Sentidos

Rachmaninov. Sinfonía nº 2. Ibert. París, Suite Sinfónica. Temirkanov. USSR State Symphony Orchestra. State Academy Symphony Orchestra de la USSR. 1977. 1980.

2012-02-16T20:36:00.002+01:00

Queridos amigos, una magnífica tarde para dejar este hermosísimo disco con la maravillosa interpetación de Temirkanov de la Segunda Sinfonía de Rachmaninov. Una obra delicadísima y de enorme sutileza, de una hermosura y una sensibilidad extraordinarias.

Con sinceridad no soy capaz de indicarles si la partitura está en su versión completa o lleva algunos de los recortes habituales anteriores a los años 60. El minutaje de la interpretación registrada es algo inferior a otras versiones como las de Sanderling o la del propio Temirkanov para RCA (fundamentalmente a esta última). Creo que es la versión sin cortes aunque sin la repetición del primer movimiento, pero espero sus comentarios al respecto.

Fue compuesta entre los años 1906 y 1907 siendo el estreno dirigido por el propio compositor en San Petersburgo el 8 de febrero de 1908. Está dedicada a Sergéi Tanéyev, un compositor, profesor, teórico y autor ruso, alumno de Piotr Ilich Tchaikovsky. La obra mereció el premio Glinka de 1908 y supuso un fuerte impulso anímico a un Rachmaninov enormemente abatido tras el fracaso de su Primera Sinfonía que le llevó a un estado depresivo serio y a dudar de sus capacidades como compositor sinfonista.

Quitando este detalle la aproximación de Temirkanov es excepcional. Una aproximación realizada con enorme pasión, sensibilidad, delicadeza y amor. Una musicalidad soberbia asentada en una orquesta que brinda momentos inolvidables de belleza sonora. La vitalidad aflora de inmediato, una vitalidad y frescura que no entra en lucha con la ternura y la pasión íntima y recogida. La frescura instrumental es puesta a relucir de manera prodigiosa, sencillamente prodigiosa la Orquesta de la USSR State, y la excepcional sucesión de los motivos melódicos, de una magna altura, es sencillamente un prodigio de belleza.

La alternancia a lo largo de la obra de los pasajes tempestuosos con los cargados de más emotividad, serenidad o dulzura ofrece una visión global preciosa, encantadora. La intervención de las trompas y los metales en el segundo movimiento es sencillamente escalofriante. En el Scherzo del tercer movimiento es una ejemplo precioso de la capacidad de embriagar de belleza de Rachmaninov; la sóla escucha de los violines, oboes y clarinetes es suficiente para hacer que tu corazón se llene de emoción plena. Y el movimiento final, resumen global de la obra precedente, es de una monumentalidad amplia, un compendio de los temas previos cargados de fuerza, tensión y melodismo.

Estoy convencido del disfrute que van a obtener con la escucha de esta hermosísima música e interpretación (reconozco que la música dirigida por el maestro ruso me apasiona y me llena como pocas).

El disco se acompaña de una magistral interpretación de la Suite Sinfónica París del compositor francés Jacques Ibert. Músico asociado a unas composiciones ligeras de carácter nos presenta sin embargo la ocasión de disfrutar de una composición ingeniosa, brillante, muy rítmica y orquestada con gran color, timbres y melodías atractivas como se puede apreciar también en sus obras Divertimento y Escales (un CD de Ormandy estará disponible en breve, maravilloso).

Las piezas de la Suite son un ejemplo precioso de esa música fresca, descriptiva, ligera, rítmica y de melodismo precioso. Una bellísima descripción de algunas estampas parisinas traducida con una agilidad y frescura sensacionales.

Le Métro

Faubourgs

La Mosquée de Paris

Restaurant au Bois de Boulogne

Le Paquebot "Ile-de-France"

Parade Foraine

Espero que disfruten de este CD, una mezcla imaginativa de música melódica y de composición clásica romántica y de música fresca, vitalista, dinámica y alegre.

Sensaciones variadas para nuestro corazón. Musica como arte sublime de sensaciones dispares.

Rachmaninov, Sinfonía nº 2*

Ibert, Suite París**

Yuri Temirkanov

USSR State Symphony Orchestra*

Grabación de Rachmaninov, 10 de abril de 1977

State Academy Symphony Orchestra of USSR**

Grabación de Ibert, 31 de julio de 1980

Mp3

FLAC

Brahms. Conciertos para Piano y Orquesta nº 1 y nº 2. Variaciones y Fuga sobre un Tema de Handel, Op. 24. Valses, Op. 39. Szell, Fleisher, Cleveland Orchestra. 1958. 1962. 1956.

2012-02-15T19:30:00.001+01:00

Estimados amigos, hace ya algún tiempo (16 de noviembre de 2010) publicamos la entrada correspondiente a este excepcional doble disco dedicado a los Conciertos para Piano de Brahms interpretados por Szell, Fleisher y la Orquesta de Cleveland.

Coincidió con la rotura de mi disco externo donde almacenaba los archivos y quedó en el aire la resubida completa de los mismos (pueden rescatarla en el enlace de arriba). Hoy me he encontrado con los ánimos suficientes para, creo que con todo merecimiento, finalizar la tarea. El contenido de los discos, merece la pena.

En su día publicamos unos comentarios escuetos que reproduzco:

"Para suplir el lamento que debería lanzar por la pérdida de la música almacenada os dejo este maravilloso y excepcional disco con la no menos maravillosa y excepcional música de Brahms. Lo tenía subido al servidor y de ahí lo enlazo con todo el amor del mundo.

Corresponde quizá a uno de los discos a los que más cariño tengo. Los dos Conciertos para Piano de Brahms por Szell y Fleisher prometían ser algo maravilloso y único cuando adquirí este doble CD, preciosamente presentado además. Y efectivamente lo son. Las grabaciones posteriores con Serkin no son, desde luego, menores a esta pero ¡ay! Fleisher da ese ímpetu e impulso mágico que hace que escuchar estos conciertos sea un verdadero goce, un placer absoluto y difícil de obtener.

No he sido hasta ahora dado a decir si tal o cual interpretación es mejor que esta o aquella interpretación, y creo que voy a seguir en la misma línea. Pero si me voy a permitir el pequeño lujo de indicar que la escucha de estos discos puede producir verdadera pasión, amor, entrega y enamoramiento absoluto de ellos. No sólo en las piezas principales, los Conciertos, sino en las obras individuales, interpretadas de manera soberbia por un joven Fleisher impetuoso, ardiente, pasional y atrevido.

No redundaré más en alabar las virtudes de Szell y la impresionante Orquesta de Cleveland, simplemente escuchen y disfruten, ambos están simplemente excepcionales y a una altura (y con una complicidad con Fleisher) difícil de alcanzar.

El placer está asegurado.

Un fuerte abrazo. Que disfruten de esta obra de arte."

No me queda más que reafirmar en este día todo lo comentado entonces. Los he vuelto a escuchar (aprovechando la preparación de los mismos conciertos por Jochum y Gilels) y simplemente vuelvo a estar anodadado por la mágica interpretación, la fuerza pasional, la energía y la tremenda sensibilidad musical de estas interpretaciones.

Han existido, existen y existirán enormes pianistas. Pero tengo siempre en mi corazón las interpretaciones de Fleisher y Szell de los Conciertos de Brahms y de Beethoven. Siempre, siempre me vuelven a recordar la magia de la música, su capacidad de producir unas sensaciones inigualables por cualquier otro arte. Esos disco son unas joyas maravillosas, unas perlas musicales insuperables en belleza y pasión.

Ni rigidez de Szell ni nada de lo que se le suele achacar como defecto puede restar un ápice de valor a estas grabaciones, es más con la escucha de las mismas percibes la grandeza de la obra musical y el enorme poder que tiene para transformar tu estado anímico, para tocar tus sentimientos, para hacer aflorar tus pasiones y tus sensaciones.

La musicalidad y belleza de la Oquesta de Cleveland es impresionante, perfecta y abrumadora. Szell rinde a un nivel altísimo, preciso, claro, contundente, riquísimo en expresividad, sacando a relucir timbres y colores orquestales bellísimos. Y Fleisher da una verdadera lección de interpretación pianística, de pasión, de técnica, de pulsación y sonoridad magistrales.

Sencillamente unos discos indispensables, soberbios, mágicos y únicos en la historia fonográfica.

Espero, nuevamente, que los saboreen; paladeen cada uno de sus movimientos, aprecien y descubran la magia de esas cuerdas de Cleveland que parecen mantos de seda para envolver el tesoro de la belleza dejada por Brahms. Esa trompa genial, maravillosa del Segundo Concierto, la extrema delicadeza y sublime musicalidad del tercer movimiento del mismo Concierto nº 2 con ese indescriptible chelo, celestial, angelical, que canta desde lo más profundo del corazón .(maravilloso el solista de Cleveland, Jules Eskin, increíble). Todo ello aderezado por una complicidad de todos los intervinientes, una dulzura sin empalagos, una puesta en escena y una recreación única.

Y difruten de las excepcionales interpretaciones de las piezas pianísticas de Brahms. Pura gloria musical. Una verdadera gozada.

Que lo disfruten, de todo corazón.

Gozarán de unos momentos de profunda paz y serenidad, de unos momentos de magia y sentimiento sin par.

Brahms

Conciertos para Piano y Orquesta nº 1* y 2**

George Szell

Cleveland Orchestra

Leon Fleisher, piano

Cleveland, 21 y 22 de febrero de 1958*; 19 y 20 de octubre de 1962**

Variaciones y Fuga sobre un Tema de Handel Op. 24*

Valses Op. 39**

Leon Fleisher, piano

New York, 1 y 14 de junio, 5 de julio, 9 y 17 de agosto de 1956*; 9 y 17 de agosto de 1956**

Mp3:

FLAC:

Shostakovich. Sinfonía nº 7. Celibidache. Orquesta Filarmónica de Berlín. 1946.

2012-02-04T22:01:00.001+01:00

Queridos amigos dejamos, en esta fría noche sevillana (no estamos acostumbrados por aquí a temperaturas de cero o muy próximas a cero), un disco precioso con una interpretación vital, enérgica y genial de la Séptima Sinfonía de Shostakovich de la mano de Sergiu Celibidache en su etapa de Director Titular de la Filarmónica de Berlín antes de ser "eliminado" de la misma por los propios miembros de la orquesta y sabe Dios por qué intereses mayores más.

La Sinfonía nº 7 de Shostakovich fue dedicada a la ciudad de Leningrado (donde se inició la composición de la obra) y se completó el 27 de diciembre de 1941, en Moscú. Estamos hablando de una interpretación ofrecida en la vencida capital del Reich muy poco tiempo después de la victoria aliada sobre el régimen nazi de Hitler. En esta ocasión (qué poder tiene la música, qué poder y qué magia) se invierten los términos. Los conciudadanos de aquellos que querían acallar la música de su "enemigo" disfrutan de ella en, muy propablemente, similares condiciones de vida de aquellos a quienes quisieron acallar.

Pero la música es más que política, odios, guerras o nacionalidades. Es arte. Y el arte perdura para siempre. El orgullo patrio, la belleza, el corazón, el amor por unas ideas puede ser válido para todos y a todos es capaz de transmitir semejantes sensaciones.

La idea de Shostakovich de expresar y reflejar a su país en guerra llevó incluso pareja la asociación de una estructura programática de la obra con títulos expresivos en cada movimiento. Finalmente esos títulos no se asociaron definitivamente a la obra. Inicialmente cada movimiento tendría un subtítulo que serviría para dar esa idea programática de la obra. Los subtítulos eran: "Guerra", "Memorias", "Los grandes espacios de mi patria", "Victoria".

Shostakovich en el Cuerpo de Bomberos

El estreno mundial se celebró en Kuibyshev el 5 de marzo de 1942 por la Orquesta del Teatro Bolshoi, dirigida por Samuel Samosud que ofreció un recital transmitido a través de la Unión Soviética y más tarde en Occidente. En Moscú el estreno tuvo lugar el 29 de marzo de 1942 en el Salón Columniario de la Cámara de Cooperativas de Ahorro, por una orquesta que se unió a la Orquesta de Bolshoi y la Orquesta de la Radio-Unión. La obra se estrenó también con enorme éxito, tras las vicisitudes en la salida de la partitura, en Londres y New York dirigida por Henry Wood y Toscanini respectivamente. Finalmente el 9 de agosto de 1942 tuvo lugar un impresionante estreno en la propia Leningrado, con la Orquesta de la Radio dirigida por Karl Eliasberg y reforzada como se pudo y tras un bombardeo previo del sector alemán para silenciarlo durante la retransmisión (un poquito de guerra psicológica). Y la obra no se silenció, todo lo contrario, se convirtió en una de las obras más apreciadas de Shostakovich, bien sea por sus circunstancias históricas, por el apoyo de los directores "aliados" como los mencionados Wood y Toscanini o bien, no debemos olvidarlo, por la calidad musical y su enorme fuerza y energía.

Anuncio del estreno de la obra en Leningrado

Celibidache nos ofrece una interpretación verdaderamente mágica de la obra de Shostakovich. Intensa, dramática, con una sonoridad profunda, a veces casi aterradora. a la par es capaz de reflejar en sus dos movimientos centrales un lirismo y una delicadeza asombrosas. Tiene la capacidad innata de manejar los tempi de cada movimiento de forma extraordinaria. El progresivo e in crescendo movimiento inicial es una joya a pesar de la debilidad de la toma sonora. Pero está tan bien elaborado, enzarzado y empastado que suena a gloria. Un movimiento ejemplarmente manejado en las cuerdas, maderas y flautas iniciales hasta la incorporación progresiva y enérgica de las cuerdas y otros instrumentos en grupos sucesivos para construir la marcha característica de este movimiento. Movimiento que finaliza de forma más suave tras esa tensión mantenida y retoma la parte inicial del mismo. Es como una subida a una inmensa montaña seguida del feliz regreso tras culminarla. Los dos movimientos medios de la obra son verdaderos ejemplos de composición melódica, con temas maravillosos en las cuerdas y en las maderas, con unas sedosas y delicadas cuerdas que alternan episodios líricos con algún otro de más intensidad, marcha, profundidad o incluso violentos y secos. En el último movimiento la belleza musical es un bello ejemplo de toda la que se ha presentado a la largo de los movimientos precedentes. Una suceción de bellísimas melodías, de temas maravillosos se van encadenando de forma mágica hasta llevarnos a un final triunfal, sin excesos, pero francamente intenso.

Una obra sencillamente maravillosa, con y sin su significado histórico, una obra musicalmente intensa, bella, melódica, profunda, instrumentalmente con pasajes excepcionalmente bellos. Una obra preciosa, digna de admiración.

Una interpretación pasmosa, sencillamente viva, con impulso, con pulso vital, con magnífica elaboración y con una prestación orquestal arrolladora. Una obra de arte. Un ejemplo más de la magia de Celibidache.

Shostakovich
Sinfonía nº 7
Sergiu Celibidache
Orquesta Filarmónica de Berlín
Grabación: 22 de diciembre de 1946

Mp3

FLAC

Bruckner. Sinfonía nº 3 - Böhm. Orquesta Filarmónica de Viena. 1970.

2012-02-02T19:29:00.000+01:00

Queridos amigos, dejamos esta tarde un disco que tenía preparado desde hace ya algún tiempo y que por unos u otros motivos no he podido presentar pero que me hacía muchísima ilusión compartir. Esta hermosísima interpretación de la Tercera Sinfonía de Bruckner de la mano del maestro Böhm y los filarmónicos vieneses es uno de los discos al que más aprecio le tengo.

Del maestro Böhm, desgraciadamente, no tengo una discografía amplia, mejor dicho tengo muy poca. Pero los dos discos Decca de la Tercera y Cuarta sinfonías de Bruckner han estado siempre en mi corazón como muestras de una bellísima forma de aproximarse a la música de Bruckner. Son además dos de las sinfonías de Bruckner que más me apasionan (quizá al ser las primeras junto a la novena con las que hace años empecé a degustar la monumental música del compositor austriaco).

En esta interpretación de la Tercera llama la atención (o no, claro está) la excelsa interpretación de la Filarmónica de Viena. No es novedad la tradición bruckneriana de la orquesta y en este caso se ve apoyada en la enorme sabiduría del maestro Böhm que consigue un nivel interpretativo de los músicos soberbio, sencillamente maravillosos. Con una sonoridad ligera pero rica en matices, poderosa en su color e intensidad, rítmica y mágica en sus transiciones, elaborada con enorme maestría de artesano y expresada con una dulzura sensacional.

La obra inicialmente estrenada en Viena de la mano del propio Bruckner no tuvo una acogida favorable (obviando a algunos incondicionales del maestro como el mismo Mahler). Bruckner revisó la partitura en varias ocasiones siendo esta versión de 1889 una de las más comunmente grabadas el pasado siglo XX antes de ceder su paso a la llamada versión definitiva de 1877. Está basada en los cambios realizados a la partitura por Bruckner y Schalk entre 1888 y 1889 cara al estreno en Viena en diciembre de 1890 dirigida por Hans Richter. La obra fue dedicada al admirado Wagner y oficialmente se la suele nombrar como Sinfonía Wagner (con autorización expresa del propio Wagner para ello).

La sonoridad y la contundencia formal de la obra ya dejan ver al futuro Bruckner de las obras posteriores. Construcciones masivas perfectamente hilvanadas, expresividad enorme en los temas, movimientos lentos sencillamente seductores por su intensidad emocional y por su elaboración simplemente magistral. El sonido es contundente, masivo, catedralicio, pero no sólo eso, es delicado, sutil, elegante, cantabile. Es un sonido justo a cada momento y si es fascinante escuchar el desarrollo y crecimiento progresivo de los temas de cada movimiento, su enorme majestuosidad, su dinamismo y su belleza, también lo es apreciar la delicadeza instrumental de sus pasajes más ligeros, juguetones o sencillos.

Y en la interpretación dejada por Böhm y la Filarmónica de Viena (repito, increíblemente bella) podemos apreciar toda la belleza de esta obra bruckneriana, la obra que quizá marca el inicio del gran Bruckner. Un inicio absolutamente bello y digno de ser tenido entre las grandes obras musicales.

Espero que disfruten de esta maravillosa interpretación y si gustan aprecien también la de la Cuarta Sinfonía en el enlace incluso en esta entrada. En ambos casos disfrutarán de una música soberbia y de unas interpretaciones que aún siguen asombrando por su belleza.

Bruckner

Sinfonía nº 3

Böhm

Orquesta Filarmónica de Viena

Septiembre de 1970

Versión de 1889 (1888/89) en la Edición de Leopold Nowak de 1959

Mp3

FLAC

Tchaikovsky. Sinfonías nº 4, 5 y 6. Mravinsky. Orquesta Filarmónica de Leningrado. 1960.

2012-01-31T00:17:00.001+01:00

Publicada el 27 de noviembre de 2010

Mis queridos amigos; hoy, con motivo de mi cumpleaños (unos cuantos ya...), quiero dejaros este disco tan especial y absolutamente maravilloso del gran Mravinsky dirigiendo las tres últimas sinfonías de Tchaikovsky.

Le tengo un especial aprecio a este CD. Desde mi punto de vista representa una de las cumbres interpretativas de Tchaikovsky. Absolutamente diferente al resto de las interpretaciones que existen de estas estupendas sinfonías, son un reflejo de las formas y el carácter de Mravinsky. Acerado, rígido y duro pero con pasión y sentimiento, lleno de matices, con perfección sonora, riqueza de color y rítmica maravillosa. La fantástica Orquesta Filarmónica de Leningrado es un instrumento portentoso, de sonido exquisito, perfección instrumental y ejecución soberbia.

Sin llegar a producirme las mismas sensaciones que logran los discos de Bernstein, Szell, Ormandy, Fricsay, Celibidache o Furtwängler, tiene ese algo especial que te hace vibrar con la música. Y su escucha genera inmediatamente un conjunto de sensaciones diferentes e imposibles de resistir. No hay frialdad, quizá sequedad sonora pero con encanto y corazón. Te produce impresión nada más iniciar su audición. La nobleza, la intensidad, la pasión, el dramatismo, la emoción y la profundidad salen a relucir de manera natural e impactante.

Los discos feron realizados a continuación de la gira de Marvinsky y sus músicos en el Reino Unido en 1960, donde dejaron una impresión indeleble e impactante, y fueron encaminadas a reemplazar a las anteriores grabaciones mono de Mravinsky y Sanderling. Las sesiones de grabación tuvieron lugar en Londres y Viena y se registraron con algunas modificaciones relativas a la disposición espacial habitual de los músicos de Leningrado en los conciertos ofrecidos (cuerdas, tomas sonoras de los metales, aproximación espacial, etc.). Los resultados son excepcionalmente bellos con una sonoridad que llama, de inmediato, la atención.

Espero que disfruten de la escucha de estas obras y aprecien su valor como muestra de una forma excepcionalmente bella de aproximarse a Tchaikovsky.

Unas interpretaciones que vueltas a escuchar un año después de su publicaión inicial y presentadas en ambos formatos, no pueden más que catalogarse de excepcionales, maravillosas y verdaderas joyas musicales de la discografía.

Tchaikovsky
Mravinsky
Orquesta Filarmónica de Leningrado
Sinfonía nº 4*
Sinfonía nº 5**
Sinfonía nº 6***
Londres, septiembre de 1960*; Viena, noviembre de 1960** y *** (Estéreo)
Publicación Mp3 y FLAC en archivos individuales y en único archivo.

Sinfonía nº 4:

Sinfonía nº 5:

Sinfonía nº 6:

Sinfonías 4, 5 y 6:

Mp3

FLAC

Visitar a Diario la Página Actualizaciones/Updates

2012-01-30T23:35:00.002+01:00

Queridos amigos, vamos a intentar recomponer poco a poco el espacio.

Les ruego que con paciencia vayan visitando a diario la página superior, justo al lado de la de Entradas. En ella se irán dejando los enlaces a las entradas actualizadas para que se puedan disfrutar de nuevo.

Si hay alguna muy particular que algún amigo quiera, por favor que me escriba al correo para darle prioridad o bien que en esa misma página deje su comentario al respecto de su deseo.

Intentaremos que a la mayor brevedad posible todo vuelva a estar en su sitio.

Muchas gracias.

Tchaikovsky. Sinfonía nº 4. Szell. Orquesta Sinfónica de Londres. 1962.

2012-01-28T11:47:00.001+01:00

Queridos amigos, dejamos hoy una maravillosa entrada. Una interpretación grandiosa, vital, poderosa y enérgica de la preciosa Sinfonía nº 4 de Tchaikovsky de la mano de George Szell dirigiendo a una portentosa Orquesta Sinfónica de Londres.

Es una de las aproximaciones más bellas que haya tenido la ocasión de escuchar, muy próxima en su concepción y en su brillantez y enfoque a la del gran Ataúlfo Argenta con la Suisse Romande en el 1957. ¡Qué maravilla es la Música que permite vincular dos carácteres tan diferentes para que en un momento dado puedan tener coincidencias tan amplias!

La Orquesta Sinfónica de Londres es una de las más grandes formaciones europeas y mundiales, muy, pero que muy cerca de las grandes centurias tradicionales europeas, léase Viena, Berlín, Amsterdam o Baviera y con un carácter diferente al de las grandes orquestas norteamericanas pero con mucho de su billantez. Perfecta y válida para cualquier repertorio y con una tradición histórica amplísima ha contado siempre entre sus directores titulares e invitados con los mejores de la historia. Y Szell es uno de los grandes.

En esta conjunción con Szell se pueden saborear todas sus exquisiteces. Cuerdas soberbias y maravillosas, metales ricos, tímbricos y coloridos (escuchen el movimiento final), maderas presisas y dulces, empaste, armonía. El resultado de la unión de una orquesta con estas características y las manos de un señor llamado Szell puede tener dos resultados: una, arredrarse la orquesta y ser una catástrofe musical y otra crecerse la orquesta, empastarse e identificarse con el director. Y es esta segunda opción lo que en esta ocasión sucede. La Sinfónica de Londres se crece y responde a las exigencias rítmicas, tímbricas, de intensidad y de frenético impulso del maestro húngaro. Un maestro por otro lado particularmente afectuoso con la preciosa partitura de Tchaikovsky a la que trata con mano férrea pero dejando que todas sus bellezas, sus maravillosas melodías y sus geniales combinaciones instrumentales salgan a relucir.

No se puede decir, no, que estemos ante el habitual Szell, rígido y extremadamente preciso. No, no es el caso. Todo lo contrario, nos encontramos con un Szell lírico, que maneja un primer movimiento de forma genial, con un tempo rápido pero amplio para poder dejar que se aprecie y se muestre toda su belleza.

Un Szell que inicia un segundo movimiento con una magistral belleza en las maderas y las cuerdas, con su tempo batiente perfecto en un fondo suave y acompasador, con expresividad y amor en las bellísimas cuerdas londinenses y con una perfección tal que su parte final resulta demoledora en su profunda y sensible belleza.

Un Szell que marca un pizzicato ostinato genial, perfecto, con sonoridad amplia e incluso expansiva, para nada corta en las cuerdas y creando un ambiente de maravillosa danzabilidad y musicalidad eslava jugando perfectamente con el ritmo y los instrumentos.

Y finalmente un Szell que se desboca y se transforma en el Szell tradicional que todos estamos acostumbrados a escuchar. Desarrolla un movimiento final hermosísimo, iniciado con unos metales expansivos y con la intensidad tímbrica, de color y y sonora propias del maestro. Energía, ímpetu, precisión, potencia, ritmo creciente e impulsivo; energía acumulativa, expansividad. Un movimiento final realmente espectacular por su conducción, por la belleza de la ejecución de la Sinfónica de Londres, amén de por su belleza propia.

Es el Szell más esperado por todos, el Szell músico libre que en ocasiones de desata, se quita la máscara y saca la varita mágica de la sabiduría directorial para decir: Tchaikovsky también es mío; puedo ofrecer su alma, su sentimiento profundo, su emoción y la belleza de su música como el que mejor pueda hacerlo y que dice "si no lo creen, vuelvan a escuchar los minutos finales que acaban de escuchar, vuelvan, vuelvan y ya me dirán". Absoluta maravilla musical.

Es un disco maravilloso, verdaderamente hermoso. Una mezcla muy bonita de dulzura, energía, pasión, vitalidad y profundidad. Un disco interpretado con una claridad pasmosa, sin rigideces ni sequedades, sin excesos de sentimentalismo pero sin dejar de lado ese lado humano y de sentimientos personales inherentes a la obra de Tchaikovsky. Un disco ejecutado además con un sentimiento y una técnica equilibrados.

Un disco que en definitiva, creo que merece la pena saborear.

Tchaikovsky

Sinfonía nº 4

George Szell

Orquesta Sinfónica de Londres

Grabación: 11 y 13 de septiembre de 1962. Walthamstow Assembly Hall, Londres

(Otras fuentes citan el 19 y 21 de septiembre de 1962 coincidiendo con unos conciertos en directo de Szell y la Sinfónica)

Mp3

FLAC

Cumpleaños y Segundo Aniversario de Sentidos. Bruckner. Sinfonia nº 9. Jochum. Münchner Philharmoniker. 1983. Wagner. Preludio de Tristan e Isolda. 1979.

2012-01-24T00:32:00.002+01:00

Queridos amigos, tal día como hoy, 24 de enero de 2012, cumple este humilde espacio 2 añitos de existencia. Un espacio creado en un principio con la idea de compartir mis emociones y mis sentimientos obtenidos a través de la audición de la Música (particularmente de la Música Clásica). Un espacio que se inició muy tímidamente pero con gran sinceridad por mi parte en la forma de entregarme y abrirme al mundo; un espacio pensado para todos; un lugar donde he ido dejando algunos de las mejores grabaciones que tengo el honor de poder disfrutar y que, desde luego, ha sido un verdadero placer llevar adelante.

Y todo ello ha sido posible por el apoyo de todos ustedes, apoyo hacia las selecciones ofrecidas y modestamente hacia mi persona. Sin sus correos y sin sus comentarios, esta pequeña aventura no hubiera tenido sentido y hubiera desaparecido en poco tiempo. Perdonen si suena a falsa modestia, no lo es, de verdad. Es la expresión sincera de lo que estoy sintiendo en el momento de escribir estas líneas.

Y no es presunción lo que expreso a continuación. Haber conseguido visitantes de 152 países, 766.000 páginas vistas en total, conseguir que 165 personas hayan decidido seguir y sufrir de forma pública el espacio y otras tantas de forma privada, lograr que algunas entadas hayan tenido casi 2000 visitas, mantener correspondencia con muchos de ustedes, no son más que fríos números que me hacen sentir un orgullo enorme por la labor que entre todos hemos ido realizando y por edificio cultural final conseguido. Ha presidido este espacio la honradez, he intentado dejar constancia de todos aquellos otros maravillosos espacios dedicados a la música, a la literatura, a los espacios personales, a las ideas. De todos ellos he dejado sus correspondientes enlaces para facilitar la difusión de su labor inestimable en la misma dirección que la llevada por nuestro querido Sentidos.

No es este el momento más brillante que vive la red en relación al disfrute libre de la cultura y a la difusión de las obras de arte musicales que por su interés histórico, por su rareza, por su valor musical o por simplemente estar fuera del alcance de la gran mayoría del público amante de la música, deben ser conocidas por todos. Es una obligación moral y un deseo profundo que siempre he tenido. Compartir es una de los mayores placeres que tengo. Compartir sin pedir, difundir el arte, aportar un poquito de mí mismo, fomentar que las personas puedan sentir emociones inigualables por cualquier otra expresión artística.

Hacer ver que hay tesoros increíbles que hicieron posible personas profundamente amantes de la Música, de la técnica de sonido, de la producción musical, de la dirección orquestal, etc. Personas con un poso humano imposible hoy en día. Y esos tesoros no deben quedar ocultos, deben ser públicos y libres. No se debe privar a las personas de su disfrute. Nunca, desde ningún punto de vista es tolerable. Y ese ha ido siendo, cada día más mi interés alentado y espoleado por idénticos ejemplos de tesoros que descubría en los comentados espacios amigos. No es presentable que todas las maravillas que los amigos de la red poseen queden en la privacidad tanto más cuanto que no hay otra vía de acceso fácil para la generalidad de las personas.

Hoy para celebrar este cumpleaños, que sinceramente y de todo corazón espero no sea el último, quiero dejar un ejemplo más del poder de la Música. quizá uno de los ejemplos más logrados y maravillosos jamás escritos. La Novena Sinfonía de Anton Bruckner, una de las obras más carismáticas de todo el universo musical, una de las músicas más profundas, humanas y cargadas de connotaciones espirituales que jamás se hayan escrito. Y en esta ocasión de la mano de uno de los más grandes, sólidos, fieles, profundos y emocionales traductores de esta música: Jochum.

Eugen Jochum, uno de los grandes de la dirección orquestal, uno de los magos de la música de Bruckner, uno de sus más fieles defensores y uno de los más delicados orfebres de su oro y plata musical. En esta ocasión excepcional, Jochum se pone al frente de su muy querida y añorada Filarmónica de Munich, la orquesta de su inicio como director musical, por entonces la orquesta maleada con las excepcionales manos de Celibidache. Y a fé de dios que consigue hacerlo olvidar. Son dos formas, ambas increíblemente bellas, de entender y de traducir al maestro Bruckner. Ambas desde el amor; una más peculiar y maniática y otra más artesanal y derivada de la devoción.

En esta interpretación, la serenidad de los años vividos, el conocimiento profundo de la obra, que pasa a ser tenida por Jochum como una de las grandes del maestro austriaco, hacen que la profunda sensación de solemnidad, la magnífica nobleza de su musicalidad sea ya apreciable desde el mismo momento del inicio de la interpretación. Un inicio intensísimo, de una profunda belleza sonora y de un empaque maravilloso. tod la interpretación está perfectamente elaborada, con un manejo y una conducción soberbia sin altibajos, solemnemente, con unas cuerdas y metales acompasados que funcionan como verdaderas velas que impulsan el devenir de la obra. Dramatismo, intensidad, profundísimos en intensidad cambios de tempo que manejados de manera sutil suenan a gloria. El devenir de toda la obra es sinceramente bellisimo pasando por un segundo movimiento de una intensidad trágica sin par hasta finalizar en un último movimiento manejado con maestría que deja ver la profunda emoción y la intensa motricidad impulsora y fuerza del mismo. Un final intenso, profundo y bello, delicadísimo en su desarrollo y magníficamente sostenido por unas cuerdas hermosísimas.

Una interpretación plena de magia y encanto, soberbia, con intensidad y con belleza. Una Filarmónica de Munich que no es la Celibidache, una orquesta fluída, sedosa, bella, suave, dulce, poderosamente emotiva y perfecta en su ejecución técnica.

Una obra maravillosa de un creador para los demás y principalmente para el "Ser Superior" llevada de la mano de un devoto servidor de su obra para su difusión y conocimiento del todos. A ellos nos entregamos.

Nada desdeñable, auqneu no hemos dicho nada de ella es la bellísima inetrpretación del Preludio de Tristán e Isolda. Furtwängler en la trastienda de esta preciosa aproximación a la muestra más bella de Amor sin barreras ni trabas. Disfrútenla también.

Seguimos en la brecha mientras sigan existiendo obras como esta.

Mi más sincero agradecimiento a todos ustedes, a todos los amantes de la Música, del Arte y de la Libertad.

Bruckner
Sinfonía nº 9
Wagner
Preludio de Tristan e Isolda Preludio
Jochum
Münchner Philharmoniker
Grabaciones: München, Herkulessaal der Residenz
8 de julio de 1973, Bruckner
8 de noviembre de 1979, Wagner
Versión original de1894 en Edición de Leopold Nowak de 1951

Mp3

FLAC

Bruckner. Sinfonía nº 4. Klemperer. Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera. 1966.

2012-01-22T23:03:00.002+01:00

Queridos amigos, nada mejor en estos tiempos un poquillo revueltos que la maravillosa y apaciguadora música de Anton Bruckner. Y en esta ocasión de la mano de uno de los directores de la Vieja Guardia del Tesoro. Klemperer frente a los soberbios músicos de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera.

Hermosísima música desde ese inicio, etéreo y espacioso, con la llamada de la trompa sobre esos preciosos trémolos de las cuerdas, hasta su final, impactante y colofón de un desarrollo bellísimo lleno de melodías francamente agradables que vuelve a ser coronado por esas trompas sensacionales. Quizá una de las más "fáciles" obras de Bruckner en cuanto a su acercamiento inicial. Una obra que resplandece por su belleza y por su poderosos crescendos y tuttis nada cargados ni acelerados, con excepcionales y sutiles diálogos de vientos y cuerdas que resultan hermosísimos y de una sensibilidad a flor de piel. Las intervenciones de las violas, violonchelos y violines no tienen desperdicio y resultan extraordinariamente bellas, como ejemplo claro de ello está el precioso segundo movimiento, con un inicio que sencillamente te transforma nada más lo escuchas y que una vez finaliza quedas absolutamente conmovido por su energía contenida y su enorme poder de emocionar. El Scherzo de la obra es una mágica construcción con una preciosa mezcla de dinamismo, solemnidad, alegría y danzabilidad. Bellísimas combinaciones de trompas, maderas y cuerdas en un acumulativo movimiento de energía y un fondo de serenidad musical y espiritual sencillamente conmovedor. El movimiento final es la apoteosis de la obra, el resumen de todo el desarrollo previo de la misma. La intensidad, la contundencia formal y sonora, la grandeza, la emotividad y la belleza instrumental lo salpican una y otra vez has ta llegar a su conclusión grandiosa y hermosísima.

La obra fue compuesta en 1874 y revisada por Bruckner en 1878 y 1880 con cambios en el Scherzo y en el Final. Con esas modificaciones su estreno el 20 de febrero de 1881 en Viena bajo la dirección de Hans Richter fue un extraordinario éxito. Gran parte de aquel éxito se indica fue debido a los cambios del Scherzo en el que se blanceaba de forma mágica la serenidad de las cuerdas con la magia de las trompas. El final se engrandece y se hace quizá más poderoso e impactante sin perder un equilibrio que lo mantiene sublime con la serenidad y el lirismo. Su conclusión resulta de una belleza extraordinaria, la orquesta en pleno concluye con el precioso tema de trompa inicial en una impactante muestra de armonía y esplendor sonoro y musical. Hay diferentes intentos de atribuir un programa a la obra basados en algunas notas escritas por el propio Bruckner pero es justo decir que sinceramente no lo necesita para disfrutar de la misma. Que intente escenificar la caza, la caballería medieval, los castillos o los Romances Medievales, musicalmente no tiene importancia. La belleza de la música es tal que permite a cada uno que pueda soñar y crear su propio universo histórico y emocional de la misma conforme avanza en la escucha de la obra.

Klemperer fue uno de los primeros músicos emigrados por motivo de la Segunda Guerra Mundial que retomó sus actividades en su Alemania natal. En 1946 ofrece un concierto con la Orquesta de la Radio de Baden-Baden. En los ensayos dice una de las más hermosas frases que podían decirse en aquellos años: "...intento con esta presencia cerrar las heridas de este periodo horrible. Pienso que la Música es uno de los más apropiados medios para ello. Espero que consideren mi presencia aquí con ese espíritu".

Años después y tras algún que otro encontronazo con diversas autoridades (Klemperer anduvo más de una vez dándose de bruces con más de un inútil) renunciaría a la nacionalidad americana para solicitar de nuevo la alemana aunque fijando su residencia en Suiza. Sus conciertos en Alemania eran tenidos por verdaderas joyas y acontecimientos de excepción.

En esta etapa uno de sus más afortunados encuentros y una de las más felices asociaciones fue con la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, la orquesta de Jochum. Una orquesta con la que la empatía existía y con la que logró interpretaciones excepcionales. Una de ellas es precisamente esta interpretación aquí recogida. La musicalidad, bellísima, de la orquesta bávara se acompaña de una dirección brillante, emotiva, dinámica y sutil de un Klemperer que deja fluir la música de Bruckner de los atriles bávaros de una forma maravillosa. Una interpretación poderosa, conmovedora y preciosa.

Klemperer interpreta en esta grabación la versión de1886 (básicamente la de1878/80 con levísimos retoques en el final) y en la Edición de Leopold Nowak de 1953.

Espero que disfruten de esta hermosísima música y de esta increíble interpretación de Klemperer. Un Klemperer dinámico, vital, intenso, profundo y con enorme capacidad de impulsión hacia el hermoso deseo de la belleza.

Bruckner
Sinfonía nº 4
Klemperer.
Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera.
Grabación: Herkulessaal, München, 1 de abril de 1966, grabación en directo
Versión de1886 (1878/80) y Edición de Leopold Nowak de 1953
Sentidos

Cinco grandes de la Dirección

Mp3

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Sentidos

Música Norteamericana III. Barber. Integral de la Música publicada para Piano solo. Daniel Pollack, Piano. 1995.

2012-01-21T01:09:00.001+01:00

Queridos amigos, a modo de prueba y prácticamente sin comentarios, quiero compartir uno de los más bellos discos dedicados a la música instrumental para piano. Las grabaciones de la música pianística publicada de ese enorme genio y gran ser humano que fue Samuel Barber.

Tan sólo la pausada audición de su Sonata para Piano (una verdadera obra de arte de la que no me cansaré jamás y de la que no puedo más que indicar su enorme y grandiosa belleza) merece la pena.

Calmemos un poco el ánimo, últimamente soliviantado por motivos ya conocidos, con estas hermosísimas piezas maestras de Barber.

Retomaremos esta entrada en el futuro para aportar notas interesantes y curiosas sobre este disco.

Por ahora que lo disfruten. Ya me comentarán qué experiencia tienen con ella.

Barber

Música publicada para Piano solo

Daniel Pollack, piano

Grabaciones, Fischer Hall, Santa Rosa, California, 10 al 12 de abril de 1995

Mp3

FLAC

Noticia desagradable y preocupante. Cierran Megaupload. A la caza de Fileserve...

2012-01-19T22:06:00.004+01:00

Graciosilla la foto:

Queridos amigos, espero que esto pueda solucionarse pronto.

http://www.elmundo.es/elmundo/2012/01/19/navegante/1327002605.html

Absolutamente lamentable. Cierran el acceso general a la cultura, fundamentalmente a la música, dejándonos, al menos en España con la única posibilidad de los saldo lamentables de las grandes superficies con estanterías vacías de calidad y son las típicas recopilaciones comerciales de tres al cuarto.

Pretendemos difundir el conocimiento y alentar que sobre él las personas puedan adquirir, movidas por el aprecio y el descubrimiento de tesoros musicales, aquella música que les llene. Pero no, de eso nada. Nos conducen como borregos a sus intereses.

Lamentable, volvemos a la época de los copistas medievales, al mercado limitado por los intereses de unos pocos.

No tengo palabras.

Y van por Fileserve y alguna otra. Ya dicen que están retirando archivos.

Alexis Weissenberg. Pequeño Homenaje. Rachmaninov Concierto para Piano nº 3. Leonard Bernstein. Alexis Weissenberg. Orquesta Nacional de Francia. 1979.

2012-01-18T00:03:00.001+01:00

Queridos amigos, con un poquito de retraso, quiero dejar esta noche un hermosísimo disco grabado por el excelente pianista búlgaro recientemente fallecido Alexis Weissenberg. En el disco que presentamos hoy nos encontramos con una de esas excepcionales ocasiones en las que el acompañamiento por el director se eleva a grado de magia. Bernstein en estado de gracia y una Orquesta Nacional de Francia maravillosa (un ejemplo más de las magníficas grabaciones de EMI que realizó el director norteamericano a mediados de los años 70).

Weissenberg fue un excepcional intérprete de Rachmaninov al igual que de Brahms, Schumann o Liszt por citar sólo algunos ejemplos. Y un intérprete admirado por directores de la talla de Karajan (cosa ya difícil), Ozawa, Giulini o el propio Bernstein.

Pocos comentarios quiero dejar en esta entrada. No es momento para ello. Es un simple homenaje a la extrema sensibilidad y profundidad artística de este excepcional ser humano, de una persona de amplísima cultura y de un enorme amor por la enseñanza musical y por la interpretación que emanaba de la necesidad espiritual de realizarla en el momento adecuado y deseado

De verdad es maravilloso, precioso, delicadísimo, de una belleza superlativa. Una compenetración de lujo con un director con el que había "línea directa" y entendimiento de sentimientos y de alma musical y confesional. Y una, repito, soberbia, delicadísima y enorme Orquesta Nacional de Francia con una sutileza de matices y detalles asombrosa. Un concierto ya bello elevado al valor de excepcional, un concierto que le sirvió de presentación en los Estados Unidos de la mano de Szell y del que dejó otras excepcionales grabaciones aunque quizá esta tenga un encanto especial.

Dejo las preciosas tapas del LP con el fin de que puedan apreciar los magníficos comentarios de la misma (en el CD acompaña un bellísimo Preludio Op. 3).

Descanse en paz uno de los grandes del pasado siglo XX. Uno de los últimos dinosaurios del piano.

La Música ha perdido uno de sus más valiosos puntales que la hacían un arte excepcional y único.

En su honor esta bellísima interpretaión del Concierto nº 3 de Rachmaninov.

Rachmaninov Concierto para Piano nº 3

Leonard Bernstein

Alexis Weissenberg

Orquesta Nacional de Francia.

Grabaciones de septiembre de 1979 (Concierto) y febrero de 1979 (Preludio)

Mp3

FLAC

Shostakovich. Sinfonía nº 12. Evgeny Mravinsky. Orquesta Filarmónica de Leningrado. 1984.

2012-01-16T20:43:00.001+01:00

Queridos amigos, hoy dejamos para el deguste general una obra sensacional de Shostakovich. Su preciosa Sinfonía nº 12 "El Año 1917". Y dejamos una de las interpretaciones más redondas e impactantes que haya tenido la suerte de escuchar. El maestro Mravinsky llevando de la mano a una portentosa Filarmónica de Leningrado en un concierto celebrado en directo en el año 1984.

La serie de discos de Erato dedicados a Shostakovich son verdaderas joyas musicales, auténticas maravillas. Aquí ya hemos dejado dos testimonios esenciales de la serie, la Sinfonía nº 5 y la Sinfonía nº 10 (ambas entradas serán actualizadas en breve al formato FLAC). Esta nueva entrada de la Sinfonía nº 12 no se queda atrás. Mantiene las mismas virtudes de las otras interpretaciones. Su carácter intenso, su forja acerada y dura, su sonoridad seca y crispante, su precisión objetiva, su carácter intensamente profundo. Todo ello acompañado de una belleza instrumental digna de admirar, de una capacidad tímbrica deslumbrante y de una sonoridad distantemente emotiva pero que cala de manera inmediata. En algo se notan los numerosos años que pasó Mravinsky al frente de la formación rusa (1938 al 1988) y el amor y conocimiento profundo de la obra de Shostakovich (Mravinsky fue el responsable además del estreno de las sinfonías nº 4, 5, 8, 9, 10 y 11).

En el año 1960, Shostakovich se vinculó definitivamente al Partido Comunista (bien sea por obligación represiva o por cierto miedo). Aproximadamente por esos primeros años 60 comenzó a manifestar de manera más notable los síntomas de la polio. Datos personales que quizá tengan algo que decir en relación al carácter dubitativo, repetitivo y tosco de la obra. Cosa sorprendente es, cuanto menos, que coincidiendo con una etapa creadora realmente positiva del maestro ruso escribiera esta Sinfonía nº 12 que como luego veremos es tenida por obra menor por los entendidos. Una obra en la que quizá ya le resulta imposible afirmar el valor del régimen al que representa el partido, hacerlo propio o sacar algo positivo del mismo aún cuando es una etapa en la que se va transformando progresivamente en un músico mucho más intimista e incluso digamos "adicto" o respetuoso con el mismo.

La Sinfonía nº 12 fue compuesta en el año 1961 y dedicada a Lenin, el padre de la Revolución Rusa. Fue estrenada en Leningrado el 1 de octubre de 1961 por Mravinsky y la Filarmónica de Leningrado siendo la última de sus grandes obras sinfónicas cuyo estreno aseguró Mravinsky.

El deseo de dedicar una obra a Lenin rondaba la cabeza de Shostakovich desde muchos años atrás, una obra que glorificara la memoria del líder revolucionario, de aquél líder, cuyos actos guerreros y victoriosos había vivido de pequeño, aquél líder que había idolatrado. Sin embargo la tarea era difícil, muy difícil. Poco de lo posteriormente vivido por Shostakovich era alabable, digno de merecer la pena o de ser tenido como positivo. La historia y los actos habían marcado las barreras.

La obra está estructurada en cuatro movimientos, descriptivos cada uno de ellos de algunos de los hechos más relevantes o significativos de la Revolución de 1917. Podríamos decir que se trata de una obra programática o de música descriptiva.

El primer movimiento, Petrogrado Revolucionario, enlaza con la Sinfonía nº 11, usa parte de los cánticos revolucionarios polacos de La Marcha Varsovia. Es un intento de presentar y ejemplificar el ánimo exaltado del pueblo, su espíritu combativo, luchador y alterado. Espíritu que resulta finalmente triunfante al concluir el movimiento. Movimiento por otro lado de forma muy clásica pero realmente efectivo y bello.

El segundo movimiento, Razliv, toma como referencia el lugar del cuartel general de Lenin en el golfo de Finlandia, cerca de Petrogrado. Música desoladora y enormemente profunda basada en la Marcha Fúnebre por los Abatidos que aparece en la undécima sinfonía. Tintes lejanos de tristeza, de profundo sentimiento de abatimiento salpican el desarrollo de este movimiento, que particularmente me parece sencillamente sobrecogedor con unas cuerdas bajas y unas maderas fascinantes.

Locomotora del Tren de Lenin en 1917

El tercer movimiento, Aurora, es una épica demostración de la capacidad musical para reflejar los estados emocionales. Aurora fue el crucero que con su disparo sobre el Palacio Imperial de Invierno marcó el inicio de la revolución bolchevique de octubre. En la madrugada del 25 de octubre de 1917 (7 de noviembre de nuestro calendario), los obreros, marineros y soldados de Petrogrado, dirigidos por el Partido bolchevique, y tras la señal del crucero inician el asalto al palacio, derrocan al gobierno provisional burgués de Kerenski e instauran el poder soviético, el inicio de la "dictadura del proletariado". Magníficos pizzicatos de unas cuerdas absolutamente bellas e impactantes, excepcional agrupación progresiva de instrumentos marcan el desarrollo de este movimiento, fantástico reflejo del ánimo de lucha y combate de los participantes. Creciente en intensidad es de una belleza impactante.

Crucero Aurora, Río Neva, San Petersburgo, Museo de la Revolución

En el cuarto movimiento, La Caída de la Humanidad, se realiza un fresco de la sociedad soñada y dirigida por los triunfadores. Un movimiento en progresivo aumento de tensión emocional y que deja de lado el aspecto sordo y triste del inicio para conducir a un final triunfante (para mi gusto excepcional).

Obra muy controvertida en su valoración por los entendidos en música y francamente menospreciada, encierra a mi humilde entender, mucha belleza musical. No es la enorme Sinfonía nº 11 ni la muy elaborada y muy contestataria Sinfonía nº 13. Es una obra intermedia, que no deberíamos calificar de menor y que aunque quizá esté carente del valor de las otras dos antes citadas tiene una fuerza emocional sobresaliente. Instrumentalmente es una delicia de composición, con quizá algunos excesos de metales en algunos momentos pero con unos pasajes musicales en las cuerdas y en las maderas sobresalientes y bellísimos.

En muchísimas ocasiones me da la sensación de una partitura para cine. Si has podido leer algo acerca de aquella convulsa época (la otra tarde pusieron por televisión una excepcional película rusa llamada El Capitán que refleja una parte muy importante de algunos hechos de aquella etapa histórica de Rusia) en muchos momentos llegas a sentir en tu interior el desasosiego que pudo experimentarse en aquellos trágicas y a la par esperanzadores momentos históricos.

Batallón de Mujeres frente al Palacio de Invierno

Espero que disfruten de una obra que merece la pena y que aprecien la enorme fuerza y la belleza interpretativa de Mravinsky al frente de su Filarmónica. Un conjunto de excepción para traducir una partitura expresiva y descriptiva de unos hechos históricos claves del siglo XX.

Musicalmente es una delicia.

Shostakovich

Sinfonía nº 12 "El Año 1917"

Evgeny Mravinsky

Orquesta Filarmónica de Leningrado

Grabación en directo en la Gran Sala de la Filarmónica de Leningrado

30 de abril de 1984

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Beethoven. Sinfonía nº 7. Schumann. Sinfonía nº 2. Celibidache. Beethoven. Orquesta Sinfónica de la Radio de Stuttgart, 1964. Schumann. Orquesta Filarmónica de Estocolmo, 1969.

2012-01-15T00:46:00.002+01:00

Queridos amigos, esta noche dejamos un disco precioso del maestro Celibidache al frente de dos de sus orquestas de la época de galeras del maestro rumano. Dos orquestas de un nivel no reconocido entre las más grandes pero con una enorme calidad técnica y musical y que en manos de Celibidache se transforman en verdaderos medios musicales de transmisión de belleza.

La intrpretación que Celibidache y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Stuttgart ofrecen de la preciosa Sinfonía nº 7 de Beethoven es sencillamente encantadora. Un prodigio de musicalidad, de armonía, de tímbrica, de colores. Un discurso musical que fluye de manera suave y dinámica se percibe a lo largo de su audición. Con un sonido más que aceptable, se pueden apreciar los bellísimos detalles instrumentales, la elaboración perfecta de los pasajes y los temas, la excepcional musicalidad y el genial enfoque rítmico que imprime al maestro a la obra. Una de las Séptimas de Beethoven más bonitas que haya escuchado. No tiene desperdicio.

En un tiempo posterior Celibidache realizó una más pausada aproximación a la misma obra, dentro de la serie de EMI. Las diferencias entre ambas interpretaciones son claramente perceptibles. Quizá mejores mimbres instrumentales en EMI, esta interpretación recogida por Arkadia no la desmerece en absoluto. Con una mayor vitalidad, con un ritmo y una dinámica más "juvenil" se nos presenta como una obra completamente diferente, más beethoveniana y quizá sin el lastre de la excesiva lentitud de su aproximación con EMI (lentitud que por otro lado te permite paladear de una manera sin par todos y cada uno de los detalles de esta magna obra).

Quizá Beethoven no haya sido el compositor que más apropiado haya sido a la evolución musical y de pensamiento de Celibidache pero en esta grabación ya se puede apreciar el amor del maestro por el detalle, por el discurso desarrollado para paladear sonidos, sentimientos, instrumentación y sentido de la obra. Es prodigioso como desgrana en su desarrollo los temas, como los enlaza permitiendo un devenir sin fisuras, como permite deleitarse en lada grupo instrumental y en cada solista. Y qué enorme belleza logra extraer de todos y cada uno de ellos, simplemente deliciosa manera de transcribir la música.

Un deleite para el corazón y para el oído.

En cuanto a la hermosísima obra de Schumann, uno de los músicos mejor interpretados por Celibidache, podemos realizar comentarios muy, muy semejantes. En este caso es incluso más intensa y emocional la interpretación, más de "corazón". Hay una libertad expresiva sensacional, una intensidad de sentimientos enorme, una profundidad en la traducción verdaderamente digna de elogio.

Cada uno de los soberbios movimientos que la integran es interpretado de forma bellísima. El movimiento inicial arranca de forma sencillamente emocionante, suave, delicado, con unas cuerdas maravillosas acompañadas por unas maderas delicadas y de una sonoridad preciosa. Un Scherzo delicadísimo y bellamente dinámico y juguetón pleno además de energía. El Adagio espressivo es un verdadero monumento a la delicadeza, a la sensualidad, a la belleza y a la emoción. Y el movimiento final un verdadero arrebato controlado de energía y de impulsividad con unas cuerdas impresionantemente bellas que son un motor de energía en su avance salpicado de preciosas maderas y brillantísimos metales. Un final enérgico, arrollador y en algún punto con algo de "locura", de bellísima locura.

Un Schumann soberbio, precioso, de estructura sabiamente desarrollada y lleno de vida, de energía y de verdadera pasión. Y una Filarmónica de Estocolmo que está impresionante, delicadísima, perfecta y técnicamente a la par de cualquier otra formación (las manos del maestro se notan), de una belleza sonora preciosa, con unos atriles sensacionales y con una musicalidad deliciosa.

Espero que disfruten de estas dos magníficas interpretaciones del maestro rumano. Unas interpretaciones soberbias y dignas de apreciar en todo el valor que encierran y que sinceramente creo es muchísimo.

Beethoven

Sinfonía nº 7

Schumann

Sinfonía nº 2

Sergiu Celibidache

Beethoven, Orquesta Sinfónica de la Radio de Stuttgart, 1964

Schumann, Orquesta Filarmónica de Estocolmo, 1969

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Tchaikovsky. Sinfonía nº 6. Wagner. Tristán e Isolda. Preludio al Acto I y Muerte de Amor (Liebestod). Furtwängler. Orquesta Filarmónica de Berlín. 1938.

2012-01-12T00:41:00.001+01:00

Queridos amigos, quisiera dejar esta noche un disco que acabo de volver a escuchar tras un tiempo, demasiado largo, sin hacerlo. Y sinceramente me ha vuelto a emocionar como pocas grabaciones lo logran hacer.

Una absolutamente impactante interpretación de la Sinfonía nº 6 de Tchaikovsky complementada (o viceversa) con dos fragmentos mágicos y maravillosos del Tristán e Isolda de Wagner. Ambas interpretaciones en las increíbles manos de Furtwängler que dirige a una espectacularmente bella e iresistíblemente soberbia en su ejecución Filarmónica de Berlín.

No asociamos generalmente a Furtwängler con el genio de Tchaikovsky, pero es esta una ocasión única para apreciar que el arte musical tiene mucho de magia e inspiración.

Y magia, encanto e inspiración se dejan apreciar desde la escucha de los primeros compases de la obra de Tchaikovsky. Es asombroso cómo se puede llegar a profundizar tanto en la emoción contenida en unas notas musicales y a traducir esas notas en sentimiento puro. Desde el inicio hasta el final de la obra, todo fluye de una forma tan bella, armoniosa, delicadamente matizada, intensa y profunda que es imposible resistirse a su encanto. Si esta obra de Tchaikovsky es una verdadera obra de arte y un ejemplo de sentimiento humano profundo, es esta una de sus mayores maneras de apreciarlo. Absolutamente genial e irresistible. Sencillamente impresionante y majestuosa. Dulce y amarga, impulsiva y dinámica, sobrecogedora y recogida, humana, sencillamente humana. Bellísima.

Y, queridos amigos, todo lo anteriormente comentado es aplicable a la interpretación de los dos fragmentos musicales de la Muerte de Amor de Wagner. Unos fragmentos que rezuman belleza, que resultan conmovedores e irresitibles en su atractivo musical y sonoro. Varias veces he comentado en este nuestro espacio que no soy un conocedor profundo de la obra de Wagner y que en general mi pasión por ella no es apreciable, seguro que por mi incapacidad de apreciar todo su valor musical y toda la importancia de su valor teatral y dramático. Pero debo reconocer que Tristán e Isolda me lleva al éxtasis. Y en la interpretación de estos dos pequeños fragmentos de la mano de Furtwängler, el éxtasis es máximo. Contiene tnto amor, tanta pasión, tanta belleza y tanto sentimiento que no puedo contener mi admiración y mi profundo sentimiento de amor por ellas.

Quisiera destacar la increíble prestación que ofrece la Orquesta Filarmónica de Berlín. Maravillosa, portentosa en su conjunto, instrumentalmente perfecta, con una capacidad adaptativa a cada momento del devenir musical digna de admiración. Que no es la perfecta orquesta actual o de los años de Karajan o Abbado, sí, seguramente. Pero no le hace falta esa perfección para lograr que su ejecución sea tan brillante y tan musicalmente bella. Y la grabación ¡del año 1938! es espectacular. Creo sinceramente que ofrece un ejemplo único de lo que es belleza sonora, emotividad, sensibilidad y técnica al servicio del sentimiento a través de la música.

Espero que disfruten de este hermosísimo disco, para mí, uno de los más bellos ejemplos de lo que la música puede llegar a lograr transmitir a tu alma y a tu corazón si es puesta en juego de una manera tan "humana" como es este caso.

Un homenaje más a uno de los más grandes genios de la dirección: Furtwängler, simplemente un maestro al servicio del objetivo de la música.

Tchaikovsky, Sinfonía nº 6

Orquesta Filarmónica de Berlín

Grabación del 25 al 27 de octubre y noviembre de 1938, Berlín

Wagner, Tristan und Isolde y Prelude to Act I, Liebestod

Grabación, 11 de febrero de 1938, Berlín

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Día de Reyes. Mozart. Sinfonías nº 33 y nº 41. Haydn. Sinfonía nº 92. George Szell. Concertgebouw Orchestra. Orquesta Nacional de la RTF. 1958. 1959.

2012-01-06T00:25:00.002+01:00

Queridos amigos, celebramos hoy un día de gran ilusión, de magia, de esperanza y de alegría. Es el Día de los Reyes Magos.

Espero poder compartir con todos vosotros un poquito de esa ilusión, magia, esperanza y alegría que tiene esta festividad. Sigo siendo un niño y sigo teniendo la ilusión de un niño. Y sigo creyendo en los Reyes Magos, por supuesto.

Estoy convencido de que todos, en mayor o menor medida, tenemos esa misma ilusión. Y más convencido aún estoy de que todos, y me incluyo, hemos sido buenos. Así que no queda más que esperar que los Magos de Oriente se porten muy bien con todos.

Una noche como esta, especial y llena de sueños bellos, de inquietud y de emoción contenida debe servirnos a todos para volver a nuestra época de la infancia, a seguir soñando con regalos imposibles que se hacen realidad, a seguir teniendo una sonrisa en nuestra cara a la hora de levantarnos, a festejar la alegría de los nuestros al ver su felicidad. A ser felices y a hacer felices a los demás.

Quiero dejarles hoy a todos un pequeño regalito musical que me dejan en casa mis queridos magos. Y no he podido contener la alegría que me ha proporcionado. Mis queridos Reyes han leído mi carta y no debo haber sido mal nene en cuanto que se han portado excepcionalmente bien. Me dejan este regalito que hoy, en parte, comparto con todos vosotros. Una bella música en manos de un excepcional mago de la misma. Tres Reyes musicales juntos: Mozart, Haydn y Szell.

Os lo dejo para vuestro disfrute y para que acompañe el sueño inquieto de muchos y el despertar alegre de otros tantos.

Por todos vosotros, por los buenos seres que habitan por este nuestro espacio.

Y un deseo, ¿imposible? no lo sé a ciencia cierta.

Ojalá hoy todos, todos los niños del mundo puedan acostarse con ilusión y emoción y levantarse con enorme alegría y felicidad.

Ellos, seguro, seguro sí han sido buenos.

Les dejo con este precioso disco que merece muy mucho una atenta audición.

Que lo disfruten y ya me contarán qué tal se han portado con ustedes SSMM los Reyes Magos de Oriente.

George Szell

Salzburgo

Conciertos desde 1958 a 1968

CD 1.

Mozart, Sinfonías nº 33 y nº 41

Concertgebouw Orchestra

Haydn, Sinfonía nº 92

Orquesta Nacional de la RFT

Grabaciones: 6 de agosto de 1958 (Mozart) y 3 de agosto de 1959 (Haydn)

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Que ni tu ni nadie nos pueda quitar un muy, muy Feliz Año 2012. Alaska y Dinarama. Deseo Carnal. 1984.

2011-12-31T21:25:00.000+01:00

Queridos amigos os deseo de todo corazón un fin de año lleno de felicidad y alegría en compañía de todos vuestros familiares y amigos.

Que el año 2012 venga, para todos, lleno de Salud, de Trabajo y de Amor. Como indica el encabezado de la entrada que ni tu ni nadie nos pueda quitar la Ilusión por este nuevo año, año que desarrollaremos nosotros mismos con nuestro esfuerzo y nuestra ilusión por la vida.

Sirva este disco maravilloso de Alaska y Dinarama para amenizar esta despedida del 2011 y la entrada en un, seguro, mejor 2012. Un disco excepcional de unos artistas soberbios. Una época de la música pop genial, divertida, libre, con ansias, con esperanzas.

Que todos vosotros, vuestros amigos, vuestros conocidos, vuestros seres queridos y vuestras familias disfrutéis de esta noche tan especial que debe ser el inicio de un año para nada triste y que entre todos podemos hacerlo mágico y esperanzador. En nuestras manos está.

A divertirse queridos amigos. Nos vemos en el 2012.

Deseo Carnal

Alaska y Dinarama

Grabación: 1984

Madrid y Londres

Mp3: http://www.megaupload.com/?d=I9MEUFC5

FLAC: http://www.megaupload.com/?d=2ZRAD0R2

Shostakovich Sinfonía nº 5. Leonard Bernstein. Orquesta Sinfónica de Londres. 1966.

2011-12-28T22:08:00.001+01:00

Queridos amigos, en estas fechas tan propias para los regalos queremos dejar hoy un presente que verdaderamente es un regalo sonoro y artístico espectacular.

La Quinta Sinfonía del maestro Shostakovich interpretada por Leonard Bernstein al frente de una inspiradísima y soberbia Orquesta Sinfónica de Londres.

La grabación procede de una emisión televisiva de la BBC y la banda sonora está sacada del DVD del concierto (en el que además vienen unas tomas preciosas de los ensayos de los músicos londinenses con un Bernstein absolutamente "introducido" en la obra y con esa energía que le era tan propia). El sonido, sin ser excepcional es más que suficiente en calidad y presencia para poder disfrutar de una interpretación magistral. Tan sólo podrán apreciar un levísimo desliz técnico-sonoro a los cinco minutos del tercer movimiento que está en la propia grabación, como un peqeño gap sonoro, (irresoluble).

Pero nada empaña la soberbia recreación que de la obra realizan los londineses y Bernstein. La Quinta Sinfonía de Shostakovich era una obra muy grata a Lenny (es una pena que no llegara a grabar para DG, en su última etapa, una versión con los vieneses o los de New York). La evolución de su concepto de la obra no ha tenido grandes variaciones a lo largo de su carrera y todas sus grabaciones llevan el mismo sello y la misma impronta, diferenciándose quizá muy levemente su interpretación con New York en Tokio.

En esta aproximación de 1966 lo que más me llama la atención es la excepcional preparación y posterior prestación de las cuerdas londinesas, verdaderamente prodigiosas, de una sonoridad enormemente cálida, con intensidad, con un juego en sus pupitres maravilloso. Para mí, lo más destacable de toda la interpretación, sin desmerecer por supuesto, a los geniales metales, a la percusión soberbia y a los instrumentos de viento con unas maderas preciosas.

Bernstein realiza una magistral labor directorial, reuniendo técnica e intensidad emocional. Maneja los atriles para dar un notable aspecto camerístico a la obra, muy marcado en su primer movimiento absolutamente envidiable; un genial y hermoso ritmo juguetón recorre el segundo movimiento con unos vientos deliciosos contrastando en su juego con la masa orquestal de cuerdas en un "enfrentamiento" precioso.

El tercer movimiento es uno de los largos y movimientos lentos más bellos jamás escritos, un movimiento intensísimo, emocionalmente intenso, con una sonoridad sombría profunda y pesada que poco a poco se va cubriendo de un lirismo denso y penetrante de una belleza inconmensurable con la genial aportación de las maderas y de los vientos sin que en momento alguno se deje de tener esa sensación poderosa de hondura y lamento (maravillosos chelos y contrabajos). El movimiento acumula una tensión y una energía de forma tan sutilmente apreciable que resulta arrollador y te cala hasta lo más hondo de tu corazón, te sobrecoge y luego se desvanece levemente en una paz preciosa, en una calma sonora y espiritual única.

El Allegro final, ese genial y apoteósico movimiento de la Quinta, se aborda de la forma habitual en Bernstein, con una enorme energía y tensión dramática. Excepcional en este caso la masa de cuerdas y los instrumentos de viento metal, poderosos y presentes de una forma magistral. La progresión del mismo es rápida, como es la costumbre de Lenny en esta obra. Rápida en comparación incluso con Mravinsky (un genio de esta sinfonía), pero rapidez sin perder el pulso de la obra, marcando todos los instrumentos de forma que resultan perfectamente audibles en sus diferentes matices. La gran explosión final es donde el ritmo es más rápido, sin pausa, intenso, vivo, fantástico. Una delicia.

Espero que disfruten de esta maravillosa obra en un ejecución verdaderamente soberbia en manos de un gran genio de la interpretación musical, disfruten de una Sinfónica de Londres espectacular y de la grandeza de la interpretación en vivo.

Un bonito regalo para estas fechas.

Shostakovich nº 5

Leonard Bernstein

Orquesta Sinfónica de Londres

Grabación: Londres, diciembre de 1966

Emitido el 8 de enero de 1967, BBC

Mp3

FLAC

¡Feliz Navidad! Álbum de Navidad. Schwarzkopf. Mackerras. Philharmonia Orchestra. Ambrosian Singers. 1957.

2011-12-24T10:18:00.003+01:00

Queridos amigos. Desear a todas las personas que siguen este espacio, a todos los compañeros y amigos cuyos espacios tengo el gusto de visitar y en general a todas las personas del mundo unas muy felices fiestas. Que disfruten de estos días de profundo significado y que gocen en compañía de sus familias y de sus amigos de la bendición suprema de la vida.

Decía el poeta Antonio Machado que "Hoy es siempre todavía". Y me gustaría, humildemente, añadir que todavía es posible, que luchemos por conseguir todo aquello que deseamos y que trabajemos por ser buenas personas y personas para el mundo.

Os deseo a todos vosotros y a todas vuestras familias y seres queridos unas muy felices fiestas y un año 2012 lleno de salud, de trabajo, de amor y de amistad.

Agradeceros vuestra constante presencia en este lugar sin la cual no sería posible seguir adelante. Agradeceros vuestras sinceras muestras de apoyo en los malos momentos vividos.

Agradeceros vuestra sincera amistad.

Todo ello es lo importante.

Que sean muy, muy felices y que podamos seguir viéndonos el año próximo.

Os dejo este precioso regalo de enorme valor musical y de una fuerza emocional insuperable.

Con todo el amor del mundo, de vuestro amigo Julio.

La Natividad (1799, de José Campeche y Jordán, Puerto Rico)

Christmas Album

Mackerras

Schwarzkopf

Philharmonia Orchestra

Ambrosian Singers, Dir. John McCarthy

Denis Vaughan, órgano

Julian Bream, guitarra

Grabaciones de mayo y junio de 1957, Londres

Adaptaciones de Charles Mackerras (menos pistas 1 y 14)

Mp3

FLAC

Beethoven. Integral Sinfónica. Oberturas. Jochum. Concertgebouw Orchestra Amsterdam. 1967. 1968. 1969.

2011-12-11T12:54:00.001+01:00

Queridos amigos publicamos hoy la entrada que completa una anterior dedicada al Beethoven de Jochum con la Orquesta del Concertgebouw.

Sirva también como un pequeño homenaje a mi mujer y a mí mismo al celebrar hoy nuestros 18 años de casados (fundamentalmente a ella que me ha ayudado y ayuda en todo aquello que he podido necesitar).

Corresponde a la excepcional integral de la obra sinfónica grabada por el maestro Jochum con la citada orquesta y completada con algunas oberturas. Las grabaciones fueron realizadas entre los años 1967 a 1969 y tienen una calidad sonora espléndida que permite apreciar la maravillosa sonoridad orquestal y el excepcional trabajo realizado por el director con la orquesta. La integral fue preparada en una etapa en la que se preparaba la celebración del nacimiento del compositor y en la que numerosas casas discográficas realizaban esfuerzos por publicar sus correspondientes integrales.

Los equipos de grabación fueron los mismos que trabajaron con Haitink para la preparación de sus grabaciones de Bruckner y Mahler y confieren a este conjunto de grabaciones de Beethoven un plus de belleza magnífico. Las sesiones de grabación fueron realizadas en relativamente poco tiempo pero tenían una base previa de ensayos e interpretaciones públicas que propiciaron ese trabajo rápido y bien realizado.

En particular esta integal me parece superior a la que grabó posteriormente en Londres y muy similar en su concepto a la anterior con la DG. Digamos que podríamos considerarla como el punto medio o de equilibrio entre ambas. En cualquiera de ellas los medios orquestales son del todo punto excepcionales pero la Orquesta del Concertgebouw tiene algo especial, un punto de espacialidad y una sonoridad muy particular que brinda a su interpretación una calidez y una "sensación emotiva" para mi gusto superior.

La compenetración entre Jochum y la Concertgebuw se pone claramente de manifiesto en estas grabaciones. Jochum era querido, respetado y admirado por la orquesta. Como indicaba antes, las grabaciones se realizaron tras unos ensayos preparatorios intensos y varias interpretaciones previas que facilitaron el trabajo de la grabación, a esto debemos sumar el hecho de haber realizado las grabaciones en un espacio temporal relativamente corto con lo que se confiere a la integral una unidad conceptual quizá no existente en su primera aproximación para la DG.

Los resultados globales son sencillamente preciosos. La sonoridad de las cuerdas de la orquesta es bellísima, la perfección y la belleza sonora de los instrumentos de viento y madera simplemente prodigiosas; la conjunción orquestal está perfectamente lograda con un tempo que te permite poder apreciar todos y cada uno de los detalles de los distintos pupitres y apreciar la calidad excelsa de los diversos instrumentistas y gozar de un sonido bellísimo ofrecido por una orquesta inigualable.

En relación a los tiempos elegidos pueden parecer algo lentos pero una vez te dejas llevar por la música, todo parece y todo suena perfecto. En ocasiones rápido, en otras impulsivo, en otras lirico, Jochum deja fluir la música de forma libre. No realiza una interpretación rígida de la obra de Beethoven, interpreta de forma flexible, maleable, sin dar lugar a rigidez o encorsetamientos ni a desorden o desconcierto. La impresión es de una libertad musical preciosa, nada amanerada y ni mucho menos caprichosa, más bien espontánea, inspirada, bonita y seductora. La capacidad de mantener el pulso rítmico en todas las sinfonías es digna de admiración. El fluir de la música es tan sencillo como bello y cuando te dejas llevar por su ritmo, su sonoridad y su gusto tan exquisito disfrutas de una manera indescriptible.

Particularmente preciosas me resultan las interpretaciones de las Sinfonías nº 1, 3, 4 y 5. Pero estoy convencido que en todas ellas encontrarán bellezas, matices y detalles preciosos y dignos de apreciar y disfrutar. Una Segunda deliciosa, una Sexta dulce y encantadora, una Séptima brillante y una Novena soberbia son también dignas de mención.

Espero que disfruten de estas preciosas grabaciones y de un Beethoven de una época gloriosa de la interpretación musical.

De nuevo agradecer a nuestro amigo Wenceslao su colaboración al proporcionarme los escaneos del libreto interior. En esta entrada se han añadido más fotografías de lo habitual tomadas de un reportaje fotográfico sobre las sesiones de grabación de esta integral y que he considerado tienen un gran valor documental e histórico.

Beethoven

Integral de las Sinfonías, Oberturas

Eugen Jochum

Concertgebouw Orchestra Amsterdam

Netherlands Radio Chorus

Liselotte Rebmann, soprano

Anna Reynolds, contralto

Anton de Ridder, tenor

Gerd Feldhoff, bajo

Grabaciones:

nº 1, 13 y 14 de marzo de 1967

nº 2, 21 al 24 de marzo de 1969

nº 3, 28 y 29 de mayo de 1969

nº 4, 13 al 15 de junio de 1968

nº 5, 29 de noviembre al 4 de diciembre de 1968

nº 6, 29 de noviembre al 4 de diciembre de 1968

nº 7, 19 y 20 de septiembre de 1967

nº 8, 28 y 29 de mayo de 1969

nº 9, 4 al 7 de junio de 1969

Leonore I, mayo de 1968

Leonore II, 28 y 29 de mayo de 1969

Leonore III, diciembre de 1969

Fidelio, 29 de noviembre al 4 de diciembre de 1968

Mp3:

nº 1 y 2

nº 3

nº 4 y 7

nº 5 y 8

nº 6

nº 9

FLAC:

nº 1 y 2

nº 3

nº 4 y 7

nº 5 y 8

nº 6

nº 9

Feliz Día de la Inmaculada. Beethoven, Sinfonía nº 5. Sibelius, Sinfonía nº 2. Szell. Concertgebouw Orchestra. 1966. 1964.

2011-12-08T19:28:00.001+01:00

Queridos amigos. Hoy es un día muy especial. Es el día de la Inmaculada, Un día de mucha historia y de mucho arraigo en España. Es el santo de mis dos nenas del alma, mu mujer y mi hija. Además, entre otras celebraciones, se cumplen 125 años del nacimiento del excepcional artista mexicano Diego Rivera (entre otras muchas cosas un fabuloso muralista) y 146 años del de Jean Sibelius. Un buen motivo para celebrar de manera especial este día.

Para ello he elegido un disco sencillamente precioso. George Szell interpretando de forma magistral dos obras sinfónicas de gran envergadura y especialidades de la casa: la Quinta de Beethoven y la Segunda de sibelius. Ilustramos la entrada con una carátula especial con la pintura La Maternidad de Rivera. Mi sencillo homenaje a todas las Inmaculadas del mundo y a los dos artistas arriba mencionados.

Las grabaciones proceden de registros preparados con motivo de las visitas de Szell a Amsterdam en los meses de noviembre de 1964 y 1966 y son un ejemplo claro de la excepcional manera de preparar las grabaciones que tenía Szell. El resultado es sencillamente inmejorable.

Un aspecto fundamental a tener presente para valorar ese resultado es la excepcional participación de la orquesta holandesa. Su prestación, tanto en conjunto como en sus solistas, es soberbia. Confiere una calidez sonora preciosa y en cierto modo "lima" el carácter seco habitual de Szell en sus interpretaciones.

La interpretación de la Sinfonía nº 5 de Beethoven, obra absolutamente magistral, es para mi gusto una de las más grandes que se puedan escuchar y no sólo de las numerosas grabaciones dejadas por Szell sino del global de las interpretaciones grabadas que, al menos yo, haya escuchado. Sus matices están perfectamente desgranados, la sonoridad compacta de la orquesta es sorprendente y bellísima, los instrumentistas están sencillamente geniales y Szell deja de lado, un poquito, su habitual carácter analítico para dejarse ver como un director humano. Sorprendente de veras. Basta con escuchar ese dificilísimo último movimiento para caer rendido ante una interpretación sencillamente magistral.

La Segunda Sinfonía de Sibelius sigue los mismos cánones interpretativos antes referidos para la obra de Beethoven. Su aproximación no es del estilo emocional por ejemplo de un Bernstein ni se aproxima a la belleza sonora de un Karajan o a la exquisitez de un Barbirolli. Ni siquiera se parece a la excepcional interpretación que ofreció el mismo Szell en Tokio en su último concierto (la dejaremos para otra entrada en breve). Pero reune un poquito de todos los antes referidos y auna calidez, emoción, sonoridad pulcra y bella, desarrollo exquisito, matizaciones preciosas de los pasajes y de las intervenciones solistas, profundidad, inmensidad y lejanía, intensidad tímbrica, colorido orquestal precioso. Resulta verdaderamente placentero escuchar esta aproximación a la obra de Sibelius, sumergirse en las profundidades de sus sonidos, en la belleza de sus contrastes y en el precioso mundo sonoro del maestro finés.

Espero de corazón que les guste este disco.

Está dedicado con todo el cariño del mundo a las Inmaculadas, a Rivera, a Sibelius y a todos vosotros.

Beethoven

Sinfonía nº 5

Sibelius

Sinfonía nº 2

George Szell

Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam

Grabaciones en el Concertgebouw de Amsterdam:

Beethoven del 28 al 30 de noviembre de 1966

Sibelius del 25 al 28 de noviembre de 1964 (otras fuentes dan como fechas posibles dela grabación la del 18 al 21 de noviembre de 1964)
Ilustración: Rivera: La Maternidad

Mp3

FLAC

Actualizaciones de Entradas. Pequeños cambios de Diseño.

2011-12-04T23:11:00.001+01:00

Queridos amigos, esta breve entrada es simplemente para recordaros que en la pestaña Actualizaciones de Entradas se van colocando periódicamente revisiones de anteriores entradas bien en forma de formato FLAC o bien, además de ello, con actualizaciones o modificaciones de carátulas, datos de los CD, etc.

Recomiendo que la revisen de vez en cuando.

Igualmente hemos aprovechado para redistribuir algunos complementos. Los personales pasan a la parte inferior (reloj, husos horarios, mis páginas preferidas, visitantes, contadores, etc). Al final encontrarán también la lista de etiquetas pero en esta ocasión en forma de nube alfabética y la lista de los principales blogs que sigo.

Un fuerte abrazo.

Día de Santa Cecilia. Beethoven. Sinfonía nº 3. Oberturas Leonor nº 3 y Fidelio. Eugen Jochum. Concertgebouw Orchestra Amsterdam. 1969. 1969. 1968.

2011-11-22T23:45:00.002+01:00

Queridos amigos, para celebrar este día tan grato a los amantes de la Música en general, queremos rendir homenaje a su patrona, Santa Cecilia (aprovechamos para hacer extensivo el homenaje a los poetas e invidentes así como a todos aquellos nacidos en Mar del Plata, Albi y Omaha).

Muchas opciones son posibles para un día tan señalado. Finalmente me he decidido por un disco verdaderamente maravilloso, una pequeña joya discográfica y una muestra de un arte directorial y una comprensión de la música de Beethoven extraordinaria.

El disco corresponde a una preciosa interpretación llevada a cabo por el maestro Jochum con una de sus orquestas preferidas, la sensacional e increíblemente precisa y bella Concertgebouw de Amsterdam (verdadero prodigio de orquesta).

Dentro de las grabaciones del propio Jochum de esta obra, magna y suprema, de Beethoven, es quizá la más equilibrada y hermosa. Un verdadero ejemplo de musicalidad, vitalidad, precisión, belleza y soberbia construcción musical.

Grabación de muy buena calidad sonora y de una calidad excepcional en su aspecto interpretativo. Una orquesta insuperable, exquisita y de una sonoridad encantadora. Una dirección viva, con alma, con amor y con sentimiento.

Una, que no es poco, aproximación extraordinaria. Para paladear y degustar.

Que disfruten de ella. Sinceramente creo que lo van a hacer y que sentirán un conjunto de emociones sencillamente difíciles de traducir en palabras.

Mi enorme agradecimiento a nuestro amigo Wenceslao que me proporcionó los escaneos del libreto interior.

Beethoven

Sinfonía nº 3

Oberturas Leonor nº 3 y Fidelio

Eugen Jochum

Concertgebouw Orchestra Amsterdam

Grabaciones:

28 y 29 de mayo de 1969 (Sinfonía)

Diciembre de 1969 (Leonor III)

29 de noviembre al 4 de diciembre de 1968 (Fidelio)

Mp3

FLAC

Tchaikovsky. Sinfonía nº 6. Temirkanov. Orquesta Filarmónica de San Petersburgo. 1992.

2011-11-20T11:39:00.002+01:00

Queridos amigos finalizamos hoy el recorrido por el conjunto de discos grabados por Temirkanov y la Filarmónica de San Petersburgo dedicados a la trilogía final de sinfonías de Tchaikovsky. Y lo hacemos con una excepcional aproximación, musical y espiritual, a la enigmática y sorprendente sinfonía nº 6.

La Sinfonía nº 6 de Tchaikovsky fue esbozada inicialmente por el compositor en otoño de 1892 en el marco de un sentimiento y un deseo de ser una obra programática cuyo fondo sería la vida. De estos primeros esbozos musicales una gran parte fueron aprovechados para su Tercer Concierto para Piano y el resto desechados (en algunas publicaciones se han presentado como Séptima Sinfonía).

Después de esta primera aproximación compositiva, Tchaikovsky remodela su obra y aprovecha nuevas ideas que le van llenando el alma. En la etapa de su viaje a Odessa reelabora la obra asignando un programa, programa que debe ser una incógnita incluso para los futuros oyentes de la misma. El propio Tchaikovsky indica que la obra estará llena de ideas y sentimientos íntimos y personales y que durante su composición mental no son pocas las ocasiones en que las lágrimas asoman por sus mejillas. Su final no será un final alegre y vivo sino un adagio lento, muy lento, un apagar progresivo de los sentimiento y de la música. La composición progresó de forma muy rápida y sin grandes problemas para Tchaikovsky y pudo finalizar su orquestación en el verano de 1893.

El estreno tuvo lugar en San Petersburgo, el 28 de octubre de 1893, de la mano del propio compositor y no tuvo un éxito remarcable, más bien incluso tuvo indiferencia por premio. Poco después, enfermo de cólera, fallecía. Muchos proyectos quedaron en su corazón y en su mente, proyectos que lamentablemente no pudieron verse materializados. La Sexta Sinfonía fue el testamento del maestro, su despedida. Un adiós sin la alegría y la energía vital, sin los platillos y bombos que fueron los finales alegres, festivos y dorados en sus otras sinfonías. Su ausencia, desconcertó al público, lo dejó desorientado. No era lo que se esperaba. Su mensaje era más profundo de lo que se podía imaginar al atónito espectador del estreno. En la obra estaba encerrada toda el alma y todo el sentimiento de un ser humano profundamente sensible, quizá demasiado sensible para lo que tuvo que experimentar en su vida. Una obra llena de sentimiento profundamente trágico y conmovedor, llena de tristeza y rebeldía, de emoción profunda y melancolía sin par. Una segunda interpretación, bajo la dirección de Eduard Nápravník, tuvo lugar veinte días después en un concierto en memoria del maestro. En esta segunda interpretación la admiración por la composición fue mucho mayor y cierto es que en la primera interpretación los propios músicos mostraron poco interés por la obra.

Su título Patética es una referencia directa a Emoción, a Pasión, a Expresión de Sentimiento y es el habitualmente usado en lugar del inicialmente previsto por el compositor de Sinfonía con Programa. Programa oculto y no desvelado que en cualquier caso deja traslucir mucho de los sentimiento previamente expuestos en sus dos sinfonías anteriores; el destino, la vida y la muerte. Los últimos años de la vida de Tchaikovsky estuvieron marcados por la neurosis, dueña de la mente del compositor, ansioso por escapar de una realidad que le atenazaba para evadirse en un mundo de belleza inalcanzable, de imágenes nostálgicas y de retornos a un pasado glorioso. Los lazos entre la obra, llena de desesperación y tristeza, y la fragilidad del personaje, marcado por la infelicidad producto de su condición homosexual e hipocondriaca, son fáciles de establecer. Y la obra expresa de manera sencillamente inigualable esa condición y ese deseo del compositor.

En el desarrollo de la obra podemos deleitarnos desde su primer movimiento con esa maravillosa introducción lenta y parca en instrumentación pasando por la hermosísima citación del Requiem ortodoxo y siguiendo con su final de cuerdas tocadas con pizzicato y por encima los vientos, primero metales y luego maderas, que acaban en un "muriendo" espectacularmente profundo; un segundo movimiento de falso vals absolutamente impresionante y bellísimamente elaborado; un tercer movimiento que debería ser la culminación de cualquier obra sinfónica del momento, con un oboe precioso y unos diálogos de cuerdas y vientos sencillamente soberbios, se nos presenta como una marcha alegre, un scherzo melódico que culmina con el motivo principal en su final y nos conduce a un cuarto movimiento, una sorpresa compositiva extraordinaria, una sencilla muestra del arte melódico del compositor que nos hace recrear en nuestra mente y en nuestro corazón una de las músicas más bellas jamás escritas con esos violines encantadores y ese fagot descendiendo notas de forma maravillosa y sorprendentemente bella, un movimiento cargado de expresividad, de belleza, de profundidad de energía sabiamente manejada, una energía que quizá sólo Tchaikovsky ha sabido manejar de forma tan sublime como para tocar la fibra emocional de las personas de una manera tan delicada como directa. Un movimiento que en su devenir nos lleva a lo más profundo del sentimiento humano, un movimiento por el que vamos transitando de la serenidad a la desesperación y a la rendición, una rendición tan sencillamente humana como insondable y profunda, una rendición pausada y tan profundamente expresiva como la que todos desearíamos tener en nuestro final. Una obra de arte de la expresividad emocional.

Temirkanov y sus músicos logran una traducción hermosísima de la música de Tchaikovsky, desde mi punto de vista una de las más bellas que haya escuchado junto a la bellísima y completamente diferente traducción de Bernstein con DG y la Filarmónica de New York. Y lo es no sólo ya por la belleza y claridad de los instrumentistas y de la orquesta, sino fundamentalmente por el carácter que se imprime a la música. Un música tocada con alma humana, con enorme profundidad y comprensión de su sentido más íntimo. La belleza de la interpretación es fantástica, quizá de estas tres últimas interpretaciones de Temirkanov, la más conseguida, la que más íntimamente se relaciona con el alma de la obra. Sus tempos no son lentos ni solemnemente retardados, creo que tienen la vivacidad justa y necesaria así como la intensidad emocional adecuada a cada uno de ellos y a su significado emocional particular. La calidad de la orquesta rusa es digna de mención, tiene una precisión técnica soberbia y una belleza sonora maravillosa, una sonoridad que en algunos momentos llega a ser verdaderamente impactante (un tercer movimiento, por ejemplo, bello y absolutamente maravilloso, increíble) y de una fuerza arrolladora.

Espero que disfruten de esta obra y de esta presiosa y conmovedora interpretación de Temirkanov y sus músicos de San Petersburgo. Merece la pena dejarse llevar por la pasión de los sentimientos humanos, darnos un baño de sensibilidad y de emociones que pocas veces podemos disfrutar como se hace con esta hermosísima obra. Vamos a deleitarnos el oído, el corazón y el alma con una de las música más bellas jamás compuestas. Que los disfruten queridos amigos.

Tchaikovsky

Temirkanov

Orquesta Filarmónica de San Petersburgo

Grabaciones: 8, 9 y 11 de abril de 1992 (junto a las Sinfonías nº 4 y nº 5)

Gran Sala de la Filarmónica, San Petersburgo

Mp3

FLAC

Shostakovich. Sinfonía nº 13 "Babi-Yar". Shchedrin. Concierto nº 2 para Orquesta. Temirkanov. State Academy Symphony Orchestra of USSR. USSR State Symphony Orchestra. 1983. 1976.

2011-11-11T13:40:00.002+01:00

Queridos amigos, en atención a la petición de nuestro compañero Appassionato dejamos hoy esta hermosísima grabación de la Sinfonía nº 13 de Shostakovich dirigida por el maestro Temirkanov al frente de la State Academy Symphony Orchestra of USSR.

La preciosa, aunque de difícil audición, Sinfonía nº 13 de Shostakovich es un monumento musical que inicia una etapa compositiva del autor más centrada en los aspectos profundos de los sentimientos y de los conflictos humanos. Debe su nombre a un tétrico lugar a las afueras de Kiev en el que fueron asesinado miles de judíos a manos de los nazis, fundamentalmente en los días 29 y 30 de septiembre de 1941. En el mismo lugar acontecieron también diversas masacres de poblaciones rusas, rumanos, ucranianos, gitanos de diversas nacionalidades, etc. En total se estima que el número de víctimas oscila entre 100000 a 150000 personas. Una verdadera atrocidad.

Monumento sinfónico contra el antisemitismo, no sólo de ideología nazi sino también estalinista, la obra fue compuesta en 1962 y orquestada para bajo solista, coro masculino y gran orquesta, usando poemas de Yevgeny Yevtushenko, poeta socialmente comprometido y hasta entonces sin demasiados problemas (con el estreno de la sinfonía los dirigentes comunistas obligaron a Yevgeny Yevtushenko a cambiar detalles del texto de su poema como por ejemplo las referencias a la política antisemita del gobierno). Está dividida en cinco movimientos a lo largo de los que se exponen y a la par se denuncian diferentes aspectos del estilo de vida soviético. Fue estrenada el 18 de diciembre de 1962 de la mano de Kirill Kondrashin (después de que Mravinsky se negara a ser el director del estreno lo que originó un alejamiento del compositor) al frente de la Orquesta Filarmónica de Moscú y con los miembros del Coro del Estado Republicano y del Gnessin Institute siendo el solista Vitali Gromadsky.

La obra amén de sus vinculaciones y avatares políticos es bellísima. Dura, musicalmente digamos que "poco agradable" pero de una enorme intensidad de espíritu y cargada de matices emotivos. Con referencias musicales propias y de Bartok o Mahler, en su devenir se puede admirar la excepcional composición instrumental de Shostakovich con unos pasajes de tuba, de flauta, de fagot, o de metales excepcionalmente bellos sin dejar de citar la preciosa partitura vocal y coral. Toda la obra está marcada por el tono satírico y burlesco pero sin abandonar su sentimiento profundo de tristeza y de acritud.

Temirkanov realiza una aproximación excelsa. Llena de matices y técnicamente sensacional, se ve arropado por la magnífica voz del bajo Georgy Seleznev con una dicción perfecta y una modulación de gestos y de matices sensacionales. La Orquesta resulta aplastantemente bella, increíble en sus prestaciones técnicas, no deja de sorprender con la calidad individual de sus solistas y por la sensacional y bellísima sensación sonora y emotiva que deja tras la escucha de la obra.

El disco se complementa con una preciosa obra de Shchedrin, un precioso Concierto para Orquesta nº 2, obra encargada por Leonard Bernstein para la celebración del 125 aniversario de la Orquesta Filarmónica de New York. Una obra inquietante y profunda, con enorme color instrumental, con fuerza, garra e impulsividad, de gran lucimiento orquestal y de una belleza sonora espectacular.

Que disfruten del disco.

Estimado Appassionato, espero que te guste.

Shostakovich*

Sinfonía nº 13, Babi-Yar

State Academy Symphony Orchestra of USSR

Shchedrin**

Concierto para Orquesta nº 2

USSR State Symphony Orchestra

Temirkanov

Georgy Seleznev, bajo

16 de junio de 1983*

25 de febrero de 1976**

Mp3

FLAC

Shostakovich. Sinfonía nº 10. Tchaikovsky. Melodrama de la Suite La Doncella de Nieve. Rimsky-Korsakov. La Legenda de la Invisible Ciudad de Kitezh. Evgeny Svetlanov. USSR State Symphony Orchestra. 1968.

2011-11-07T21:30:00.000+01:00

Queridos amigos. Tras una pequeña avería informática del equipo con la consiguiente reinstalación (como decía en un comentario al amigo Jose, las cosas de Windows) volvemos a retomar la actividad. Y no he podido resistir la tentación de saltarme un poquito el orden que tenía pensado, continuar con la Sexta de Tchaikovsky y Temirkanov, ante el encuentro maravilloso que he tenido el placer de disfrutar en este maravilloso testimonio discográfico que dejamos hoy.

Es una de esas ocasiones en las que un disco te cautiva desde su primer minuto (y en esta ocasión con más intensidad aún por detalles extramusicales que a continuación comentaremos). Un disco excepcional, soberbio, creo que irrepetible, una verdadera joya musical e histórica. Pocas veces una primera audición de un disco me ha impactado tanto como la de este registro.

Estamos en Londres, en los PROMS del año 1968. Lugar, el Royal Albert Hall; fecha el 21 de agosto de 1968, el día posterior a la invasión de Checoslovaquia, en la noche del 20 al 21 del citado mes, por el ejército soviético y algunos de sus aliados del Pacto de Varsovia. La orquesta, la excecpcional USSR State Symphony Orchestra, fundada en su día por el maestro Gauk, y embajadora de la Unión Soviética por aquellos años. Las obras programadas, ironías del destino, de los compositores Dvorak y Shostakovich. Su director el excepcional maestro Svetlanov y Rostropovich al chelo.

La situación es de una tensión enorme, se palpa a flor de piel. Dos culturas completamente diferentes, dos músicos de países, que no ideas, enfrentados. Los comisarios políticos en el escenario, tras la orquesta, atentos a "lo que pueda pasar" en una además actuación que se retransmitía en directo. Los miembros de la orquesta desconcertados y atónitos ante lo que ha sucedido el día anterior y ante la reacción del público al que se muestran, sencillamente como músicos. El concierto tiene tintes dramáticos, la reacción inicial de cierta parte del público es airada frente a la orquesta con gritos de "volved a casa" que se contraponen a aquellos otros que les indican silencio e intentan hacerlos callar. Se inician intentos de sabotear la representación, con conatos de protestas airadas. La primera parte del concierto que incluye también la Obertura de Russian y Ludmilla junto a la obra de Dvorak, se desarrolla en este ambiente agrio y tenso.

Tras el descanso, comienza la segunda parte del concierto con la misma tensión que en la primera. Y esa tensión queda reflejada en esta grabación, en ese minuto inicial de la obra de Shostakovich, minuto absolutamente conmovedor y estremecedor, impactante, donde se escuchan los gritos enfrentados del público y se inicia, sin atender a los mismos, la ejecución de la obra por un Svetlanov que a lo largo del desarrollo de la misma se va "inflamando" y llenando de una energía vitalista enorme. Un Svetlanov que se deja llevar por las circunstancias emocionales del momento por la magia del directo y en este caso de un directo cargado con una emoción y un sentimiento que tuvieron que ser demoledores.

Y quizá por todas estas circunstancias, surge una magia especial en la interpretación. Magia que emana en primer lugar de un director excepcional, que expresa todos los matices de la excepcional obra de Shostakovich con una energía y una pasión desbordada. Un Svetlanov que está magistral, con una dirección fina, matizada, atenta a los detalles emotivos de la obra, electrizante en muchos de sus pasajes (¡qué maravilloso segundo movimiento!), con una intensidad y una pujanza pocas veces vista.

Y los músicos de esa excepcional agrupación que es la USSR State Symphony Orchestra no dejan atrás a su director. Están soberbios, maravillosos. Unas maderas sencillamente espectaculares y bellísimas; unos metales que dan un punto de intensidad único; unas cuerdas que parecen estar movidas por una energía superior por un impulso fuera de lo común.

En su movimiento final, sencillamente se desborda toda la energía acumulada. El movimiento se desarrolla con una dinámica única, creciente, maravillosa. Es la explosión final del público la que da aún más valor a una interpretación irrepetible y la que hace ver el valor de la música. Lo que se inicia con una tensión que corta el ambiente termina con una demostración de fervor y de alegría emocional que no puede más que explotar. La música por encima de cualquier otro condicionante o de cualquiera otra circunstancia ajena a la misma. La música como belleza, sentimiento y emoción.

El disco se completa con tres piezas adicionales que fueron interpretadas en los días sucesivos, 22 y 23 de agosto, en otros conciertos ofrecidos en el mismo escenario. Un Tchaikovsky conmovedor y bellísimo y un Rimsky pleno de fervor, de pasión y de vitalidad.

Sencillamente un disco excepcional, una joya discográfica, una maravilla emocional que creo hay que escuchar. Un tributo al arte, al arte por el arte, un homenaje a la pasión y a la entrega, por encima de cualquier cosa, de unos profesionales que están más allá de cualquier condicionante exterior. Una muestra de un Svetlanov (uno de los más grandes e impulsivos de los directores de su país y de su generación) y de una USSR Symphony Orchestra en un momento de gracia suprema.

Que lo disfruten. Verdaderamente estoy convencido que será un disco que les va a gustar y que van a sentir la misma emoción que yo he tenido el placer de experimentar con su audición.

Shostakovich

Sinfonía nº 10

Tchaikovsky*

Melodrama de la Suite La Doncella de Nieve

Rimsky-Korsakov**

The Legend of the Invisible City of Kitezh

Svetlanov

USSR State Symphony Orchestra

Conciertos BBC PROMS de 1968

Royal Albert Hall, 21, 22* y 30 de agosto de 1968**

Mp3

FLAC

Tchaikovsky. Sinfonía nº 5. Temirkanov. Orquesta Filarmónica de San Petersburgo. 1992.

2011-11-01T17:01:00.000+01:00

Queridos amigos, continuamos en el día de hoy con la entrega de una maravillosa, pausada e intensa entrega de la Quinta Sinfonía de Tchaikovsky, de nuevo de la mano de Temirkanov y la fantástica Orquesta Filarmónica de San Petersburgo.

En la entrega anterior correspondiente a la cuarta Sinfonía, dejaba entrever mi pasión por el maestro ruso. En esta ocasión y en la siguiente (la Sexta) no puedo más que aseverar la afirmación realizada. Me parece un músico excepcional, increíble, apasionante.

La Quinta Sinfonía de Tchaikovsky, creo no caer en desatino alguno si lo comento, es una de las obras sinfónicas más bellas, apasionantes, emotivas y directas al corazón que jamás se hayan escrito. Un conjunto impresionantemente bello de armonías y temas melódicos genialmente estructurados por el maestro ruso e integrados en un marco global soberbio de belleza y de formas compositivas únicas; independientemente de las posibles críticas de los más técnicos y entendidos, una obra de arte.

Compuesta por Tchaikovsky tras el periodo dramático de su existencia en el que tuvo lugar su fracasado matrimonio de conveniencia con su alumna Antonia Milioukova, es la segunda de sus tres grandes sinfonías finales, esa trilogía sinfónica maravillosa que muestra a un ser humano de poderosos sentimientos sentimentales y sexuales permanentemente contrariados, a un hombre extremadamente delicado e hipersensible, fácilmente vulnerable a los ataques de un destino insospechado que se ceba en su ser, pero a la par un hombre de gran coraje y persistencia, un gran luchador.

Al igual que en la Sinfonía nº 4 del maestro, el tema de la fatalidad del destino es representado en su Quinta Sinfonía. Si bien es algo menos aparente, mejor dicho, algo menos dramático y quizá más dulcificado, el tema persigue el devenir de la obra musical, permanente, persistente y siniestro.

Que su primer movimiento, algo que calificaría como descomunalmente bello en la historia de la música, manifieste cierta reasignación del maestro ante ese Destino insondable, no quita valor emocional al mismo, es más, es una forma de superación humana y sentimental del hecho problemático traducida en una música intensísima, plácidamente emotiva, como un mar embravecido con olas de un ritmo machaconamente continuado, un ir y venir de sentimientos permanente. Aceptación, resignación, espiritualidad. Sus maravillosas maderas iniciales, esos clarinetes soberbios, sus fagotes acompañándolos posteriormente y sus cuerdas sedosas y briosas son ejemplos únicos de expresión de lucha, serenidad y ansia de paz.

Todo este juego de sentimientos enfrentados, tiene su continuidad en un segundo movimiento excepcional. Un movimiento lleno de contrastes, mucho más intenso y vivo que el primer movimiento, está repleto de tensión emocional creciente, una tensión maravillosa, bellísima, dolorosamente percibida y sentida. Una tensión que rompe finalmente esa Providencia que se presentaba en el primer movimiento, finalizando en un sutil y bellísimo cara a cara entre Destino y Amor, entre Resignación y Destino. Es un movimiento repleto de matices sentimentales encontrados, de una tensión adorablemente mantenida por el maestro. Una pequeña joya musical.

El tercer movimiento está inspirado en el ballet, en su dulzura y danzabilidad, en su elegancia y belleza. Quizá como forma de escape de sus tensiones acumuladas, Tchaikovsky puede expresar a través de los gestos y guiños musicales del ballet todos sus sentimientos encontrados y plasmar de forma franca su sensualidad, su dulzura, su nostalgia, su amor. Pero todo ello finalmente es roto de nuevo por la Providencia, esa fatalidad que corta toda posible huida y todo escape. ¡Ilusión finalmente, sólo ilusión!

La obra finaliza en uno de los movimientos más intensos y bellos jamás escritos para una sinfonía. Este cuarto movimiento con sus temas principales desarrollados soberbiamente y principalmente por ese fantástico tema de la Providencia absorbiendo toda la energía vital del mismo, desde su inicio explosivo pasando por su desarrollo hasta su final creciente y triunfal. Ese tema es tan genial y bello que es imposible resistirse a su poder, a su fuerza a su valor emocional. Y el colorido, algo exagerado según muchos, los timbres orquestales, los detalles finísimos en los instrumentos y el genial acompañamiento instrumental de los metales hacen de este final un todo pleno de energía vital, energía que te llena, energía que no quieres dejar escapar, que deseas no acabe. Es la más pura expresión de la emoción contenida en toda la obra. Un momento irrepetible, intensísimo y bellísimo.

Temirkanov y sus músicos de San Petersburgo realizan una de las más bellas interpretaciones que haya escuchado. Su técnica y la de la orquesta es excelsa. Los músicos logran unas cotas de belleza y de calidad realmente altas, sus cuerdas son manejadas a la necesidad expresiva del momento; sus metales resultan el punto justo de intensos para no sobrepasar el límite de lo excesivo; sus maderas dan unos puntos de belleza sensacionales.

Temirkanov transita a los largo de la obra por su esencia emocional, se empapa de sentimiento, de sensibilidad, de sensualidad y de lucha, rabia y determinación. Exprime los tiempos de cada movimiento para poder extraer todo el jugo posible de la partitura y de las calidades de su orquesta. Sencillamente pienso que ambos están geniales, persuasivos, conmovedores y plenamente inmersos en la lucha de Tchaikovsky.

Un monumento de interpretación que merece la pena conocer y paladear.

Tchaikovsky

Temirkanov

Orquesta Filarmónica de San Petersburgo

Grabaciones: 8, 9 y 11 de abril de 1992 (junto a las Sinfonías nº 4 y nº 6)

Gran Sala de la Filarmónica, San Petersburgo

Mp3

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Tchaikovsky. Sinfonía nº 4. Temirkanov. Orquesta Filarmónica de San Petersburgo. 1992.

2011-10-30T14:15:00.001+01:00

Queridos amigos, dejamos esta noche un bellísimo disco. La Cuarta Sinfonía del genio Tchaikovsky en las portentosas manos del maestro Temirkanov dirigiendo a una orquesta sensacional.

Reconozco mi admiración, digamos incluso veneración, por el director caucásico. Desde que lo escuché al frente de la Sinfónica de Sevilla he procurado escuchar el máximo número posible de discos del mismo. En concreto sus aproximaciones al maestro Tchaikovsky me parecen formidables.

La hermosísima Sinfonía nº 4, inicio de su trilogía final sinfónica con ese nexo común de unión en el destino, fue iniciada por Tchaikovsky en 1877 en una época de fuerte lucha interna del compositor entre lo externo y aparente y su interior y sus deseos. El matrimonio de "conveniencia" con una de sus estudiantes, Antonia Milioukova, fue un verdadero desastre. No sirvió como elemento apaciguador de los rumores que tanto le atormentaban, a él y a su familia. Su interior superaba a la necesidad de aparentar. El daño en los sentimientos y en el alma de Tchaikovsky fue profundo y de larga duración, muy larga.

En estas circunstancias nuestro querido Tchaikovsky abre su corazón de forma completa a su protectora, Nadejda von Meck. En la correspondencia entre ambos se detallan los matices y las formas generales de la obra que compone, sus sentimientos y su significado. Es el germen del tema del destino usado posteriormente en sus siguientes sinfonías el que marca la obra: el destino, la lucha interna, el deseo, la fatalidad. Todo un mundo de intensas sensaciones se plasma en el desarrollo de la obra. Y lo hace de forma soberbia en un inmenso cuadro melódico de largos temas maravillosamente trazados y genialmente contrastados en todo su devenir. La obra se impregna además de un alma con matices rusos, fundamentalmente en ese soberbio movimiento final. Su forma de estructurar y matizar los temas es sensacional y quizá sólo posible para un músico con el carácter y el corazón de Tchaikovsky, un músico, como al principio indicaba, dotado de un talento melódico único y una capacidad de acompañar esos temas con unos detalles en permanente modificación y evolución (sensacionales los dos movimientos centrales y único el final).

En el disco que dejamos hoy, todos estos detalles se pueden paladear y sentir de una forma especial. Temirkanov usa unos tempos amplios, completamente diferentes, por ejemplo, a su predecesor Mravinsky, y los emplea en matizar soberbiamente los detalles melódicos, los temas y su desarrollo, los timbres de la orquesta, los colores. Quizá pueda sonar en ocasiones "lento" pero es tanta la belleza que extrae de la Filarmónica de San Petersburgo que sencillamente la saboreas y te recreas en su belleza. No hay exceso de dulzura en la interpretación, digamos que no empalaga, simplemente impresiona por su perfección sonora, su capacidad de mantener la vida intensísima que encierra la obra, su pasión y su dureza. Su sonoridad sigue siendo muy semejante a la que obtenía Mravinsky, muy dura y a veces seca y cortante, pero es una delicia escuchar esas maravillosas cuerdas y esos metales de la renombrada filarmónica. Sencillamente magistral.

Espero que disfruten de esta preciosa obra, fruto del genio de Tchaikovsky, de su corazón y de sus pensamientos; de su sensibilidad exquisita y de su sufrimiento. Desde mi punto de vista, una de las más bonitas interpretaciones y recreaciones de esta preciosa sinfonía.

Tchaikovsky

Temirkanov

Orquesta Filarmónica de San Petersburgo

Grabaciones: 8, 9 y 11 de abril de 1992 (junto a las Sinfonías nº 5 y nº 6)

Gran Sala de la Filarmónica, San Petersburgo

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Bicentenario del Nacimiento de Liszt. Un pequeño Homenaje. Sinfonía Fausto. Leonard Bernstein. Orquesta Sinfónica de Boston. 1976.

2011-10-23T22:21:00.003+02:00

Queridos amigos, sirva esta entrada para rendir un humilde homenajes a uno de los más grandes músicos de la historia, el maestro húngaro Franz Liszt, del que ayer se celebraba el bicentenario de su nacimiento.

Húngaro de nacimiento pero de formación básicamente austriaca en inicio y luego cosmopolita, Liszt puede ser tenido por uno de los más grandes pianistas de la historia, un renovador crucial de la música y un ejemplo para muchísimos otros compositores a los que allanó el camino y en los que sembró un germen musical nuevo.

De vida francamente "movida" tanto en lo musical como en lo personal fue un ejemplo de estrella musical de su época. Sobre los años 1857 a 1862 un conjunto de circunstancias y acontecimientos le hicieron dar un giro a su vida y buscar el recogimiento de la Iglesia. Si bien nunca fue sacerdote ordenado sí que ingresó en la Orden Franciscana siendo denominado con humor y respeto como Abbé Liszt.

Su contribución a la música, con sus poemas sinfónicos, sus modificaciones a las armonías, los brillantísimos desarrollos temáticos y sus experimentos sobre la forma musical, es de un valor incalculable y muchos como Wagner, Grieg, Berlioz, Saint-Säens, Borodin o Hans von Bulow deben muchísimo al maestro Liszt.

La obra que dejamos hoy es la preciosa Sinfonía Fausto. Es una de las obras de Liszt que más me llenan y me impactan. La Sinfonía Fausto es una sinfonía coral inspirada en la obra de Johann Wolfgang von Goethe, Fausto. La obra fue estrenada el 5 de septiembre de 1857 con motivo de la inauguración del monumento a Goethe y Schiller.

De su elaboración se identifican algunos fragmentos que datan de 1840 aunque su escritura principal es del verano de 1854 en Weimar. Fue revisada en los siguientes años, con el añadido de unos compases para metal y un Chorus Mysticus añadido al final, en las que las palabras de Fausto (Parte II) son cantadas por un coro masculino y un solista tenor en la mitad del movimiento. También se hicieron otros cambios menores y mayores. En 1880, Liszt añadió diez compases más al segundo movimiento. La composición de la plantilla orquestal es muy amplia con apoyo del coro y del tenor solista.

El primer movimiento, grandioso y monumental, resume y presenta toda la base de la obra, es una síntesis de la misma. Con un juego genial de transformaciones y modificaciones se estructura un monumento musical grandioso, pujante y poderoso. En él vemos al Fausto soñador y buscador de la verdad, al Fausto insaciable en su búsqueda de los apetitos terrenales y al mismo Fausto gozando de los deleites dolorosos del héroe. Un movimiento impactante e impresionante de belleza musical.

El segundo movimiento de la obra presenta un maravilloso dibujo a través de preciosas flautas y clarinetes, oboes místicos, violas virginales y dulcísimas y diálogos bellísimos entre violines y clarinetes como muestra del juego de amor entre Gretchen y Fausto. Los temas del primer movimiento se reintroducen progresivamente hasta que se funden en un amor y una paz serena con el amor de Gretchen.

El tercer movimiento es realmente impactante. Mefistófeles es distorsionado, es como una nueva metamorfosis de los temas del primer movimiento, como su recapitulación pero francamente modificada y vuelta del revés. Su cromatismo y su rítmica son muy notables, francamente notables. El Chorus Mysticus, tranquilo y positivo, canta el pasaje del Fausto de Goethe:

Alemán	Castellano
Alles Vergänglicheist nur ein Gleichnis; das Unzulängliche, hier wird's Ereignis; das Unbeschreibliche, hier ist es getan; das Ewigweibliche zieht uns hinan.	Todo lo transitorio es sólo un símil; lo inalcanzable devendrá suceso; lo indescriptible, esta aquí consumado; el Eterno Femenino llevándonos arriba.

El tenor solista inicia entonces un crescendo del murmullo del coro y cantando las dos últimas líneas del texto, impulsando el poder de la salvación a través de la Femineidad Eterna. La obra finaliza con un soberbio e impresionante clímax del coro y la orquesta, respaldados por unos acordes geniales y mantenidos por el órgano.

La aproximación que hoy dejamos corresponde a una interpretación realmente fabulosa, impulsiva, teatral, emotiva y sentida realizada en el verano de 1976 por el maestro Bernstein que sentía una admiración enorme por esta obra de Liszt. y que contó con la soberbia Sinfónica de Boston para su trabajo.

Las grabaciones se realizaron en la excepcional sala Symphony Hall de Boston y en paralelo con algunas representaciones en vivo que se estaban realizando de la misma obra (los técnicos participantes en las sesiones piensan incluso que algunas tomas de esas representaciones fueron incluidas en las matrices definitivas del dico comercial). Corresponde este disco a la segunda colaboración de Bernstein con la casa alemana DG tras la grabación de Carmen. Y a decir de los propios técnicos y productores de la casa alemana fue la grabación que acabó de estrechar definitivamente los lazos entre ambas partes, lazos que por otra arte Lenny estaba deseoso de que se unieran de forma definitiva.

La grabación presentó algunas dificultades técnicas fundamentalmente en el balance sonoro. La Symphony Hall de Boston, como la Musikverein de Viena, tiene una alta reverberación cuando está vacía y se tuvieron que compensar muy bien los diferentes atriles. Bernstein conserva los compases añadidos al final del segundo movimiento y realiza el corte tradicional en el retorno del lento inicial del primer movimiento. Con todo ello la belleza musical final es extraordinaria.

La pasión y la energía lograda por Bernstein y la Sinfónica de Boston son inconmensurables, de una altura y de una energía dificilísimas de igualar. La pasión, la tragedia, la incertidumbre, la lucha, el esfuerzo y la victoria son reflejadas de manera inigualable a la largo del desarrollo de esta interpretación. Creo que es una de las más grandes interpretaciones del maestro Bernstein, delicado, finísimo en los detalles, muy intenso, con pasión controlada, con entrega profunda al significado humano y sobrehumano de la obra. Un logro excepcional. Logro que se debe en gran parte a la preciosa musicalidad y a la altísima calidad de la centuria de Boston (bellísimas cuerdas y maderas, metales de una sonoridad celestial, sedosidad de terciopelo) para la que la obra de Liszt no es nueva y sobre la que tiene una gran tradición fundada en Koussevitzky y en el propio Lenny.

Esero que disfruten de esta maravillosa sinfonía de Liszt, una gran obra, una obra profunda en lo musical y en el sentimiento humano.

Una obra afrontada con amor y con comprensión profunda por un Bernstein inspirado y una Sinfónica de Boston bellísima y de altísimo nivel, como en sus mejores ocasiones. Una excepcional interpretación, una bellísima obra.

Felicidades maestro Liszt y gracias por toda su labor.

Liszt

Sinfonía Fausto

Bernstein

Orquesta Sinfónica de Boston

Kenneth Riegel, tenor

Tanglewood Festival Chorus

Grabación: Boston Symphony Hall, julio de 1976

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Strauss. Don Juan. Tod und Verklärung. Respighi. Pini di Roma. Celibidache. Orquesta Sinfónica de la SWR Stuttgart. 1976. 1982. 1976.

2011-10-22T21:53:00.000+02:00

Queridos amigos, dejamos hoy un estupendo disco, un disco de la etapa de Celibidache al frente de la Orquesta Sinfónica de la SWR Stuttgart, etapa en que ya parece superado su "destierro a galeras" y comienza a hacer magia con orquestas de más nivel.

El disco nos presenta dos de los más conocidos y maravillosos poemas sinfónicos del gran Strauss: Don Juan y Muerte y Transfiguración. Dos obras de excepcional orquestación, de maravilloso planteamiento y desarrollo, de instrumentación finísima, de colorido orquestal insuperable y de profundidad emotiva extraordinaria.

Don Juan es un poema sinfónico para gran orquesta escrito por Strauss en 1888 y que fue estrenado el 11 de noviembre de 1889 en Weimar con la orquesta de la ópera de esa ciudad dirigida por Strauss, quien entonces era Kapellmeister de la corte. La obra está basada en el poema Don Juan de Nikolaus Lenau. La obra es fruto del talento de un joven de 24 años que maneja de forma extraordinaria la masa orquestal, la paleta tímbrica, el colorido, la gradación sonora. Fue un éxito inmediato y un gran empuje para el compositor.

Muerte y Transfiguración (Tod und Verklärung, Op. 24) es uno de los más geniales poemas sinfónicos que compuso Richard Strauss y uno de los más conocidos y apreciados por el público. Obra también de juventud, entre 1888 y 1889, el estreno de Muerte y Transfiguración tuvo lugar en Eisenach en 1890. Strauss pidió a su amigo, el poeta Alexander von Ritter, que escribiese un breve poema basado en la siguiente temática: del padecimiento terrenal hacia la bienaventuranza. El programa se dividió en cuatro partes cada una de las cuales se corresponde con las cuatro secciones en las que se divide la composición musical que es interpretada de manera continua, sin intercalar pausas.

Muerte y Transfiguración es un fascinante devenir musical sobre la vida y la muerte, un paseo por los sentimientos humanos, por el recuerdo de una vida. Una pintura maravillosa del fin del hombre tras su recorrido vital donde alcanza la magia y la paz del descanso y del lugar de los ideales que se cumplen. Es fascinante por su enorme musicalidad, por su maravillosa forma de traducir las pasiones y los sentimientos. Sus temas de referencia son sencillamente soberbios, su colorido, su tímbrica, su sonoridad y su opulencia no son sino maravillosas herramientas al servicio del sentimiento. Particularmente es mi preferido.

Celibidache se muestra como un encantador mago de la batuta. Con las dos obras de Strauss es capaz de desarrollar un universo sonoro único, impresionantemente bello. Mantiene un discurso perfectamente estudiado para su perfecto desarrollo, logra una ejecución brillantísima y cargada de matices. En Muerte y Transfiguración, pocas veces he escuchado una música tan descriptiva y tan humanamente bella. Un verdadero prodigio de interpretación.

La maravillosa obra de Respighi, Pinos de Roma, se interpretó por vez primera el 14 de diciembre de 1924 y poco después Toscanini aseguró su estreno norteamericano. Es una maravillosa obra musical, ejemplo perfecto de modulación tímbrica y sonora, de orquestación suntuosa y a la par delicada.

En ella Celibidache se luce. Es capaz de lograr una conjunción con la orquesta increíble. Extrae de los músicos un sonido bellísimo y unos matices instrumentales y orquestales increíblemente bonitos. Las diversas transiciones musicales están hilvanadas por Celibidache de manera perfecta y en el juego, dificilísimo, de las intensidades crecientes y acumulativas está genial, intenso, vivo, poderoso, extraordinariamente poderoso. La riqueza instrumental de la partitura, su color, su timbre, su cromatismo, su sonoridad exquisita y delicada, su impulsividad y su energía son puestas de manifiesto por Celibidache mediante un juego perfecto de dirección, maestría y dominio de la orquesta. Sólo nos falta imaginar a la centuria musical y a su director vestidos con las ropas de las legiones romanas para tener una imagen real del sentimiento que logran.

Espero que disfruten de este bellísimo disco, un disco con muchísima calidad.

Un celibidache maestro de maestros, verdaderamente genial y expresivo que acompaña a la Orquesta Sinfónica de la SWR Stuttgart que, sin llegar a ser una de las más grandes, da un verdadero ejemplo de virtuosismo, de entrega, de ejecución vivida con intensidad y emoción. No tiene desperdicio.

Strauss

Don Juan*

Tod und Verklärung**

Respighi

Pini di Roma

Celibidache

Orquesta Sinfónica de la SWR Stuttgart

Grabaciones: Stuttgart, Liederhalle

Strauss: 22 de junio de 1976* y 11 de noviembre de 1982**

Respighi: 20 de junio de 1976

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Bruckner. Sinfonía nº 8. Rafael Kubelik. Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera. 1977.

2011-10-18T22:14:00.001+02:00

Queridos amigos, volvemos a la actividad.

Quiero dejarles hoy un precioso disco con origen en la preciosa Edición 60 Jahre de la Symphonierochester des Bayerischen Rundfunks. Concretamente el CD dedicado a Kubelik con una maravillosa aproximación a la soberbia y monumental Octava Sinfonía. Dentro de los CD de la citada Edición, es uno de los más bellos (impresionante también el disco de Jochum dedicado al maestro Furtwängler) y quizá representativo de una de sus etapas doradas.

Desde la creación de la orquesta por el maestro Jochum en 1949, la fama que ha ido adquiriendo con los años está más que justificada. Giras internacionales, conciertos nacionales, conciertos de abono, han sido testigos de la plasticidad dinámica y la versatillidad de la agrupación. Su repertorio es amplísimo y su gusto por la música moderna, legendario. La lista de sus directores titulares tiene en los nombres de Jochum, Kubelik, Davis, Maazel y actualmente Jansons a unos excepcionales maestros que han conformado su estilo, matizado sus detalles y su técnica, variado y ampliado su repertorio y en suma estructurado el alma de esta grandísima formación musical (sin olvidar, desde luego, a los numerosos y geniales maestros invitados que también han tenido un papel básico en su configuración musical).

Kubelik, maestro único y muy particular, contribuyó de manera notabilísima a la impronta de esta formación. Mantuvo la tradición bruckneriana de la misma iniciada por Jochum y sin dejarla de lado inició una fecunda labor de "implantación" de una tradición mahleriana y un gusto particular por la música nueva. Desde luego no olvidó con la orquesta a sus autores predilectos, Dvorak, Smetana, Janacek o Martinu.

En cuanto a la música bruckneriana siempre mantuvo programas de sus obras, bien de carácter espiritual o sacro o bien de sus excepcionales sinfonías, en particular de las nº 3, nº 4, nº 8 y nº 9. Todas ellas tratadas con admiración y gusto, un gusto exquisito por la sonoridad bruckneriana como un todo musical, con excepcional unidad estilística y de forma de todas ellas.

Compositor, director y sencillamente músico, su vida jalonada de profundas decepciones polítcas y humanas marcaron en gran parte su carácter y su forma muy especial de abordar a las formaciones orquestales. La relación con ellas solía ser fácil, directa y fecunda. Fue uno de los grandes que fue elevado al espacio de los predilectos de los filarmónicos vieneses, uno de los más queridos por los berlineses y uno de los más amados por los bávaros.

En el disco que hoy dejamos para su escucha, no apreciarán un aire celibidachiano, una construcción al estilo Wand, una sonoridad hercúlea y perfecta a lo Karajan, una rabia intensa y aparentemente sin control al estilo de Furtwängler o los perfectos y maravillosos discursos de Jochum.

Escucharán a Kubelik; Kubelik con su excepcional forma de compactar las cuerdas orquestales; su forma maravillosa de llevar de la mano al grupo, en una genial y maravillosa nube orquestal; su particular y fantástica forma de dar juego a los instrumentistas y en definitiva a un Kubelik que tras dominar toda la puesta en escena de la obra nos conduce en su sucesión a un final maravilloso que culmina una impresionante obra sin dar lugar a un exceso de grandiosidad. Un desarrollo que puede paladearse; una música traducida de manera que te permite deleitarte en la maravillosa forma constructiva de la misma y en su perfecta sucesión de pasajes imbrincados sabiamente por Bruckner.

Me parece una interpretación para paladear con tiempo, sin prisas, para maravillarse con sus distintos pasajes, con sus transiciones, con sus instrumentos y con su evolución. La forma de presentarla y mantenerla se presta a ello y nos hace disfrutar de una música bellísima, sencillamente natural y humana. Una preciosidad de interpretación, repito, para deleitarse con ella.

Espero que disfruten de esta preciosidad.

Bruckner

Sinfonía nº 8

Rafael Kubelik

Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera

Grabación: Herkulessaal der Residenz, 12 de mayo de 1977, Munich

Versión 1887/90. Ed. Robert Haas (1939)

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12 de octubre de 2011. Día del Pilar. ¡Felicidades a todas las Pilares!

2011-10-12T13:25:00.001+02:00

Queridos amigos. Hace tiempo ya que tengo abandonado el espacio por múltiples razones pero de verdad espero en breve retomar la actividad con novedades y discos interesantes.

Hoy sin embargo es un día muy especial. Es el día del Pilar, fiesta en España y festividad de todas las Pilares, un nombre muy español. Es además el santo de mi tita.

En homenaje a todas ellas, y en especial a mi tita Pilar, les dejo este precioso disco de Alfredo Kraus. Estoy seguro les encantará. Es una verdadera delicia.

Que lo disfruten. Va con todo el cariño del mundo.

Kraus

Canciones

Gran Orquesta de Cámara de Madrid

Director: J. Luis Lloret

Supervisión musical del maestro Daniel Montorio

01. Amapola - Jose María Lacalle (3:36)

02. Princesita - José Padilla (3:09)

03. Granada - Agustín Lara (4:32)

04. Júrame - María Grever (4:20)

05. Flor roja como los Labios - Jacinto Guerrero (4:37)

06. Estrellita - Manuel M. Ponce (4:11)

07. Aquellos ojos verdes - Nilo Menéndez - Adolfo Utrera (3:21)

08. Aquí está quien lo tiene tó - Arniches - Quintana - Serrano (2:41)

09. Valencia - José Padilla (2:56)

10. Ay, Ay, Ay - Osmán Pérez Freire (4:08)

11. El Trust de los Tenorios - José Serrano (2:30)

12. Te quiero dijiste - María Grever (2:43)

13. Canta Mendigo Errante - José Serrano (4:12)

14. Ramona - Mabel Wayne (3:26)

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Kurt Sanderling (19 de septiembre de 1912 – 17 de septiembre de 2011). Tchaikovsky. Concierto para Piano nº 1 (Mravinsky). Rachmaninov. Concierto para Piano nº 2. 1959.

2011-09-18T23:58:00.002+02:00

Queridos amigos, sirva esta entrada como homenaje a un gran músico, un gran director de orquesta, Kurt Sanderling, fallecido en el día de ayer, 17 de septiembre de 2011, nos deja una de las grandes batutas del siglo XX.

Formado musicalmente en Alemania y Rusia su arte pudo ser disfrutado por el público y las grandes orquestas del mundo. Su asociación fue particularmente estrecha con la Deutsche Oper Berlin, la Orquesta Sinfónica de la Radio de Moscú, la Orquesta Filarmónica de Leningrado, la Orquesta Sinfónica de Berlín, la Staatskapelle de Dresden, la Philharmonia Orchestra, la Filarmónica de Los Ángeles y la Orquesta Sinfónica de Madrid entre otras muchas.

Descanse en paz uno de los grandes de la dirección musical.

Sirva este disco como pequeño homenaje al arte de un gran maestro. Estoy seguro que disfrutarán de un excepcional Concierto de Rachmaninov, pleno de sensualidad y belleza.

Mravinsky

Sanderling

Richter

Orquesta Filarmónica de Leningrado

Tchaikovsky

Concierto para Piano nº 1

Evgeny Mravinsky

Orquesta Filarmónica de Leningrado

Sviatoslav Richter Piano

Grabación de 24 de julio de 1959

Rachmaninov

Concierto para Piano nº 2

Kurt Sanderling

Orquesta Filarmónica de Leningrado

Sviatoslav Richter Piano

Grabación de 18 de febrero de 1959

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Tchaikovsky. Sinfonía nº 5. Celibidache. Münchner Philharmoniker. 1982.

2011-09-11T22:39:00.008+02:00

Queridos amigos, retomamos esta noche, tras unos días ligeramente apartado del blog propio (he estado ayudando a los nenes a modificar los suyos propios que si no es molestia os recomiendo visitar y que están enlazados en la pestaña Personal), las entregas dedicadas a las aproximaciones particulares de Celibidache a Tchaikovsky. Hoy dejamos una grande, muy grande, aproximación a la fantástica Sinfonía nº 5.

En la entrada anterior ya apuntábamos que el universo musical de Tchaikovsky era particularmente grato al maestro rumano. En sus últimas aproximaciones grabadas por EMI los registros muestran ese amor por la música de Tchaikovsky con una música desgranada con manos de artesano, ofrecida en bandeja de oro para el deleite musical. Son interpretaciones de una profundidad sin par. En la interpretación recogida en este disco dicha pasión no se queda a la zaga aunque mi impresión final es que su sentido es ligeramente diferente.

La sinfonía fue elaborada en pocos meses durante el año 1888 y aunque durante ellos el alma dubitativa de Tchaikovsky no descansó alcanzó un gran éxito después de su estreno en San Petersburgo el 17 de noviembre de 1888 dirigida por el propio Tchaikovsky. La clave, como apuntaba en una antigua entrada, sea quizá su simple belleza y su enorme capacidad de comunicar y transmitir emociones. Su densidad emotiva y dramática es de una intensidad que resulta modulada perfectamente a través de sus cuatro movimientos, excepcionales todos ellos, plenos de musicalidad, de profundidad, de intensa emoción. Un reflejo maravilloso del cosmos humano y sentimental de Tchaikovsky, de su lucha espiritual, de su destino y de su final.

La Sinfonía estructurada en cuatro movimientos durante los cuales en diferentes formas se presenta un motivo, el Destino, el llamado "mal de los tristes".

Un primer movimiento genial que en los bocetos del compositor se describe como “Introducción: sumisión total ante el destino o, lo que es igual, ante la predestinación ineluctable de la providencia” es una maravillosa mezcla de sentimientos de tristeza, de música sombría, salpicada de alegres momentos danzables reminiscencias del ballet y unas preciosas fanfarrias de metales, poderosas, coloridas y maravillosas.

El segundo movimiento de la obra es uno de los más maravillosos ejemplos de música cantabile. En su boceto es referido como "¿No valdría más entregarse por completo a la fe? El programa es excelente si consigo llegar a realizarlo”. Tchaikovsky estructura un maravilloso movimiento sobre el tema del Destino donde las trompas, los clarinetes, los oboes y los chelos resultan abrumadoramente bellos y que finaliza con los metales y los violines de una forma serena y melancólica soberbia y sobrecogedora.

El tercer movimiento expone de nuevo el tema del destino en una pintura de vals delicadísima, dulcemente ornamentada, menos agógica. La tristeza contenida reaparece en su parte final como el tema cíclico de toda la obra.

En el cuarto movimiento, muchas veces reprochado por exceso de metales y opulencia, resurge el tema pero cargado de intensidad, de fuerza de poder. Es un canto de victoria, la victoria del Destino o de la Fe, un final apoteósico y grandioso; un final que siempre resulta conmovedor e impactante; un final que tiene además la virtud de permitir ser escuchado por todos y cada uno de los oyentes de una forma diferente, siempre activa, abierta a la relación sentimental con él y en el que la dirección y el sentido que esta quiera darle influyen sobremanera en la percepción del mismo.

Y Celibidache consigue emocionar y consigue que su orquesta sea un instrumento perfecto, brillante, sedoso, emotivo, empastado, con colorido oscuro o con tonalidad brillante según se precise (maravilloso y excepcional segundo movimiento, impactante). Nada alocado, es un corredor de fondo que prepara de forma minuciosa un final musicalmente bellísimo y humanamente reflejo triunfante de la Fe y del hombre. Un final no marcado por la pura opulencia orquestal sino por el significado arrastrado y desarrollado a lo largo de toda una excepcional exposición de la obra. Un control mágico de los tempos, una claridad asombrosa en los matices, un devenir conducido lujosamente a través de los sonidos y los sentimientos en ellos contenidos. Una verdadera maravilla.

Espero que disfruten de esta excepcional aproximación de Celibidache a una de las más grandes sinfonías jamás escritas. Una verdadera obra de arte musical y un ejemplo excepcional de humanidad.

Tchaikovsky

Celibidache

Münchner Philharmoniker

Sinfonía nº 5

Grabación, Munich, 16 de enero de 1982

Mp3

FLAC

Bruckner. Sinfonía nº 4. Karl Böhm. Orquesta Filarmónica de Viena. 1973. ¡Felicidades Maestro Bruckner!

2011-09-04T13:06:00.002+02:00

Queridos amigos, hoy celebramos el cumpleaños del querido maestro Bruckner. Y como pequeño homenaje dejamos este precioso disco del maestro Böhm interpretando de una forma encantadora y muy sincera la preciosa Sinfonía nº 4.

Un disco clásico entre las grabaciones de las obras de Bruckner esta aproximación del maestro de Graz siempre me ha parecido de una enorme belleza, de una emotividad algo distante que no fría y fundamentalmente de una claridad de detalles y de una calidad musical, en lo interpretativo, a cargo de la Filarmónica de Viena sin par, sencillamente única.

La interpretación de esta obra está llena de detalles musicales bellísimos. Su devenir es sencillamente precioso, sin cabalgadas alocadas que no llevan a punto alguno más que a un aumento sin sentido de la intensidad sonora; desmenuzado en los más pequeños detalles por la genial batuta de Böhm que logra extraer de todo el conjunto de la orquesta un empaste, una unidad y un sonido increíblemente bello así como de todos y cada uno de los solistas de la misma un virtuosismo y unos matices sonoros espectaculares. Es como si realizara una disección artística de la obra, una disección de artesano no una autopsia sino una taxidermia preciosa y llena de vida.

La maestría de Böhm, formado en las fuentes clásica de la dirección, y su dominio de la obra de Mozart o Strauss está intachablemente traspasada a la lectura de la obra de Bruckner. La traduce como un todo musical con un sentido humano y espiritual. La sutileza de la composición instrumental de Bruckner está fantásticamente expuesta, mostrada en sus más bellos detalles que son maravillosamente revelados con una magia, una claridad y una belleza sonora espectacular. Un ejemplo de claridad de ideas y de sentido que podemos apreciar en su máximo esplendor en el genial último movimiento, pleno de belleza, de sentimiento, de detalle, de claridad, de impulsividad mantenida, de perfección sonora.

La Orquesta Filarmónica de Viena de nuevo nos brinda una demostración de calidad orquestal, instrumental y técnica y nos seduce con su sonoridad exquisita. Un instrumento que en manos de "su director" se entrega a la interpretación de la obra bruckneriana sin remilgos, con corazón y alma. Nos deja en los oídos su exquisitez sonora, única e inigualable, su calidad y su belleza sensual y emotiva. Una verdadera maravilla.

Les dejo este bello disco con el ánimo convencido de que disfrutarán de esta bellísima música y de la maravillosa aproximación del maestro Böhm. Un gran disco.

Bruckner

Sinfonía nº 4

Karl Böhm

Orquesta Filarmónica de Viena

Grabación: Viena, 19 de noviembre de 1973

Versión de 1886 (sobre la versión de 1878/80), Edición Leopold Nowak de 1953

Mp3

FLAC

J. S. Bach. Conciertos para Piano y Orquesta nº 1 al nº 5 y nº 7. Glenn Gould. Leonard Bernstein. Vladimir Golschmann. Orquesta Sinfónica Columbia. 1957 al 1969.

2011-08-28T14:04:00.003+02:00

Queridos amigos tras unos días apartado del blog por motivos de descanso, unas pequeñas vacaciones tras la primera semana de reincorporación al trabajo, volvemos para dejar esta entrada, creo que muy bella, dedicada al genial Gould y a su interpretación de los Conciertos para Piano de su amado Bach.

Es un disco para saborear, disfrutar y paladear. Un disco para poder relajarse e introducirse de pleno en un mundo de sensaciones placenteras y maravillosas. Sensibilidad, paz, sosiego, relajación, libertad emocional y sentimiento puro.

El Concierto para Piano nº 1 era una de las obras preferidas de Gould, un caballo de batalla en sus giras (poco numerosas) europeas donde lo interpetó en Rusia, Salzburgo, Berlín y Lucerna. Fue el concierto que acoplado al Concierto nº 2 de Beethoven formó el primer disco de conciertos grabado por Gould y presentado por la Columbia con el acompañamiento en la dirección de Bernstein y la Columbia Symphony Orchestra.

Columbia estaba encantada con los resultados del disco y deseosa de realizar cuanto antes posible una integral de los mismos. El camino hacia la misma se retoma un año después en 1958 con un disco que reunió dos nuevas grabaciones de Gould: el Concierto nº 1 de Beethoven y el nº 5 de Bach. Pero llegados a este punto Gould se "aparta" del proyecto hasta el año 1967 en el que retoma las grabaciones de los conciertos de Bach.

En los comentarios del CD se intenta abordar este tema del retraso temporal en el proyecto y se abordan algunos aspectos que se pudieran considerar significativos.

Por un lado el propio Gould manifiesta que su intención fundamental era contar con la Filarmónica de New York para realizar las grabaciones. El propio Gould había comenzado a intervenir activamente, a principios de los años sesenta, en las grabaciones de sus discos en el aspecto técnico de las mezclas, las ediciones y las cuestiones propias de las sesiones de grabación. Y su meticulosidad con respecto a los resultados finales comenzaba a ser "legendaria". Las sesiones de grabación hubieran sido demasiado numerosas para que económicamente hubieran sido rentables y posibles. Sin embargo no parece ser este el motivo fundamental del retraso pues la Columbia hubiera podido conseguir lo necesario y lo que hubiera necesitado Gould para grabar cuanto y como quisiera. Era su estrella y eran sus orquestas.

La elección del director es otro punto que se aborda en los comentarios del disco. Vladimir Golschmann era uno de los directores preferidos de Gould y Golschmann apreciaba y deseaba trabajar junto a Gould. Era un maestro de sólida formación, un maestro además de tradición. Adoraba trabajar en estudio con Gould, su compenetración era perfecta y la meticulosidad de Gould no exacerbaba los ánimos del maestro Golschmann que siempre se encontraba dispuesto a matizar detalles, pulir imperfecciones y además a la hora de la creación musical facilitaba siempre seguir la dirección marcada por la idea musical de Gould. Su muerte en 1972 fue quizá uno de los motivos principales que impidieron culminar un proyecto que hubiera sido maravilloso. Gould no quiso, o no pudo, decidirse a contar con otro director para culminar el proyecto. Quedó pendiente grabar el Concierto nº 6 y realizar un nueva grabación estéreo del nº 1 previamente grabado con Bernstein (la idea de realizar a distancia y en partes separadas la grabación de este último junto a Karajan no se llevó finalmente a cabo).

Finalmente se aporta la idea global del concepto musical de Gould acerca de las obras concertantes para orquesta y piano. Poco a poco Gould se fue apartando de la participación en grabaciones de conciertos. No quería participar en "la competición piano-orquesta" que según sus ideas representaban los conciertos. Sus ideas puritanas que parten de su educación infantil y familiar posiblemente le ayudaron a su retirada definitiva de la vida pública. La lucha entre el placer del solista famoso y su moral particular que le impedía ser partícipe de esa actividad contraria a su concepción no se resolvió hasta su retirada.

Amén de todas estas apreciaciones sobre el devenir de estas grabaciones, queda indicar que son una verdadera maravilla musical. Uno de los discos más bellos que he tenido el placer de escuchar.

Reconozco nuevamente que el piano de Gould me fascina. Me atrapó en su día con las Variaciones y fue una prisión permanente. No puedo entrar a valorar las diferencias técnicas, interpretativas o de forma con otros pianistas. No puedo y además no sabría hacerlo. Es más no me ha gustado nunca, y con los años menos, la comparativa o la valoración. Considero que cualquier artista tiene valor por el simple hecho de tener la capacidad de expresar algo a través de su arte. ¿Cómo voy a decir yo tal o cual cosa sobre la idea de una persona o la forma de expresarla?

Gould tiene un algo que fascina o te desagrada. A mí, me fascina. Y uno de los ejemplos más bonitos de esa fascinación es este conjunto de conciertos de Bach que, preciosos ya por ellos mismos, se engalanan además con un piano poseedor de una sonoridad muy particular y se embellecen con el concepto musical de un gran artista. El Concierto nº 1 siempre me ha producido un placer indescriptible. El nº 3 es una verdadera maravilla. El nº 5 es de una profundidad espiritual enorme. En resumen todos ellos son obras de arte capaces de transformar tu ánimo y llegar a tu corazón de forma tan directa y sencilla que resulta extraordinario que se pueda lograr esa transformación sentimental y anímica con la escucha de esta música.

El piano resuena de forma permanente en tu cabeza, se introduce en ti de forma profunda, no deja de conmoverte, tus oídos están permanentemente maravillados por todos y cada uno de los sonidos que percibe. La belleza del conjunto orquestal es tan sublime como la del propio instrumento solista, no está de lado, está con él. Es mágica y emocionalmente única.

La sensibilidad de Gould en la interpretación de las obras me ha parecido siempre excepcional, fuera de lo común, maravillosa, íntima, profunda y verdaderamente sentida. En estos conciertos hay momentos en que la pulsación de muchas de las notas por los dedos de Gould desencadenan automáticamente en mí corazón un sentimiento tan profundo de emoción que hace aflorar en mis mejillas unas lagrimillas de alegría y de serenidad intensa e íntima que no puedo controlar.

Les recomiendo encarecidamente su escucha. Se deleitarán con una música excepcionalmente bella en las manos de un verdadero genio de la interpretación del piano. Esencia pura de placer musical y de belleza. Expresión de arte sublime en la forma de una música maravillosa.

J. S. Bach

Conciertos para Piano nº 1, nº 2, nº 3, nº 4, nº 5 y nº 7 (BWV 1052-1056 y 1058)

Glenn Gould

Orquesta sinfónica Columbia

Vladimir Golschmann

Leonard Bernstein (nº 1)

Grabaciones:

nº 1 - 30th Street Studio, New York City, 11 y 30 de abril de 1957

nº 2 - 30th Street Studio, New York City, 10 y 12 de febrero de 1969

nº 3 - 30th Street Studio, New York City, 2 de mayo de 1967

nº 4 - 30th Street Studio, New York City, 11 y 12 de febrero de 1969

nº 5 - 30th Street Studio, New York City, 1 de mayo de 1958

nº 7 - 30th Street Studio, New York City, 4 de mayo de 1967

Mp3:

FLAC:

Enrique Granados. Danzas Españolas. Versión Orquestal de Rafael Ferrer. Orquesta Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña. Salvador Brotons. 2000.

2011-08-21T03:05:00.000+02:00

Queridos amigos, hace no muchos días, celebrando el aniversario del nacimiento del magnífico compositor español Enrique Granados, dejamos una maravillosa entrada de parte de su obra pianística entre la que destacaba las Doce Danzas Españolas interpretadas magistralmente por la exímia Alicia de Larrocha.

Sin pretender ser pesado, no he podido resistir la tentación de mostrar esta noche el precioso disco que dejamos. Una interpretación maravillosa de la buenísima adaptación orquestal de las Doce Danzas Españolas realizadas por Rafael Ferrer y que son traducidas bajo la maravillosa batuta de Salvador Brotons por los músicos de la Orquesta Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña.

Las Doce Danzas Españolas, una de las músicas más populares de Granados, tienen una traducción hermosísima en esta aproximación orquestal, se mantienen sin amaneramientos regionalistas, se traslada la esencia de la música original de piano a las enormes posibilidades tímbricas y coloristas de la orquesta y sigue siendo una sencillamente música poética y viva. Sus orígenes pianísticos datan según las fuentes de su estancia en París y su vuelta a Barcelona cuando vieron la forma definitiva. Hablamos de un periodo de años entre 1883 y 1890.

Obras con una inspiración en temas nacionales que no nacionalistas tienen amplia base en temas populares y una también amplia cobertura por un lenguaje romántico y europeo. Si bien muchos críticos no las consideran una gran obra, lo cierto y verdad es que su facil musicalidad, su expresividad directa y limpia, su elegancia y su magnífica finura y belleza las hacen piezas maravillosas de música.

El resumen más o menos aceptado de las danzas es el que sigue:

Danza I, dedicada a su esposa. Danza muy castiza y de aires de bolero.
Danza II, dedicada a Julián Martí, con un cierto aire exótico, arabesco.
Danza III, dedicada a Joaquín Vancells, con un tono semejante a las tonadillas.
Danza IV, villanesca, algo más tradicional, dedicada a T. Tasso padre de una alumna.
Danza V, dedicada a Alfredo García Fariá, mezcla estupenda de aire melancólico y sosegado.
Danza VI, dedicada a D. Murillo a modo de rondalla.
Danza VII, en homenaje a César Cui con un estilizado aire de jota.
Danza VIII, (Asturiana o Sardana) es de una rítmica preciosa.
Danza IX, preciosa, con un maravilloso juego rítmico.
Danza X, dedicada a la Infanta Doña Isabel de Borbón, con un precioso y lejano recuerdo a la guitarra.
Danza XI, oriental en sus aires.
Danza XII, con aires de bolero que cierra cíclicamente el conjunto de la composición.

La versión ofrecida por la estupenda Orquesta Sinfónica de Barcelona es excepcional. Con gran detalle en la interpretación de los diíciles matices de la música, no pierde un ápice de valor al compararla con la versión original del piano. Sencillamente es un placer su audición. La calidad de la música de Granados es tan alta que el disfrute de la misma está asegurado. Si además le añadimos la preciosa adaptación del profesor Ferrer que no "desencaja" las piezas ni les quita su orientación y espíritu pianístico, podemos disfrutar de una manera extraordinaria de una de las músicas más bellas, sencillas y directas al corazón que se hayan escrito. A todo ello contribuye una dirección precisa, fresca, minuciosa, intensa y profunda de Brotons.

Espero que así lo puedan apreciar.

Merece muy mucho la pena disfrutar de este festín musical, de esta gran música que alegra el alma, los corazones y los sentidos.

Enrique Granados

Danzas Españolas

Versión Orquestal de Rafael Ferrer

Orquesta Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña

Salvador Brotons

Grabaciones: Centro Cultural de Sant Cugat del Vallés, Barcelona, 5 al 9 de septiembre de 2000

Mp3

FLAC

Schumann. Sinfonías nº 2 y nº 4. George Szell. Cleveland Orchestra. 1952. 1947.

2011-08-20T01:23:00.001+02:00

Queridos amigos, dejamos esta noche otro disco maravilloso. Nueva aproximación del gran George Szell a su querido Schumann, interpretando dos de sus más queridas obras sinfónicas, las soberbias y excepcionales Sinfonías nº 2 y nº 4.

Para situarnos, estamos en la época de su primer año como Director Musical y Director Titular de la Cleveland Orchestra, en la temporada 1946/1947. Las exigencias casi fanáticas y disparatadas de Szell fueron aceptadas, al fin, por el Consejo de Administración de la Orquesta. Era la elección perfecta para volver a llevar a la Cleveland Orchestra a lo más alto del nivel musical americano y mundial. Era además una orquesta en la que Szell tenía el ojo puesto: un instrumento de calidad, con tradición y esencia, aunque "tenía un pero" y este era que necesitaba orden y disciplina. Habían pasado por años muy duros durante la Segunda Guerra Mundial, con numerosos cambios en la plantilla y llenos de un sinfín de ida y venidas de directores de medio nivel que no habían logrado mantener a la orquesta en lo más alto. También fue parte de la estrategia de Szell de "desequilibrar" a sus posibles adversarios, previos y futuros, que optaban al codiciado puesto.

En estas circunstancias y temporalidad se desarrollan las grabaciones aquí presentadas, una de ellas justo en esa temporada y la otra pocos años después. Y con uno de sus compositores preferidos: Schumann.

El disco presenta una soberbia aproximación de Szell a una Sinfonía nº 4 particularmente estimada por el maestro. La grabación se realiza en los inicios de la época citada y con la nueva forma de trabajar de Szell con la orquesta. Sesiones preparatorias consistentes en ensayos extenuantes y repetitivos hasta alcanzar la perfección para la presentación en concierto y a continuación sesión de grabación. El método fue productivo en cantidad y en calidad. Gracias a él comenzó a forjarse la nueva leyenda de la Cleveland Orchestra, la más europea de las orquestas de Norteamérica. El disco presentado por Columbia en mono tuvo un éxito enorme. Posteriormente Szell grabaría en dos ocasiones más con Cleveland la obra, en ambas ocasiones en estéreo, concretamente en los años 1955 y 1960 (esta última fue la edición elegida para la famosísima Integral de EPIC-Columbia).

Esta primera aproximación de 1947 es una verdadera maravilla. Es notable como se aprecian muy pocas diferencias en el planteamiento de Szell si se compara con sus aproximaciones futuras. Precisión, sequedad que no frialdad, manejo excelente de las cuerdas de la orquesta, metales y maderas meticulosamente preparados y presentados, dinamismo absolutamente increíble, brillantez orquestal extraordinaria, tímbrica y colorido excepcionales, energía y vitalidad a flor de piel. La toma mono es de una calidad soberbia y se puede disfrutar de forma fantástica de una obra preciosa y maravillosamente interpretada.

Pasan unos años y concretamente en 1952, Szell decide llevar al disco otra de sus preferidas Sinfonías de Schumann: la Segunda. El registro se realiza de nuevo en mono para Columbia y resulta una grabación exquisita, brillante, hermosísima, plena de vitalidad, musicalidad, hermosura, ternura, belleza, fuerza, impulso y energía.

Con un manejo extraordinario de todos los atriles y de todo el conjunto orquestal logra una intensísima interpretación de esta bella Segunda Sinfonía. Llena de matices sabiamente expuestos a la luz, destaca el calor humano de la obra, su combinación perfecta de fuego y calma, su turbulencia anímica perfectamente puesta de manifiesto sin que llegue a arremolinarse en nuestros oídos, sus temperamentos cambiantes finamente desarrollados y matizados. Todo ello logrado además con un rigor orquestal sin par, con una orquesta sensacional en su respuesta individual y de conjunto, de una sonoridad bellísima, compactada, muy equilibrada, contenida y lanzada según la necesidad del espíritu musical de Schumann. Una verdadera maravilla de interpretación.

Les dejo con todo el cariño este precioso disco del gran Szell, con la bellísima música de Schumann. Un disco fuente de belleza musical y ejemplo maravilloso de cómo un músico que veneraba a otro músico se entrega a la música del segundo para recrearla con amor, pasión y belleza. Que lo disfruten.

Schumann

Sinfonías nº 2 y nº 4

George Szell

Cleveland Orchestra

Grabaciones:

Sinfonía nº 2, 28 de noviembre de 1952

Sinfonía nº 4, 26 de noviembre de 1947

Severance Hall, Cleveland, Ohio

Mp3

FLAC

Tchaikovsky. Sinfonía nº 4. Celibidache. Münchner Philharmoniker. 1988.

2011-08-19T03:02:00.001+02:00

Queridos amigos, dejamos esta noche una pequeña joya musical del maestro Celibidache. Una aproximación en vivo y extraordinaria a la bellísima Sinfonía nº 4 de Tchaikovsky.

La música de Tchaikovsky siempre ha sido plato de buen gusto para el genio de Celibidache. Quizá, al menos desde mi punto de vista, sus últimas aproximaciones recogidas en la Edición Oficial de EMI pecan de un exceso de "pesadez" o dicho de otra manera, los tempos del último Celibidache que tan excepcionalmente se armonizan con la música de Bruckner o incluso Brahms o Beethoven, resultan algo menos adaptados a la música de Tchaikovsky. Esto no quiere decir que esas interpretaciones recogidas en EMI no sean maravillas sonoras, pero para mi gusto no encajan tan bien, como otras, con la elección de la dinámica y el ritmo que les impone Celi.

Esta primera entrega de varios conciertos en vivo de Celibidache interpretando a Tchaikovsky tienen algo más de frescura, de dinamismo, de vida interna, de intensidad dramática y emotiva. Y mantienen el altísimo nivel de la Münchner Philharmoniker tanto en su belleza sonora, en su calidad técnica y en su perfecta conjunción con la visión musical del maestro rumano.

Se percibe de inmediato la nobleza, la intensidad, la pasión, el dramatismo, la emoción y la profundidad de la música. El manejo del total de la orquesta es asombroso, detalladado, sublime en sus dinámicas, excepcional en la agrupación de cuerdas, sensacionales, riquísimo en el colorido, perfecto en las dinámicas y en los timbres y coloridos. Una verdadera maravilla de aproximación a una música extraordinariamente viva, exultante, de impaciente serenidad.

Ya indicábamos en anteriores entradas dedicadas a esta obra que en la época compositiva de la Cuarta Sinfonía, de 1877 a 1878, el compositor atravesaba una grave crisis emocional y nerviosa a consecuencia de un matrimonio forzado como si fuera una obligación moral. A la par descubre una vía compositiva absolutamente libre y ansiada por él mismo gracias a la generosidad económica y al apoyo anímico de su mecenas Nadejda von Meck. A ella dedicó la obra estrenada públicamente en Moscú el 22 de febrero de 1878 bajo la dirección de N. Rubinstein. Que la obra refleje en su recorrido los diversos estados anímicos del compositor, pasados y presentes y sus anhelos futuros no es nada extraño.

Lo maravilloso, que no extraño, es la sensacional forma de reflejar la música de esta genial obra que tiene Celibidache. Es de una grandeza inconmensurable, de una altura soberbia, de una calidad musical enorme. No sólo percibimos belleza sonora sino que asistimos a un devenir maravilloso de la obra, llevado con un firme pulso nada vacilante pero muy bien modulado, en un juego de maestría en el arte de "conducir" la música hacia el destino deseado. Absolutamente soberbio.

Espero que disfruten de este hermosísimo y singular disco. Es una verdadera joya musical, un regalo para los sentidos, la pasión, el corazón y el alma.

Tchaikovsky

Sinfonía nº 4

Celibidache

Münchner Philharmoniker

Munich, 1988, (posiblemente la fecha exacta es 30 de septiembre de 1988)

(En la carátula de contenido que va en el archivo la fecha es errónea y tiene además algunos fallos de edición. Consultada la discografía, la correcta es la modificada y aquí presentada).

Mp3

FLAC