La obra, comenzada por Furtwängler a principios de la Segunda Guerra Mundial, fue su principal actividad de trabajo en los años de postguerra de 1946 y 1947 obligado por la imposición de los aliados sobre los músicos que premanecieron trabajando en Alemania o Austria durante la etapa nazi. La Primera Sinfonía originada a principios de siglo y que vio la luz sobre 1941 ilustraba ya el carácter compositivo de Furtwängler, de modelo Bruckneriano y muy relacionada con esa etapa juvenil de un Furtwängler insomne. La Segunda Sinfonía tiene otro carácter, es una obra emocionante, viva, intensa, estructurada y orquestada de manera más precisa y fina dentro de un modelo brucknerino final con reminiscencias mahlerianas. Hay quién afirma que es una copia de Bruckner pero sin la capacidad de sostener una obra tan monumental como tenía Bruckner. Pueden pensar lo que quieran, pero para mí, la obra tiene valor, es bella, muy amplia, serena e intensa, dulce y apenada. Tiene cualidades que merecen su audición.


Las grabaciones corresponden a DG aunque en el caso de la Segunda Sinfonía de Furtwängler tengo también la interpretación en vivo de Orfeo y ambas me hacen insistir en que es una gran obra. Su estreno en USA, en Chicago, no fue posible al percibir o creer ver en Furtwängler una figura del nazismo.

Les dejo un disco soberbio, imprescindible, pleno de acierto musical y humano. Un tesoro.


Schumann
Sinfonía nº 4

Furtwängler
Orquesta Filamónica de Berlín

Grabación
Berlín, mayo de 1953, Jesus-Christus-Kirche


Furtwängler
Sinfonía nº 2

Furtwängler
Orquesta Filarmónica de Berlín

Grabación

sábado, 22 de mayo de 2010

Brahms, Sibelius. Conciertos para Violín. Bernstein, Francescatti, Orquesta Filarmónica de New York. 1961. 1963.


Estimados amigos, paso a dejaros un CD muy interesante y de una muy agradable audición. Las versiones de los conciertos para violín de Brahms y Sibelius que realizaron a principios de los años sesenta del pasado siglo dos músicos excepcionales: Leonard Bernstein y el genial y sutil violinista Zino Francescatti.

El Concierto para Violín de Brahms, compuesto en 1878, es una obra deseada por el compositor durante mucho tiempo para ofrecer a su gran amigo Joseph Joachim. Su génesis está llena de una intensísima tarea de unión de esfuerzos y sentimientos para las correcciones que se realizaron en la obra entre ambos personajes. Una larga correspondencia entre ellos se desarrolló para ir matizando y mejorando las partes en los que cada uno era especialista, aportando además el alma de ambos músicos y la inspiración artística de los mismos.

El resultado fue un concierto con una parte violinística enormemente exigente para la época y una obra musical de forma sinfónica excepcionalmente pulida, extensa, con integración plena con el instrumento solista en fusión y no en contraposición. Un primer movimiento precioso, cantable, lúdico, danzante, con mezclas de dramatismo y lirismo. Un segundo movimiento, ese Adagio preciosísimo, de enorme lirismo transmisor de calma y serenidad, muy "romántico". Un tercer y último movimiento mucho más enérgico, electrizante, danzante e impulsivo. En definitiva un concierto maravilloso. La obra se estrenó el 1 de enero de 1879 con el compositor dirigiendo a la orquesta de la Gewandhaus de Leipzig y Joachim en la parte solista.

En cuanto al Concierto para Violín de Sibelius, os remito al post del mismo en este blog http://juliosbv.blogspot.com/2010/02/conciertos-para-violin-de-beethoven-y.html . Indicaros simplemente su enorme belleza, intensidad sentimental, sensualidad, emotividad y fuerza lírica.

La versión que os dejo merece la escucha atenta. Francamente las interpretaciones son delicadas, enérgicas y precisas dependiendo de las necesidades de las obras y sus momentos. Francescatti está enorme, maravilloso y sublime. Pocos violinistas podían presumir de la capacidad de transmisión emotiva que tenía este hombre. La dirección de Bernstein y el acompañamiento orquestal no dejan, ni mucho menos, nada que desear (particularmente me encantan en el concierto de Brahms).



Que lo disfruten.

Brahms
Concierto para Violín

Leonard Bernstein
Zino Francescatti
Orquesta Filarmónica de New York

Grabación
New York, Manhattan Center, 15 de abril de 1961

Sibelius
Concierto para Violín

Leonard Bernstein
Zino Francescatti
Orquesta Filarmónica de New York

Grabación
New York, Philharmonic Hall, now Avery Fisher Hall, Lincoln Center, 15 de enero de 1963