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lunes, 30 de agosto de 2010

Beethoven. Concierto para Violín. Oberturas La Consagración de la Casa y Leonore III. Bernstein. Stern. OF de New York. 1959. 1962. 1960.


Volvemos a dejar una representación más de esa preciosa obra musical que es el Concierto para Violín de Beethoven. Anteriormente habíamos dejado dos, creo excepcionales, entradas más referentes a la citada obra, pero como dice el refrán "no hay dos sin tres" así que os dejo otra aproximación al mismo, en este caso de la mano de Bernstein, Stern y la Orquesta Filarmónica de New York. El disco se acompaña de dos bellas interpretaciones de las Oberturas La Consagración la Casa y Leonore III.


El fenomenal Concierto para Violín de Beethoven es una muestra de belleza musical difícil de superar, quizá uno de los más bellos dedicados al instrumento y quizá uno de los primeros en ser dotados de un carácter "sinfónico" donde solista y orquesta no sólo dialogan de forma principal sino que intervienen componiendo la obra de manera sólidamente unida. Su primer movimiento tiene un carácter fuerte, intenso y dramático con un violín bellísimo. En contraposición el maravilloso segundo movimiento, se muestra más agradable, dulce y lírico y se encadena a un movimiento final alegre, danzante y con un final precioso.

En las entradas anteriores dejamos las aproximaciones de Zino Francescatti y Menuhin, dos excepcionales maestros y dueños de una calidez y una musicalidad extraordinarias. En esta ocasión (si bien tuve la osadía de referirme a Stern como "menos cálido") os dejo una aproximación que orquestalmente es deslumbrante, Bernstein y la Filarmónica de New York están ambos enormes, y en la que la calidad sonora y técnica de Stern resulta apabullante, extraordinaria y fuera de lo común, aunque para mí no alcanza ese poquito más para transmitirme "alma" siendo desde luego es una interpretación para quitarse el sombrero. Son simplemente apreciaciones mías repitiendo que la sonoridad, la técnica y la musicalidad de Stern están fuera de toda duda.


Las Oberturas están fantásticamente interpretadas. La Consagración de la Casa de 1822 dedidaca por Beethoven a la inaugración de un nuevo teatro en Viena tiene un esplendor sonoro embriagador y una elegancia maravillosa. La Obertura Leonore III es quizá la que mejor de las diferentes revisiones de la misma logra transmitir el dramatismo de la ópera Leonore (fidelio) y su idea fundamental de certitud de un mundo mejor y mucho más humano y en esta interpretación se aprecia de un modo particular.

Espero que disfruten del disco y me perdonen los admiradores de Stern (entre los que me incluyo desde luego) por los comentarios antes dejados. Dejo el disco como siempre simplemente a su disfrute y las apreciaciones a su criterio. Pero seguro que disfrutarán de él. 







Beethoven
Concierto para Violín*
La Consagración de la Casa
Leonore III
Bernstein
Stern, violín
Orquesta Filarmónica de New York
New York, abril de 1959*, octubre de 1962 y octubre de 1960






domingo, 29 de agosto de 2010

Hair. Banda Sonora Original. 1978-1979.


Una entrada especial dedicada a esta fantástica música de la banda sonora original de la película Hair (Milos Forman) basada en el musical (James Rado, Gerome Ragni y Galt MacDermot) del mismo nombre (separados por unos diez años de diferencia en sus producciones).

Difícil puede resultar transmitirles el significado que supuso la visión de esa película en un chico de unos 15 años, más o menos, pero sí que recuerdo que me hizo llorar como una magdalena y que me emocionó profundamente, muy profundamente. Quizá realizé un traslado del mensaje de la película a mi propio ser o quizá mi ser se veía reflejado en ese mensaje que yo percibía: independencia, honor, amistad, libertad, amor, felicidad. ¡Qué difícil era unir todos ellos! ¿Serían compatibles? ¿Habría que optar? Visto con el tiempo me siguen surgiendo las mismas dudas. Señal de que en muchos aspectos evoluciono poco. Iguallmente es significativo de qué manera el mensaje del musical y el visionado de la película siguen conservando un valor y una actualidad perfectamente capaces de resistir el paso del tiempo. Cuando mis hijos vieron la película, con bastante menos edad, el impacto fue el mismo pero con una matiz, si bien la emoción continua, la alegría en ellos superó a las dudas. Interesante cuanto menos. Evidentemente la música les encantó y disfrutaron de una película que recuerdan con cariño.



Hair es un musical sobre la cultura hippie de los años sesenta en los Estados Unidos, incluyendo aspectos polémicos entonces como el amor, la paz, la libertad sexual o el uso de drogas, produciendo bastante impacto en la época, influyendo mucho en ello los desnudos integrales de todos los actores en algunas escenas.

La obra fue originalmente escrita por James Rado y Gerome Ragni (letras) y Galt MacDermot (música). Las primeras representaciones se realizaron en 1967 en un club llamado The Cheetah, para pasar a estrenarse definitivamente en el Public Theater del off-Broadway el 17 de octubre de 1967 con bastante éxito y trasladarse finalmente al Biltmore Theater de Broadway el 29 de abril de 1968 donde se mantuvo durante 1742 representaciones. Un enorme éxito.

En 1979 se produjo la película basada en el musical, con el mismo nombre (Hair), dirigida por Milos Forman y protagonizada por Treat Williams, Beverly D'Angelo y John Savage. La película creo tiene una calidad enorme y es capaz de reflejar el espíritu del original del musical. La escena final desde luego sigue siendo enormemente emocionante.



El disco que os dejo es el reprocesado de la edición especial vigésimo aniversario del musical cinematográfico grabado entre diciembre de 1978 y enero de 1979. Os lo dejo como homenaje a esta fantástica obra musical que seguro resuena en los oídos de algún que otro de nosotros y traerá igualmente algún que otro recuerdo de la época.




Hair
Banda Sonora Original de la Película
De diciembre de 1978 a enero de 1979



Symphonic Brass. Black Dyke Band. Nicholas Childs, Director. 2007.


Preciosas transcripciones y adaptaciones de música clásica realizada para banda de metales y percusión. Un disco diferente, divertido, entretenido, agradable de escuchar y con la capacidad de permitir saborear otra manera de ver partituras tradicionales adaptadas con mucho arte y calidad a una Banda de Música de unas familias instrumentales reducidas.

Es resultado es muy parecido a los obtenidos en las grandes Bandas de Música de nuestro Levante, gran cuna de estas agrupaciones españolas, y algo más lejano pero con muchas cosas en común con las excepcionales Bandas Musicales de Semana Santa de Sevilla (hablaremos de ellas).

La Black Dyke Band data del año 1816 siendo en la actualidad una de las grandes bandas inglesas de este tipo de grupaciones. Nicholas Childs es un reputado director de estas agrupaciones y destaca también su labor compositiva, educativa y divulgativa de la música.



Las piezas ofrecidas en el disco resultan una maravillosa conjunción de piezas famosas, de fácil audición, sobradamente conocidas y que en estas adaptaciones tienen su encanto y atractivo musical. Se ofrecen piezas de Verdi, Brahms, Bizet, Holst, Elgar, Walton, Tchaikovsky, Williams y una fantástica adaptación de varias piezas de la Suite de Gershwin, Porgy and Bess (preciosa).

Espero que las disfruten todas ellas con mucha alegría y que el sonido de esos metales sean "campanazos" de alegría para sus corazones. Disfruten, merece la pena.


Symphonic Brass
Black Dyke Band
Nicholas Childs, Director

Verdi, Aida
Brahms, Academic Festival Overture
Bizet, Los Pescadores de Perlas
Bizet, Suite Carmen
Holts, Júpiter (Los Planetas)
Bizet, L'Arlésienne (Farandole)
Elgar, Enigma, Nimrod
Walton, Spitfire Fugue
Gershwin, Suite Porgy and Bess
Williams, Salvar al Soldado Ryan
Tchaikovsky, Obertura 1812

Morley Town Hall, West Yorkshire, UK, julio de 2007




viernes, 27 de agosto de 2010

Dvorak. Concierto para Violonchelo. Celibidache, du Pré. Swedish Radio Symphony Orchestra. 1967.


Encuentro excepcional e irrepetido entre dos fenómenos musicales. El enorme maestro Celibidache y la no menos genial violonchelista du Pré. Colaboración conjunta para la Radio Sueca de mitad de los años 60.

Celibidache no era un maestro al que gustara en demasía trabajar con solistas (o bien los solistas no aceptaban la forma de trabajar exhaustiva del gran maestro rumano). Concretamente durante su estapa sueca, de 1965 a 1971 del total de 22 programas de conciertos la mitad fueron sin solistas y entre ellos básicamente los mismos, sin variaciones sorprendentes. Destacaron Benedetti Michelangeli, Szeryng, Ashkenazy y du Pré (entre algunos más). Celibidache exigía a los solistas la integración perfecta con la orquesta, no quería una orquesta "de acompañamiento" sino una integración que lograra un juego de luces y sombras sonoras perfecto, una sonoridas casi camerística, una armonía en la música plena.



Igualmente con la orquesta era exigente. Repeticiones, detalles mínimos, precisión sonora extrema, escucha interior en la orquesta, homogeneidad sonora, crescendos con sentido, grupales, no simples aumentos de intensidad o volumen. Si bien sus tiempos y sus sobras han sido amplimente criticadas, la musicalidad que logra, la emotividad creciente, la expresividad calculada, las sutilezas en el juego, son más que suficientes para apreciar en cada una de sus interpretaciones un valor humano, musical y temporal único.

La interpretación aquí recogida sinceramente no sabría calificarla. Es, "diferente". Si bien la orquesta no es una de las tenidas por grandes, ofrece un juego instrumental buenísimo y una lectura de una claridad excepcional. La introducción orquestal es bellísima hasta que aparece ese maravilloso violonchelo de du Pré que está excepcional, maravillosa, rica en matices, enormemente sensual (incluso muchos dicen que sexualmente maravillosa) perfecta técnicamente y que no tiene nada que desmerecer frente al gran Fournier de Szell (a mi sólo me llama la atención quizá esa sonoridad de su violonchelo que me la hace tan diferente a Fournier o quizá sea su propia juventud, quién sabe). La carga de emotividad y fuerza a lo largo de la obra es digna de admirar, impresionante, envolviendo toda la audición de una magia sonora indescriptible. Y la orquesta logra una compatación sonora bellísima en su interior y con nuestra estupenda solista. Es una bendición escuchar esta interpretación de dos de los más grandes de la historia.


Les dejo esta preciosa grabación para su disfrute. Es una obra de la que no me canso de escuchar diferentes aportaciones y en todas ellas hay algo diferente. Detalles o matices aportados por la orquesta o el solista o ambos que me pellizcan el sentimiento. Eso es magia.

¡La magia de la Música!


Dvorak
Concierto para Violonchelo
Celibidache
Jacqueline du Pré
Swedish Radio Symphony Orchestra
Estocolmo, Konserthus, noviembre de 1967

jueves, 26 de agosto de 2010

Lenny. 25 de agosto de 1918. Un Homenaje. Ives. Segunda Sinfonía. Piezas Orquestales. DG. Orquesta Filarmónica de New York. 1987. 1988.


Querido Lenny, mañana lo termino, hoy ya no doy para más. Te dejaré una, creo, impresionante interpretación de una de tus obras favoritas. Esa maravillosa Segunda Sinfonía de Ives de tu época con DG. ¡Hasta mañana! y sobre todo ¡Gracias!

Ya de vuelta retomamos la publicación (26 de gosto de 2010).


El disco que os dejo, amén de la excepcional Segunda Sinfonía, reune un conjunto de piezas de Ives de un carácter diferente a la obra sinfónica. Se trata de un grupo de piezas donde aún persistiendo las influencias populares de Connecticut se abren e investigan ritmos, tonalidades, aleatoriedad, efectos musicales, mezclas sorprendentes, etc. y forman la base de toda una corriente experimental estadounidense.

La Pregunta sin Respuesta y Central Park in the Dark forman parte de una misma pieza a modo de elementos complementarios y datan de 1906 teniendo una base programática del propio Ives. El resultado musical me parece extraordinario, ese perpetuo sonoro de las cuerdas sobre el que aparecen el resto de familias instrumentales resulta maravilloso. En ambas piezas se juega con la tonalidad y atonalidad de manera invertida en cada una de ellas.

The Gong on the Hook and Ladder representa una escena americana típica incluso humorística representando la estación de bomberos y su gong. Los instrumentos elegidos hacen su papel de manera extraordinaria, como una charada loca pero con el gong al final siempre al mando.

Tone Roads nº 1 forma parte de un conjunto de tres piezas para orquesta de cámara escritas entre 1911 y 1919. Los grupos de instrumentos en tres divisiones evolucionan hasta unirse finalmente. Es un ensayo de atonalidad.

Hymn (Largo cantabile) forma parte de una serie de tres piezas escritas entre 1903 y 1914. Concretamente Hymn en 1904 y se integró en el grupo llamado A Set of Three Short Pieces. Es una preciosa melodía de cuerdas y violonchelo solo de enorme musicalidad y belleza.

Hallowe`en de 1906 para cuarteto de cuerdas y piano intenta reflejar la popular fiesta norteamericana y las figuras que imagina participaban en ella y sus actos. Hay libertad relativa del juego del cuarteto de cuerdas y el piano pero según el propio Ives la pieza se debía interpretar siguiendo las indicaciones por él dadas.

El conjunto de piezas referidas están excepcionalmente interpretadas por Bernstein y sus músicos de Nueva York y creo que logran transmitir, dentro de la dificultad de esta música, la belleza necesaria e intrínseca a la misma.




La Segunda Sinfonía de Ives, de la que dejamos ya constancia en otro post con su anterior grabación con Sony (http://juliosbv.blogspot.com/2010/02/charles-ives-sinfonias-n-1-y-n-2.html) es una obra de arte musical absoluta. Desde mi punto de vista una excepcional obra sinfónica. Con todas las reminiscencias que quieran de obras de Beethoven, Brahms, Bruckner, Dvorak o Wagner, pero sonando como algo diferente y propio, amalgamando esas melodías con sus propias imágenes sonoras y sus vivencias: sus himnos, melodías populares, canciones patrióticas, canciones estudiantiles o populares.

Disfruten de esta versión de DG que tiene una sonoridad espectacular, un brillo orquestal inmenso y una interpretación enormemente emotiva y rica tanto de la orquesta como del propio Lenny. Creo es una de sus grandes interpretaciones y uno de los grandes discos grabados. Si hay algún fragento musical evocador como pocos es ese Adagio cantabile que en esta grabación resuena maravillosamente profundo e intensamente rico en emociones.



Ives
Sinfonía nº 2*
The Gong on the Hook and Ladder
Tone Roads nº 1
Hymn (Largo cantabile)
Hallowe`en
Central Park in the Dark
La Pregunta sin Respuesta

Leonard Bernstein
Orquesta Filarmónica de New York

Grabaciones
New York, Avery Fisher Hall
Sinfonía, 14 de abril de 1987
Resto de las obras, 22 de noviembre de 1988











Pueden visitar la entrada con la interpretación anterior para Sony aquí.

miércoles, 25 de agosto de 2010

Weber. Overtures; Clarinet Concerto* No. 1. Rafael Kubelik - OS de la Radio de Baviera - OF de Berlín - K. Leister. 1964. 1967*.


Queridos amigos os dejo un bello y entretenido disco con varias de las más famosas y bonitas oberturas de Weber acompañando al impresionante Concierto para Clarinete nº 1.

El Concierto nº 1 fue compuesto entre abril y mayo de 1811, siendo estrenado el 13 de junio del mismo año por el clarinetista bávaro Heinrich Bärmann gran amigo de Weber. De hecho la íntima relación entre ambos, el fantástico virtuosismo de Bärmann y el hecho de ser el clarinete un instrumento joven todavía y con muchas posibilidades de evolucionar fueron una fuente de gran inspiración compositiva para Weber (escribió muchas obras concertantes para el instrumento y el instrumentista, entre ellas un precioso y maravilloso Quinteto). La calidez que proporcionaba junto a la riqueza tímbrica y estilística resultaron en un enorme atractivo romántico para el compositor.

El encargo del concierto (y el del Segundo) partió del Rey Maximiliano I de Baviera entusiasmado por el Concertino que se le había ofrecido e igualmente entusiasmado quedó por los dos encargos más que realizó.



El Concierto resulta una maravillosa obra que es capaz de hacer vivir momentos tempestuosos, melodías alegres, virtuosismo instrumental, hermosísima dulzura (qué genial segundo movimiento con las trompas, los fagotes, oboes y flautas en juego perfecto de apoyo a la sonoridad cambiante de ánimo del clarinete) y agilidad y frescura instrumental. Una maravilla.

La interpretación recogida en el disco pertenece a una grabación legendaria del gran Kubelik y del clarinetista (excepcional, luminoso y brillante) de la Filarmónica de Berlín Karl Leister. Unos mimbres que hacen una "cesta" estupenda.




Acompañan al disco unas preciosas oberturas sinfónicas de Weber (maravillosas, festivas, bellísimas y con una orquestación y sonoridad digna de admiración) interpretadas en esta ocasión por la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, otra maravilla de sonoridad y plasticidad orquestal:

Der Freischütz
Oberon
Euryanthe
Abu Hassan
Preciosa
Jubel




Weber

Concierto para Clarinete*
Oberturas:

Der Freischütz
Oberon
Euryanthe
Abu Hassan
Preciosa
Jubel

Rafael Kubelik
Orquesta Filarmónica de Berlín* 1967
Karl Leister, clarinete*
Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera (Oberturas) 1964







martes, 24 de agosto de 2010

Triana. Sombra y Luz. 1979.


Un excepcional disco de uno de los mejores grupos musicales sevillanos y andaluces que han existido. Con todo el valor de su música, de la época en que se hizo y de sus preciosas letras y melodías. Y una gran pérdida la desparición del mismo. Quedan como unos geniales artistas y como un hito en la música española así como en un mito musical.

Triana, grupo musical español de rock andaluz de los años 1970 y principios de los 1980, estaba formado por Jesús de la Rosa Luque (Sevilla, voz y teclados, abajo), Eduardo Rodríguez Rodway (Sevilla, voz y guitarra, derecha) y Juan José Palacios "Tele" (El Puerto de Santa María, Cádiz, batería y percusión, izquierda con bigote). Sus ideas iniciales eran reflejar en su música, fundiéndolas, el flamenco con el rock progresivo y construir una nueva forma de aproximarse a la música desde nuestra tierra, realizando un rock andaluz.


Triana

Los tres discos iniciales del grupo reflejan estas tendencias, esta etapa progresiva desde El Patio, pasando por Hijos del Agobio (en un ambiente político extremo, enrarecido, y algo "polvorín") hasta llegar a este que os dejo, Sombra y Luz donde el aspecto musical ya es mucho más profundo, las composiciones más elaboradas, hay un transfondo de mayor oscuridad y profundidad y se van recuperando los aspectos compositivos progresivos y experimentales (jazz).

Tres discos más se editaron después, escorados a una vertiente algo más comercial, pero siempre con el maravilloso sello de calidad que supieron imprimir desde esta nuestra Andalucía: Por sí, por España y por la Humanidad.


El Puente de Triana

La muerte en accidente de circulación de Jesús de la Rosa, alma vital del grupo, el 14 de octubre de 1983 pone fin a la vida creativa Triana. Aunque luego hubo mucha más historia asociada al nombre y más de una disputa no muy agraciada la verdad.

Triana

Muchos, muchos disfrutamos de su arte y de su música, de su pasión por su tierra y sus canciones quedaron siempre en el corazón de quienes tuvieron la oportunidad de vivir esa etapa.


Triana

Sombra y Luz.

Estudios Sonoland de Madrid, entre finales de 1978 y principios de 1979
Acompañamientos:
Pepe Roca, guitarra eléctrica
Manolo Rosa, bajo eléctrico
Enrique Carmona, voz
Miguel ángel Iglesias, coros





 

lunes, 23 de agosto de 2010

Rachmaninov - Preludios op. 23 y op. 32. Vladimir Ashkenazy. 1974. 1975.


Queridos amigos, para finalizar el día de hoy, quizá por ese estado de ánimo tan cambiante con el que ando conviviendo últimamente, os voy a dejar uno de los discos que más me impresiona en el terreno del piano solo. Las series de preludios para piano Op. 23 y Op. 32.

Hace pocos meses tuve la enorme suerte de escuchar estas obras en el Teatro de la Maestranza de Sevilla por un brillantísimo, finísimo, perfecto, potente y rítmico Boris Berezovsky y la impresión fue absoluta, impactante, para dejar (así lo hizo) sin palabras al auditorio. Evidentemente el disco no es capaz de transmitir la brillantez de un directo, o al menos de un directo tan perfecto como aquel, pero es una forma fantástica de aproximarse.



Y en este caso estamos hablando de uno de los grandes en la fonografía, Ashkenazy, que no es poca cosa desde luego. Junto con los preludios grabados por Richter, de lo mejorcito que he escuchado.

Resultan ser unas obras apasionadas, de enorme brillantez, poderosas, delicadas, en ocasiones de enorme intensidad, en otras avasalladoras de una intensidad que atrapa con enorme fuerza al corazón, alternando nostalgia ardiente con sueños del pasado, sutileza y delicadeza al extremo en muchas otras. Amor, sentimientos, dulzura, pasión, brillantez. Todo ello podrán encontar en estas breves pero maravillosas obras de cierta reminiscencia en Chopin pero de Rachmaninov puro, romanticismo extremo, límites de la percusión del piano, virtuosismo, y melodismo elevado a un grado extremo de belleza. Ashkenazy está enorme, poderoso, sensual, transmisor de la belleza de esas maravillosas piezas.



Espero que sueñen apaciblemente escuchando en su Mp3 de cabecera estas bellas piezas. Si les sobresalta alguna, no soy el responsable: lo fue el enorme Rachmaninov.

Rachmaninov
Preludios Op. 23

nº 1 en fa sostenido menor (Largo)

nº 2 en si bemol mayor (Maestoso)
nº 3 en re menor (Tempo di Minuetto)
nº 4 en re mayor (Adagio)
nº 5 en Sol menor (Alla marcia)
nº 6 en Mi bemol mayor (Andante)
nº 7 en do menor (Allegro)

nº 8 en La bemol mayor (Vivace Allegro)
nº 9 en Mi bemol menor (Presto)
nº 10 en Sol bemol mayor (Largo)


Preludios Op. 32

nº 1 in C major (Allegro vivace)
nº 2 in B flat minor (Allegretto)
nº 3 in E major (Allegro vivace)
nº 4 in E minor (Allegro con brio)
nº 5 in G major (Moderato)
nº 6 in F minor (Allegro appassionato)
nº 7 in F major (Moderato)
nº 8 in A minor (Vivo)
nº 9 in A major (Allegro moderato)
nº 10 in B minor (Lento)
nº 11 in B major (Allegretto)
nº 12 in G sharp minor (Allegro)
nº 13 in D flat major (Grave - Allegro)

All Saints' Petersham de enero de1974 a abril de 1975

http://www.megaupload.com/?d=CCBGCAJ9

Haydn. Sinfonías Londres, Volúmenes 4 y 5. Sinfonías nº 100, 101, 102, 103 y 104. Bernstein. Orquesta Filarmónica de New York. 1970. 1970. 1962. 1970. 1958.


Queridos amigos, finalizamos el recorrido por las maravillosas entregas de las Sinfonías Londres por parte de Bernstein y sus músicos de New York. Dejo en esta ocasión los dos últimos CD que reunen las últimas sinfonías de la serie, de la 100 a la 104.

Quizá sea en esta última parte donde mejor se desempeñe Bernstein en su acercamiento a Haydn logrando unas aproximaciones enormemente ricas, melodiosas, brillantes. Obras compuestas para su segunda estancia (también triunfal en Londres) en 1794 (aquel viaje previsto con Beethoven) estancia rica en acontecimientos musicales, veneración por el maestro y magníficas ganancias económicas para el mismo. Todas las obras presentadas sorprendieron gratamente al público londinense y fueron absolutos éxitos. Su frescura, su belleza, su emotividad, su sorprendente desarrollo, hacen de ellas obras maestras del sinfonismo. Agrdables y deliciosas de escuchar pero con mucha profundidad aunque sigan manteniendo un toque "picarón" de Haydn son composiciones formalmente muy serias y de una valor musical y sutileza sonora enormes.

 

La Sinfonía nº 100 es la octava de las doce Sinfonías de Londres escritas por Joseph Haydn y fue terminada en 1793 ó 1794. Es popularmente conocida como la "Sinfonía Militar" derivado de las fanfarrias y percusión prominentes de su segundo movimiento con el que juega también al final de la obra.

La Sinfonía nº 101 es la novena de las doce Sinfonías de Londres escritas por Joseph Haydn y fue terminada también en 1793 ó 1794. Es conocida popularmente como "El Reloj" debido al "marcado" del ritmo durante todo el segundo movimiento. Fue un éxito triunfal en su estreno en la Hanover Square Rooms de Londres el 3 de marzo de 1974.

La Sinfonía nº 102 es la décima de las doce Sinfonías de Londres escritas por Joseph Haydn. Fue terminada en 1794. Ahora se cree por muchos estudiosos que el acontecimiento de la caída de la lámpara de araña tuvo lugar en el estreno de esta obra y no en la 96 "El Milagro". Afortunadamente, el público salió ileso. Desde mi modesto punto de vista es una de las más bellas obras de Haydn. Poderosa y dulce como pocas. Formó parte como las tres últimas de los "Conciertos Ópera" en el King's Theatre y estrenada el 7 de febrero de 1795.

La Sinfonía nº 103 es la undécima de las doce Sinfonías de Londres escritas por Joseph Haydn. Esta sinfonía es apodada "El Redoble", después del uso intenso del timbal con el que comienza. El "Redoble" se estrenó el 02 de marzo 1795 como parte de una serie de conciertos denominados "Conciertos Ópera", en el King's Theatre. La orquesta fue inusualmente grande para la época, con cerca de 60 músicos. La tarea de dirigir el trabajo se dividió entre el concertino Viotti y Haydn, que estaba sentado en un fortepiano. El estreno fue un éxito enorme también.

La Sinfonía nº 104 es la última sinfonía (completa como tal) escrita por el compositor y es la última de las doce Sinfonías de Londres siendo conocida (en cierto modo de manera errónea dada la existencia de las otras once) como la "Sinfonía Londres". Fue estrenada bajo su dirección el 4 de mayo de 1795 en los "Conciertos Ópera", en el King's Theatre.


En definitiva un magnífico viaje por las sonoridades y melodías de ese enorme músico que fue Haydn, enorme en esta etapa final de su sinfonismo, con alegría, melodismo, sensualidad, belleza, fuerza, humor y todo aquello que la música sencillamente bonita es capaz de transmitirte.

La interpretación por Bernstein y la New York Philharmonic la considero excepcional, francamente buena. Inspiración y emoción en toda ella.


                                           


Haydn
Sinfonías Londres
Volumen 4 
Sinfonías nº 100, 102 y 104
Volumen 5
Sinfonías nº 101 y 103


Bernstein
Orquesta Filarmónica de New York

Grabaciones

Volumen 4
Sinfonía nº 100, Philharmonic Hall, now Avery Fisher Hall, Lincoln Center, New York, 12 de octubre de 1970
Sinfonía nº 102, Philharmonic Hall, now Avery Fisher Hall, Lincoln Center, New York, 31 de octubre de 1962
Sinfonía nº 104, St. George Hotel, Brooklyn, New York, 27 de enero de 1958

Volumen 5
Sinfonía nº 101, Philharmonic Hall, now Avery Fisher Hall, Lincoln Center, New York, 12 de febrero de 1970
Sinfonía nº 103, Philharmonic Hall, now Avery Fisher Hall, Lincoln Center, New York, 10 y 12 de febrero de 1970







Volumen 4

Mp3

FLAC

Volumen 5

Mp3

FLAC

domingo, 22 de agosto de 2010

La Mirada. 2010 (Recuerdos).



La mirada atrás sólo transmitía un profundo vacío,
un corazón parado, aunque anhelando seguir, aún tenía fuerzas.

La mirada adelante sólo te permitía ver nubosidad,
lágrimas que llenaban tus ojos, pocas horas antes felices y brillantes, ahora eran turbias e impenetrables.

Estás en el más pleno vacío, en total soledad,
tus sentimientos, tu alma y tu corazón frente a una realidad imposible de modificar.

El llanto es profundo, surge de lo más hondo de tus sentimientos heridos, inesperadamente heridos;  es inconsolable pues en tu vista la nubosidad anticipa un futuro vacío, sin aquello que te mantuvo vivo por años.

Estás solo, simplemente solo con tus recuerdos, esos bellos recuerdos que no ha mucho hacían palpitar tu corazón, brillar tus ojos y respirar por la vida.

Nada de eso quedará, sólo el recuerdo de la plenitud lograda, la alegría vivida y el corazón que fue feliz.

Britten. Cuartetos de Cuerda. The Britten Quartet. 1989. 1990.


Queridos amigos, hoy me aparto un poquito del género sinfónico y les dejo una pequeña muestra de verdaderas obras de arte, enormemente emotivas, preciosas de escuchar, dignas de saborearse con todos y cada uno de los sentidos posibles. Mi apreciación es sólo emocional, nada técnica pues carezco de esos conocimientos. Simplemente le digo que las obras son deliciosas.

Los Cuartetos de Cuerda de Britten (los oficialmente numerados, faltan algunas piezas menores de juventud) resultan ser una muestra más del espíritu de este fantástico hombre al que tocó experimentar luchas externas e internas francamente desagradables.




El Cuarteto de Cuerdas nº 1 data de 1941, cuando el compositor estaba en un exilio auto-impuesto en los Estados Unidos con su compañero el tenor Peter Pears. Allí recibió el encargo, por unos 400 $, de Elizabeth Sprague Coolidge, mecenas estadounidense de la música y "bastante rica" para escribir un cuarteto de cuerda. Britten completó la partitura en el espacio de dos meses, mientras se hospedaba sin pagar alquiler en la casa de los británicos Bartlett Ethel y Robertson Rae, en Escondido, Los Ángeles. Britten asistió a la finalización de la puntuación para completar con rapidez la obra en un campus universitario de Los Angeles. Fue compuesta en el mismo año, bastante productivo, de su opereta, Paul Bunyan, la Suite para Orquesta, Musicales Matinées y la Balada Escocesa para dos pianos y orquesta. El cuarteto fue estrenado por el Cuarteto Coolidge en Los Angeles el 21 de septiembre 1941. Concentrado, profundo, rítmico, enormemente expresivo, con toques de humor y un lirismo sorprendente.

El Cuarteto de Cuerdas nº 2 fue compuesto en el Reino Unido en 1945, poco después del exitoso estreno de la obra maestra de la ópera de Britten, Peter Grimes. En 1945, Britten realizó una gira por Alemania como pianista acompañante de Yehudi Menuhin para los supervivientes de los campos de concentración, entre ellos el tristemente célebre campo de Bergen-Belsen. Britten debió haber sido profundamente conmovido por sus experiencias en la gira y fue a su regreso cuando completó el cuarteto. El cuarteto fue encargado por María Behrens, ua amiga común del artista Stanley Spencer, para conmemorar el 250 º aniversario de la muerte de Henry Purcell. Purcell fue un compositor que Britten respetaba y admiraba, y más tarde se volvió hacia el tema de Purcell para componer la Joven Guía de Orquesta. Britten donó la mayor parte de su comisión para apoyar el alivio del hambre en la India.

Tras el estreno del cuarteto en el 21 de noviembre de 1941 en Wigmore Hall, Londres, por el cuarteto femenino Zorian String Quartet, Britten, Britten explicó a María Behrend que su trabajo le parecía ser, "el avance más importante hecho hasta el momento." Ese año Britten escribió tres obras importantes para conmemorar el aniversario de Purcell; las ya mencionadas y el ciclo de canciones: Santo Sonetos de John Donne. En la obra hay una enorme tensión, incluso una sensación de agotamiento en su escucha, a veces perturbador. Hay acumulación de sensaciones de miedo, dolor y pánico que se van suavizando en un fantástico último movimiento, en la Chacona.

Los cinco movimientos del Cuarteto de Cuerdas nº 3 fueron escritos en 1975, cerca del final de la vida de Britten quizá como un compositor dejando su canto del cisne y  terminado el trabajo final. El cuarteto fue compuesta a petición insistente de Hans Keller, el músico, escritor y organizador de la radiodifusión, quien fue también el destinatario obra. Fue estrenado por el Cuarteto Amadeus, en Snape Maltings, el 19 de diciembre de 1976, sólo quince días después de la muerte del compositor habiendo tenido la suerte de ensayar la partitura con Britten, en Aldeburgh, algunas semanas antes. Reminiscencias de su vida, pensamientos pasados, el desánimo, la parodia y el bellísimo recuerdo de su querida Venecia están ahí presentes. Una música para disfrutar en silencio y apreciar en todo su valor.

La Simple Symphony de 1934 tiene enorme valor precisamente en ello, en su simplicidad, en su lenguaje musical juvenil, por los intentos en su último año en la escuela de Britten de atreverse a la búsqueda de nuevas direcciones. Retoma anteriores composiciones breves para rehacer su Simple Symphony. Se dedicó a Audrey Alston y se interpretó por vez primera en Norwich el 6 de marzo de 1934 dirigida por Britten. Una obra simplemente bella, divertida, juguetona y emotiva. Pueden escuchrse versiones de orquesta de cuerdas.

El Cuarteto en D de 1931 tuvo que esperar muchos años, demasiados, hasta que fuera revisado de nuevo por un Britten muy mayor en 1974. El Gabrieli Quartet realizó la primera interpretación de la versión revisada el 7 de junio de 1975 en Snpe durante el Festival de Aldeburgh.Una revisión sobre las chiquilladas musicales de un Britten jovenzuelo (pero ya artista).



Les dejo con estos discos y espero que aprecien su bellísima música, su alegría y su profundidad. Que disfruten plenamente de ellos. Que su corazón pueda percibir al menos un poquito de lo que quiso transmitir ese gran hombre.

Anotaciones del disco y Wikipedia. Si alguien encuentra una foto mejor del Cuarteto Britten se lo agradecería.

Britten
Cuartetos de Cuerda

CD 1
Cuarteto in D
Simple Symphony
Cuarteto nº 1

CD 2
Cuarteto nº 2
Cuarteto nº 3

The Britten Quartet
Peter Manning, violín
Keith Pacoe, violín
Peter Lale, viola
Andrew Shulman, Chelo

Grabaciones Snape Maltings, UK, octubre de 1989 y mayo de 1990


http://www.megaupload.com/?d=YRB54HID

sábado, 21 de agosto de 2010

Haydn. Sinfonías nº 97, 98 y 99. Szell. Cleveland Orchestra. 1957.1969. 1957.


Queridos amigos, ahora que hemos ido dejando muestras de las versiones y aproximaciones de Bernstein a las Sinfonías Londinenses, querría dejarles un disco muy especial, fantásticamente bien grabado por Sony de la aproximación que a algunas de estas sinfonías de Haydn realizó el enorme Szell.



No se trata de comparar, ambos eran muy diferentes en talento y en percepción del hecho musical y lo que este representaba. Simplemente exponerles a su audición dos formas distintas de ver y leer una misma pieza, an ambos casos con instrumentos orquestales de primera fila, enormes, geniales, de una perfección suprema.

En el caso de Szell la toma sonora corresponde a las grabaciones que se hicieron en los albores de las técnicas del estéreo aunque el disco se publicó en EPIC como mono (las tomas sonoras se habían realizado tanto en mono como es estéreo y estas últimas lograron recatarse y realizar estos CD). En esta ocasión os dejo la versión estéreos de las mismas sinfonías 97 y 99. La Sinfonía nº 98 ya se grabó directamente en estéreo.

Es esfuerzo realizado a nivel técnico fue enorme y el resultado musical absolutamente espectacular. Calidad sonora máxima (mucho que decir la sala de grabación a diferencia de la sala newyorkina de aquellos años que era un desastre constructivo sonoro.y una pesadilla de las grabaciones).

Independientemente de todo ello escucharán a una Orquesta de Cleveland en estado de gracia, finísima, precisa al máximo, con un colorido bello y con un algo del espíritu de Haydn contagiado por un Szell estricto pero que deja cuerda libre a la orquesta. Espectacular, profunda y muy bella.



Reconoco que me impacta aunque en el fondo me quedo con las más algo imperfectas de Lenny.

Disfruten de un hito fonográfico excepcional, de verdad.


Haydn
Sinfonías Londres
Nº 97
Nº 98*
Nº 99
George Szell
Cleveland Orchestra
Cleveland, Ohio, octubre de 1957, octubre de 1969*, octubre de 1967