Mussorgsky. Celibidache. FLAC. Cuadros de Una Exposición. Una Noche en el Monte Pelado. Celibidache. Orquesta Filarmónica de Munich. Orquesta Sinfónica de la RAI de Milán. Berlín y Milán. 1986 y 1967.

Buenas tardes amigos. Atendiendo la petición de Ipromesisposi os dejo el enlace de este CD en formato FLAC. La verdad es que no sé si lo habré hecho bien. Espero sus comentarios. Un abrazo cordial a todos.

Mp3

FLAC

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Mussorgsky. Cuadros de Una Exposición. Una Noche en el Monte Pelado. Celibidache. Orquesta Filarmónica de Munich. Orquesta Sinfónica de la RAI de Milán. Berlín y Milán. 1986 y 1967.

100 entradas en el blog. Un número importante de visitas y de amigos que pueden compartir mis discos y mis sensaciones, expresando las suyas y pudiendo dar espacio a una mayor difusión de discos que creo son representativos de o bien grandes obras, bien grandes interpretaciones o bien, simplemente grandes momentos en mi vida. Y para esta ocasión no he dudado en elegir este CD que os dejo. Lo más maravilloso que he escuchado de los Cuadros y lo más fuerte en entrega emocional de Celibidache y de su orquesta de Munich en un concierto celebrado en Berlín, esa adorada Berlín de sus sueños, en 1986. La obra se acompaña de una interpretación también excepcional y maravillosa de Una Noche en el Monte Pelado en toma de años anteriores con una orquesta de rango menor pero "mágicamente" transformada por ese brujo de la "sonoridad del momento" que fue Celibidache.

Los Cuadros de una Exposición constituyen una suite de 15 piezas, compuesta en 1874 originalmente para piano (http://juliosbv.blogspot.com/2010/04/richter-recital-de-sofia-1958.html) aunque en general es más conocida en la forma orquestada y arreglada por el compositor francés Maurice Ravel. Originalmente llamada Suite Hartmann e inspirado por la exposición póstuma de diez pinturas y escritos de su gran amigo, el artista y arquitecto Viktor Alexandrovich Hartmann, fue un homenaje del compositor que quiso «dibujar en música», algunos de los cuadros expuestos. Es una verdadera obra maestra, música romántica, música programática y música verdaderamente expresiva. Forma un conjunto de piezas brillantemente descriptivas que adquieren unidad por el bellísimo tema llamado Promenade "Paseo" que se oye desde el inicio y a lo largo de la pieza, mientras el visitante de la exposición va de cuadro en cuadro. En  la Promenade de Ravel este hizo que el fagot y el saxofón compartieran una suave y melancólica música con el acompañamiento de las cuerdas. Una joya. Una obra perfecta para la expresión de todo el conjunto de instrumentistas y de la orquesta en pleno.

 

Y la versión presentada aquí es desde mi punto de vista la mejor que he escuchado. La Orquesta de Munich está formidable, entregada al máximo, cada instrumentista ejecutando de forma soberbia y logrando Celibidache una masa orquestal fabulosa, plena y poderosa cuando se necesita, suave y delicada cuando así es necesario, rítmica, saltarina, dulce o divertida según el caso, en definitiva adaptada a cada cuadro y os aseguro que el cuadro final de la Gran Puerta de Kiev es absolutamente impresionante, por su progresión, su ritmo, su energía, su sonoridad, con un Celibidache enfurecido llevando y levantando la orquesta a gritos hasta un crescendo final retenido y suspendido de una manera única e irrepetible que se mezcla con el júbilo desbordado del público berlinés. Una joya absoluta.

Una Noche en el Monte Pelado es el nombre común para "La Noche de San Juan en el Monte Calvo" ese gran poema sinfónico de Mussorgsky, inspirado por una historia corta de Gógol, en la cual un campesino presencia un acto de brujería en el Monte Calvo, cerca de Kiev, en la Noche de San Juan. Escrita inicialmente por Mussorgsky en el verano de 1867, durante su estancia en la casa de su hermano en Minkino la obra tiene una historia composicional tortuosa y es conocida en muchas versiones distintas habiéndose revisado varias veces (1872, 1908). Mussorgsky encabezó la partitura con unas frases de su puño y letra, que desde un principio ayudaron a comprender mejor la atmósfera fantástica de la obra: Rumores subterráneos de voces sobrenaturales - Aparición de los espíritus de las tinieblas y de Chernabog (Satanás) - Glorificación de Chernabog y misa negra - Sábado de brujas - A lo lejos suena la campana de una iglesia del pueblo, dispersando a los espíritus de las tinieblas - Amanecer. Tras la muerte de Mussorgsky, su amigo y compañero Rimsky-Korsakov orquestó y arregló esta extraordinaria obra, tan llena de intenso colorido y fuerza emocional por sí misma y más en la orquestación de Rimsky y que la han hecho muy popular en los conciertos.

La interpretación en esta ocasión con una orquesta de menor nivel no deja de ser sorprendente y de mostrarnos a unos músicos entregados a Celibidache logrando entre ambos una bellísima interpretación de esta preciosa obra.

Disfruten de este disco maravilloso, en mi corazón está como algo absolutamente excepcional y lo tengo como una joya maravillosa de la fonografía. Que ese corazoncito no les de sustos en el final de los Cuadros...

La Gran Puerta de Kiev de Hartmann

                                                     

Mussorgsky

Cuadros de una Exposición

Una Noche en el Monte Pelado*

Celibidache

Orquesta Filarmónica de Munich

Orquesta Sinfónica de la RAI de Milán*

Grabaciones

Berlín, 1986

Milán, 1967*

Mp3

FLAC

Ver también anterior entrada con grabación Altus en Tokio aquí.

Albéniz. Iberia. Versión Orquestal de Peter Breiner. Orquesta Sinfónica de Moscú. Igor Golovschin. 1996.

Un poco pasada ya la fecha de celebración de su centésimo quincuagésimo nacimiento os dejo un disco como homenaje a ese genial, prolífico, fantástico y poco valorado compositor español de Camprodón, en Girona, que fue Isaac Albéniz. 

Magnífico compositor y excelente instrumentista de piano no se concentró sólo en la interpretación como solista sino que desarrolló una actividad compositiva para escena fantástica, así como obras orquestales, de cámara y claro está de piano. Sus amplios estudios en Madrid, Bélgica y Barcelona se complementaban con sus amplias giras concertísticas. Sus éxitos en París y Londres eran enormemente reconocidos y particularmente en París sus contactos y amistades con los músicos franceses de renombre de la época eran muy profundos, siendo su casa misma "refugio" de otros compositores españoles como Turina o Falla. Albéniz en sus etapas finales comenzó a jugar con formas musicales más largas experimentando un cambio en su estilo composicional desde lo básicamente ligero, piezas atractivas de su inicial carrera, hacia un arte más complejo. Sin dejar de interpretar, sus apariciones disminuyeron absorbido por la composición y producción de sus trabajos operísticos. Estos últimos bien no vieron la luz o bien no tuvieron mucho éxito y Albéniz regresó poco a poco al piano y a su nativo paisaje y lenguaje de inspiración, con texturas pianísticas, suaves, delicadas, enormemente dulces y sensibles como La Vega, Suites Españolas I y II y  su culminación con la obra maestra Iberia de 1905 a 1908.

Iberia: 12 Nouvelles Impressions en Quatre Cahiers es una obra maravillosa, perfecta. Acetaba una translación orquestal que en parte realizó el gran maestro Arbós. Se integra en cuatro cuadernos:

Primer Cuaderno: Evocación - El Puerto - El Corpus en Sevilla. París, Sala Pleyel, 9-5-1906. Blanche Selva, piano.

Segundo Cuaderno: Rondeña - Almería - Triana. San Juan de Luz, 11-9-1907 (Rondeña y Almería). Blanche Selva, piano; Barcelona, Teatre Principal, 5-11-1906. Joaquim Malats (Triana).

Tercer Cuaderno: El Albaicín - El polo - Lavapiés. París, Palacio de la Princesa de Polignac, 2-1-1908. Blanche Selva, piano.

Cuarto Cuaderno: Málaga - Jerez - Eritaña. París, Société Nationale de Musique (Salon d'automne), 9-2-1909. Blanche Selva, piano.

La versión que os dejo presenta la aproximación a la orquestación completa de la obra por el músico eslovaco Peter Breiner que creo consigue ser muy fiel en el trasvase de intenciones, ideas y colorismo y que logra una música bellísima. La Orquesta Sinfónica de Moscú dirigida por un estupendo Golovschin logra una interpretación muy fresca, rica en matices y digna de ser disfrutada. En otra ocasión les dejaré al acercamiento de Argenta a las piezas orquestadas por Arbós.


Albéniz
Iberia, Versión Orquestal Completa de Peter Breiner
Igor Golovschin
Orquesta Sinfónica de Moscú
Moscú, marzo de 1996

http://www.megaupload.com/?d=5U2U2ZMC

Sibelius. Sinfonías 4 y 5. Finlandia. Karajan. Philharmonia Orchestra. 1952. 1953.

Magnífica muesta del arte de un joven Karajan dirigiendo obras de Sibelius a las que era particularmente afecto. Y homenaje también que sirva para otro hombre que en la postguerra tuvo un papel, con sus más y sus menos, fundamental en el desarrollo musical de una Europa asolada por la muerte, la violencia y la desolación espiritual en todos los sentidos: Walter Legge, fundador de la excepcional Philharmonia Orchestra. La asociación produjo discos maravillosos, verdaderas obras de arte tanto en el campo sinfónico, concertante como fundamentalmente en el operístico.

A Legge, además, no debemos olvidarlo, le debemos mucho más. Durante la Segunda Guerra Mundial se ocupó de los conciertos para las fuerzas aliadas y una vez terminada la se estableció en Viena, a modo de cazatalentos, para contratar artistas que habían quedado sin trabajo ante la destrucción masiva de los teatros. Muchos le deben su desarrollo profesionl y su proyección internacional: Josef Krips, Irmgard Seefried, Ljuba Welitsch, Hans Hotter, Ludwig Weber, el mencionado Herbert von Karajan, Christa Ludwig, Dietrich Fischer-Dieskau y la soprano alemana Elisabeth Schwarzkopf con quien se casó en 1953 y de quien fue el artífice de su carrera. Productor de numerosísimos discos para estos artistas participó también en el lanzamiento y produción de los discos de Callas, Victoria de los Ángeles, Janet Baker, Jacqueline du Pré, Fritz Wunderlich, Rudolf Kempe, Dinu Lipatti, Daniel Barenboim y otros. Su carácter, digamos que un poco "dictador", marcó su declive con las nuevas generaciones. Pero muchos, muchísimos le deben no sólo el éxito de su profesión sino también la subsistencia en sí misma.

Las obras musicales presentadas ya han sido previamente comentadas en las entradas del blog sobre la Integral Sibelius de Bernstein. Sólo me gustaría dejarles la reseña del valor interpretativo e histórico amén de humano de estas versiones. Creo que son de las más bonitas interpretaciones de Karajan de estas obras. Incluso me atrevería a decir que están a nivel de cualquier otra que puedan tomar como referencia. El discurso musical tan diferente en ambas obras, por su carácter también tan diferente, es asimilado por Karajan para ofrecer la interpretación precisa a cada una de ellas. Y verdadermente tenemos una Cuarta Sinfonía magistralmente ejecutada, escueta en recursos, rompedora con lo anterior, sombría y una Quinta emocionalmente profundísima, vibrante, con invenciones melódicas maravillosas y un un final arrollador. La ejecución que ofrece la Philharmonia es soberbia. Y Finlandia ¡suena maravillosamente emotiva y pujante!

Disfruten el disco con una muy buena grabación sonora.

Sibelius

Finlandia

Sinfonía nº 4*

Sinfonía nº 5

Karajan

Philharmonia Orchestra

Londres, julio de 1952 y julio de 1953*

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Gershwin: Rhapsody in Blue, Un Americano en París. Grofé: Grand Canyon Suite. Leonard Bernstein, Director y Pianista. Orquesta Sinfónica Columbia. Orquesta Filarmónica de New York. 1959. 1958, 1963.

Disco precioso, de música maravillosa, alegre, bella al oído, rítmica, melodiosa, dulce, simpática, descriptiva, instrumentalmente genial, ejemplo precioso de la música americana de mitad del siglo XX. Director y orquesta de lo más apropiado que puedan encontrar para transmitir ese espíritu americano, ese ritmo, ese alma de jazz y esa alegría a los pentagramas de Gershwin y Grofé.

Esta entrada está dedicada con todo el cariño del mundo a mi amiga desde la infancia, compañera de estudios y de profesión, confidente, animadora espiritual de mis muchísimos momentos bajos, alegría sencilla en los buenos, mente preclara para ver la vida, madrina de mi nene y una de las personas más maravillosas que existen. Va por ti Chiti. Por aquellos veranos de estudio de MIR ¿recuerdas las calores de Sevilla a las cuatro? en los que descubrí, en un vinilo que poníamos siempre con el cafelito que preparaba tu mami, esta música que fue el origen de mi pasión por la música clásica. Todavía te debo un regalo que debí darte en su momento y que guardaré para siempre.

 Gershwin

 Grofé

Gershwin y Grofé tuvieron una lucha interna propia. Estuvieron marcados ambos por una lacra que les costó quitarse. Gershwin de ser incapaz de componer, completa, una buena obra sinfónica (cosa que no se dudaba pudiera hacer Grofé pero no lograba que se reconociera) y Grofé, reconocidísimo orquestador, de poder demostrar, de dar una prueba de su innato don de compositor (cosa que se dudaba de Gershwin y que finalmente hizo).

El Director de Orquesta de Jazz Paul Whiteman tenía en mente poder demostrar que el jazz podía ser una música perfectamente adecuada a la sala de concierto y perfectamente aceptada y "asequible" por la sociedad si se le podía dotar de un cierto carácter sinfónico. Gershwin fue el compositor designado para realizar una obra que lo demostrase y aún pareciéndole que comportaba numerosas dificultades técnicas y musicales aceptó. La obra compuesta de forma rapsódica y libre debe su nombre a su hermano Ira Gershwin partiendo del modelo impresionista de nominación de las pinturas y que en parte hacía alusión a algunos elementos propios del jazz como eran "las notas azules"; fue la Rhapsody in Blue. Se estrenó finalmente como tenía previsto Whiteman el 12 de febrero de 1924 en el Aeolian Hall con Gershwin al piano y con una acogida con cierta polémica que pronto pasó a ser buena acogida teniendo gran aceptación y difundiéndose rápidamente entre solistas y orquestas. La obra fue orquestada por Grofé (el orquestador de la banda de Whiteman aprovechando todas las posibilidades del jazz que la composición original de Gershwin ofrecía. Y ciertamente consigue una obra preciosa sobre la base de una composición maravillosa.

  Whiteman Band

     (Grofé al piano, Whiteman delante en pie)

                  

Gershwin sin embargo era conocedor de sus carencias compositivas, técnicas y formales por lo que siguió estudiando para su mejora. Emprendió un viaje a Europa, París y Viena, con el objeto de ser admitido por grandes maestros de la época y recibir su docencia aunque lo que en realidad recibió fueron respuestas muy curiosas de dichos maestros como Stravinsky o Ravel a la hora de negarle la posibilidad de darle clases (respuestas curiosas pero que son de lo más sincero que pueda haberse dicho).

Durante ese viaje europeo compuso la fantástica obra Un Americano en París. Compuso y orquestó (lacra quitada) él mismo la obra completa. Es una obra no puramente ilustrativa de escenas (programática) sino muestra de impresiones generales aunque llegó a dejar escrito algunas anotaciones para desarrollar un programa de acción general de la obra y la dotó con la maestría suficiente de elementos coloristas locales que resultan maravillosos (bocinas, temas franceses de canciones, recuerdos con temas de charlestón, etc.) La obra fue estrenada en New York el 13 de diciembre de 1928 en el Carnegie Hall por la Filarmónica de New York y el director Walter Damrosch. A pesar de ciertas críticas, la obra fue un éxito y Gershwin queda entre los grandes compositores musicales americanos del siglo XX. Culmina su breve carrera (una prematura muerte) con su ópera Porgy and Bess, excepcional obra.

Ferde Grofé, en realidad Ferdinand Rudolph von Grofé por sus orígenes europeos, fue uno de esos talentos ocultos en la sombra de la vida musical americana de principios y mediados del siglo XX. Miembro y mano derecha de la banda de jazz de Whiteman amén de pianista y violinista era un extraordinario arreglista y orquestador y un enamorado de las imágenes y sonidos de su país. Su enorme deseo era ser un buen intermediario entre el jazz de diversión y la música considerada seria. Sus obras están llenas de un sonido mixto de fácil retención y asociados a títulos descriptivos muy evocadores (San Francisco Suite, Metrópolis, Broadway at Night, Niágara Falls, etc.) que pintan un paisaje americano musical bellísimo (su lacra quitada). Entre ellas destaca esta fantástica Grand Canyon Suite (quién no se ha sentido transportado al oeste como un Gary Cooper o John Wayne cualquiera escuchándola). El primer movimiento de la obra se compuso en 1921 y el resto durante los viajes y giras con la orquesta de Whiteman entre el 1929 y 1931. Se estrenó con enorme éxito en noviembre de 1931 en el Studebaker Theatre de Chicago con la banda de Whiteman.

Las grabaciones de las obras de Gershwin tuvieron lugar en un espacio excepcional de New York, el gran hotel St. George de Brooklyn, el más grande hotel de New York, en su excepcional salón de baile. La grabación de Grofé se realiza en la sala Philharmonic Hall en un momento donde su fracaso constructivo en cuanto a la sonoridad estaba plenamente admitido y que llevó a sus tres reformas hasta dar lugar al definitivo New Avery Fisher Hall.

Bernstein

Las interpretaciones de las obras reconozco que me parecen impresionantes. Las orquestas están excepcionales, Bernstein dirige con un alma, una pasión y una vitalidad fantásticas y su piano resulta bellísimo en la Rhapsody. Y ¡qué bonito suena es violín del gran John Corigliano en la Gran Canyon! Este es un disco que me sigue alegrando la vida cada vez que lo escucho. Espero que un poquito de esa alegría les llegue con su audición.

Gershwin

Rhapsody in Blue

Bernstein, Director y Piano

Orquesta Sinfónica Columbia

New York, 23 de junio de 1959

Un Americano en París

Bernstein

Orquesta Filarmónica de New York

New York, 21 de diciembre de 1958

Grofé

Gran Canyon Suite

Bernstein

John Corigliano, violín

Orquesta Filarmónica de New York

New York, 20 de mayo de 1963

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