Tchaikovsky. Sinfonías nº 4, 5 y 6. Mravinsky. Orquesta Filarmónica de Leningrado. 1960.

Mis queridos amigos; hoy, con motivo de mi cumpleaños (unos cuantos ya...), quiero dejaros este disco tan especial y absolutamente maravilloso del gran Mravinsky dirigiendo las tres últimas sinfonías de Tchaikovsky.

Le tengo un especial aprecio a este CD. Desde mi punto de vista representa una de las cumbres interpretativas de Tchaikovsky. Absolutamente diferente al resto de las interpretaciones que existen de estas estupendas sinfonías, son un reflejo de las formas y el carácter de Mravinsky. Acerado, rígido y duro pero con pasión y sentimiento, lleno de matices, con perfección sonora, riqueza de color y rítmica maravillosa. La fantástica Orquesta Filarmónica de Leningrado es un instrumento portentoso, de sonido exquisito, perfección instrumental y ejecución soberbia.

Sin llegar a producirme las mismas sensaciones que logran los discos de Bernstein, Szell, Ormandy, Fricsay, Celibidache o Furtwängler, tiene ese algo especial que te hace vibrar con la música. Y su escucha genera inmediatamente un conjunto de sensaciones diferentes e imposibles de resistir. No hay frialdad, quizá sequedad sonora pero con encanto y corazón. Te produce impresión nada más iniciar su audición. La nobleza, la intensidad, la pasión, el dramatismo, la emoción y la profundidad salen a relucir de manera natural e impactante.

Los discos feron realizados a continuación de la gira de Marvinsky y sus músicos en el Reino Unido en 1960, donde dejaron una impresión indeleble e impactante, y fueron encaminadas a reemplazar a las anteriores grabaciones mono de Mravinsky y Sanderling. Las sesiones de grabación tuvieron lugar en Londres y Viena y se registraron con algunas modificaciones relativas a la disposición espacial habitual de los músicos de Leningrado en los conciertos ofrecidos (cuerdas, tomas sonoras de los metales, aproximación espacial, etc.). Los resultados son excepcionalmente bellos con una sonoridad que llama, de inmediato, la atención.

Espero que disfruten de la escucha de estas obras y aprecien su valor como muestra de una forma excepcionalmente bella de aproximarse a Tchaikovsky.

Tchaikovsky

Mravinsky

Orquesta Filarmónica de Leningrado

Sinfonía nº 4*

Sinfonía nº 5**

Sinfonía nº 6***

Londres, septiembre de 1960*; Viena, noviembre de 1960** y *** (Estéreo)

Arvhivos con todas las obras en cada uno de ellos.

Mp3

FLAC

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Tchaikovsky. Sinfonías nº 4, 5 y 6. Mravinsky. Orquesta Filarmónica de Leningrado. 1960. (Revisada).

Tchaikovsky. Sinfonía nº 4. Leonard Bernstein. Orquesta Filamónica de New York. 1958.

Buenas a todos. Queridos amigos hoy seguimos completando este doble CD del que ya dejamos muestra con la interpretación de Schubert. En esta ocasión os dejo una verdaderamente sorprendente aproximación a la Sinfonía nº 4 de Tchaikovsky por Bernstein y sus músicos de New York.

Y os digo sorprendente porque la aproximación que realiza Lenny en este año 1958 en un concierto en vivo, dista mucho de las futuras aproximaciones oficiales de Sony o DG. Es un acercamiento absolutamente vital y directo, sin comtemplaciones, de amor a amor; una entrega absoluta a un ritmo frenético a todo lo largo de la obra y en todos y cada uno de sus movimientos. Y resulta milagroso que no se convierta en una música desbocada. Todos los matices, los instrumentos, los ritmos, los pasajes, están tan bien llevados que el conjunto final de la obra es de una belleza que roza el desenfreno, pero un desenfreno contenido por la mágica mano de Lenny que conduce de manera soberbia a una orquesta igualmente entregada a esta fiesta musical planteada por el director.

Me encanta la interpretación de este disco que en muchos momentos me recuerda a la aproximación que de la misma hizo Argenta y a los acercamientos que tiene Bernstein a las sinfonías de Schumann. Una aproximación donde prima la sensibilidad, la búsqueda de la simple belleza (segundo movimiento extraordinario), el ritmo natural sin excesos en el tempo. La orquesta de New York está francamente maravillosa, sin perder la compostura, sonando en conjunto y en los solistas de una manera preciosa. Y el movimiento final resulta en un goce absoluto para el corazón: ritmo, alegría, fuerza y energía.

Espero que disfruten de esta pequeña maravilla. Un sonido mono más que aceptable y una interpretación enormemente vitalista.

Tchaikovsky

Sinfonía nº 4

Leonard Bernstein

Orquesta Filarmónica de New York

New York, 13 de enero de 1958

Mp3

FLAC

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Beethoven

Schubert

Brahms. Conciertos para Piano y Orquesta nº 1 y nº 2. Variaciones y Fuga sobre un Tema de Handel, Op. 24. Valses, Op. 39. Szell, Fleisher, Cleveland Orchestra. 1958. 1962. 1956.

Para suplir el lamento que debería lanzar por la pérdida de la música almacenada os dejo este maravilloso y excepcional disco con la no menos maravillosa y exepcional música de Brahms. Lo tenía subido al servidor y de ahí lo enlazo con todo el amor del mundo.

Corresponde quizá a uno de los discos a los que más cariño tengo. Los dos Conciertos para Piano de Brahms por Szell y Fleisher prometían ser algo maravilloso y único cuando adquirí este doble CD, preciosamente presentado además. Y efectivamente lo son. Las grabaciones posteriores con Serkin no son, desde luego, menores a esta pero ¡ay! Fleisher da ese ímpetu e impulso mágico que hace que escuchar estos conciertos sea un verdadero goce, un placer absoluto y difícil de obtener.

No he sido hasta ahora dado a decir si tal o cual interpretación es mejor que esta o aquella interpretación, y creo que voy a seguir en la misma línea. Pero si me voy a permitir el pequeño lujo de indicar que la escucha de estos discos puede producir verdadera pasión, amor, entrega y enamoramiento absoluto de ellos. No sólo en las piezas principales, los Conciertos, sino en las obras individuales, interpretadas de manera soberbia por un joven Fleisher impetuoso, ardiente, pasional y atrevido.

No redundaré más en alabar las virtudes de Szell y la impresionante Orquesta de Cleveland, simplemente escuchen y disfruten, ambos están simplemente excepcionales y a una altura (y con una complicidad con Fleisher) difícil de alcanzar.

El placer está asegurado.

Un fuerte abrazo. Que disfruten de esta obra de arte.

Brahms

Conciertos para Piano y Orquesta nº 1* y 2**

George Szell

Cleveland Orchestra

Leon Fleisher, piano

Grabaciones

Cleveland, 21 y 22 de febrero de 1958*; 19 y 20 de octubre de 1962**

Brahms

Variaciones y Fuga sobre un Tema de Handel Op. 24*

Valses Op. 39**

Leon Fleisher, piano

Grabaciones
New York, 1 y 14 de junio, 5 de julio, 9 y 17 de agosto de 1956*; 9 y 17 de agosto de 1956**

Mp3:

Disco 1

Disco 2

FLAC:

Disco 1

Disco 2

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Incidencias Informáticas

 

Bye, bye, baby...(puñeter...)

Queridos amigos, ayer sucedió lo que no tenía que haber sucedido.
Mi disco duro externo donde tenía todo guardado, todo, todo, ha sufrido un fallo, creo que físico pues no gira, y es imposible de recuperar (intentaré que lo hagan aunque no sé dónde).
Tardaré un tiempo en poder volver a subir cosas nuevas salvo aquellas que tenía ya cargadas.
Siento mucho el error que tenía que tener previsto pasaría (esa falsa confianza en que las cosas no fallan, ay querido Murphy...).
Espero volver en breve.

La Verbena de la Paloma. Ricardo de la Vega y Tomás Bretón. Ataúlfo Argenta. Gran Orquesta Sinfónica. Coro de Cantores de Madrid. José Perera. 1955.

Queridos amigos dejamos hoy una maravillosa muestra de ese género tan español que es la Zarzuela.

Una de las más conocidas es La Verbena de la Paloma también conocida como El boticario y las Chulapas y Celos mal Reprimidos. Obra estilo sainete lírico con libreto de Ricardo de la Vega y música de Tomás Bretón se estrenó el 17 de febrero de 1894 en el Teatro Apolo de Madrid. La obra es el ejemplo clásico de género chico, de corta duración; está estructurada en un acto y tres cuadros con diversidad de escenografía y decorados en cada uno de ellos con diversos números musicales. Es una obra que refleja fielmente el Madrid de finales del siglo XIX y una representación de las fiestas madrileñas de agosto con sus personajes típicos las chulapas, el sereno, los guardias, el boticario, el tabernero, etc., además de otros típicamente castizos como Don Hilarión y su amigo Don Sebastián, la tía Antonia. Es una de las zarzuelas de mayor éxito tanto a nivel nacional como internacional.

Tomás Bretón

Ricardo de la Vega

La Verbena de la Paloma

Acto Único

En el Madrid de 1894 (resumen de Wikipedia).

Cuadro Primero

La acción se sitúa en los barrios bajos de Madrid, durante la festividad de La Paloma. En una calle donde hay una botica y una taberna, Don Hilarion (el boticario), y Don Sebastián comentan los calores de la noche, mientras los vecinos cantan alegremente sobre la verbena. Julián en cambio no comparte este espíritu y comenta ante la Señá Rita, que es debido a que sospecha que Susana le ha dicho que no va a ir a la verbena, con el pretexto de poder salir a solas con algún amante, lo que le da pie a tramar una venganza contra ella. Don Hilarión comenta alegremente la noche que va a pasar con dos chulapas que ha conocido, y que espera poder lograr de ellas buenos favores. La Señá Rita trata de consolar a Julián animándolo a ir con ella a la verbena y a olvidarse de su venganza.

Cuadro Segundo

En frente de un café, los vecinos escuchan y palmean a la cantadora. Entre los vecinos están La Tía Antonia, con sus sobrinas Casta y Susana, la novia de Julián. Susana se siente amargada por los celos de su novio, al cual quiere dar un escarmiento, aceptando las proposiciones que le hace un viejo, que no es otro que don Hilarión, el cual llega y trata de obsequiar a las muchachas con un refrigerio que encarga del café. Aparecen por la calle Julián y la Señá Rita, el cual al oír las risas de su novia y del admirador, siente ansias de venganza. Al salir por la puerta de la casa, los reconoce y se produce una pelea, en la que intervienen los guardias y el tabernero, poniendo paz y marchándose Susana con don Hilarión y Julián jurando venganza.

Cuadro Tercero

En una calle convertida en salón de baile, los vecinos bailan y disfrutan de la noche, están don Sebastián y su familia disfrutando, cuando ven aparecer apresurado a Don Hilarión, el cual se refugia en su casa. Julián lo ha perseguido y trata de buscarlo en el baile, detrás de él vienen la Señá Rita, la Tía Antonia, Casta, Susana y los Guardias, con los cuales mantienen una discusión. Don Sebastián intercede por Julián ante los guardias y se reconcilia con Susana, pero al entrar dentro del comercio Julián reconoce a don Hilarión, tratando de ir tras él aunque éste desaparece entre el tumulto de gente, finalizando la obra con la alegría general.

Los personajes principales de la obra son:

Julián, cajista de imprenta y celoso novio de Susana, tenor o barítono
Don Hilarión, boticario y viejo verde, admirador de Casta y Susana, tenor cómico o bajo.
Don Sebastián, amigo de Don Hilarión, tenor cómico.
El Tabernero, marido de la "Señá" Rita y hombre tranquilo, barítono.
Susana, modistilla y novia de Julián, soprano.
Casta, modistilla y hermana de Susana, soprano.
"Señá" Rita, esposa del tabernero y apoyo moral de Julián, mezzosoprano o contralto.
La Tía Antonia, tía de Casta y Susana y alcahueta, mezzosoprano o contralto.
La Cantadora, cantante flamenca del café, soprano o contralto.
Guardia 1º, policía que hace la ronda, bajo o barítono.
Guardia 2º, policía que acompaña en la ronda, barítono.
Sereno, compañero de los guardias en la ronda, barítono.

Todo el conjunto resulta finalmente en una de las zarzuelas más alegres, divertidas y de melodías y temas más famosos de todas las que se hayan compuesto. Quizá una de las cumbres de la Zarzuela.

En esta ocasión os dejo una versión absolutamente maravillosa. Con todo el arte que hay que imprimir a los personajes, su humor, su casticismo, su dicción, su alegría y su descaro. Las voces son una excepcional muestra de la enorme calidad que existía en la España de aquellos años; artistas irrepetibles y en general poco valorados fuera de los círculos comerciales y penosamente olvidados por los más jóvenes, pero unos cantantes soberbios que formaron parte habitual de los elencos que colaboraron con Argenta y otros de la época a la difusión del género español por excelencia.

Argenta dirige con pasión, fervor, energía, dulzura, descaro, ritmo e intensidad a una Gran Orquesta Sinfónica que consigue unos resultados brillantes, resultando una interpretación vivaz, enérgica, muy divertida y musicalmente inolvidable en sus grandes números. Consigue una excepcional recreación de la obra, de la situación, de la caracterización y de la bellísima música.

Espero que la disfruten con alegría y que puedan apreciar esta obra en particular como muestra enorme y grande de ese género tan bello que es la Zarzuela; que aprecien a estos cantantes maravillosos y la obra excepcional de dirección musical y teatral de Argenta.

La Verbena de la Paloma
Ricardo de la Vega, libreto
Tomás Bretón, música
Ataúlfo Argenta
Gran Orquesta Sinfónica
José Perera
Coro de Cantores de Madrid
Madrid, 1955.

Susana: Ana María Iriarte
Señá Rita: Inés Rivadeneira
Casta: Julita Bermejo
Julián: Manuel Ausensi
Don Hilarión: Miguel Ligero
Don Sebastián: Joaquín Portillo
Sereno: Rafael López Somoza
Cantaora: María Dolores López
Tía Antonia: Sélica Pérez Carpio
Tabernero: Rafael Campos


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Gorecki. Descanse en Paz. Sinfonía nº 3. David Zinman. London Sinfonietta. Dawn Upshaw, Soprano. 1991.

Nos ha dejado un gran compositor, un gran músico y un hombre de fe.

Que descanses en paz allá donde tu fe seguro te llevará para disfrutar de la compañía del Señor.

Sirva de agradecimiento esta magnífica obra llena de sensibilidad, de profundidad, de creencia en el amor humano, de sentimiento limpio y alma pura.

Lento - Sostenuto tranquillo ma cantabile

(Lamentación de los Cantos Tysagóra)

Mi querido hijo, mi predilecto,

comparte las heridas con tu madre.

Ya que he sido yo, querido hijo,

quien te ha llevado en el corazón,

y quien tan fielmente te ha servido.

Háblale a tu madre para hacerla feliz,

pues ya me abandonas, dulce esperanza mía.

Lento e largo - Tranquillissimo

(Plegaria de Helena Wanda Blazusiakówna en Zakopane)

Mamá, no llores, no.

Inmaculada Reina de los Cielos,

apóyame siempre.

Ave María, llena eres de gracia.

Lento - Cantabile semplice

(Canción popular de Opole)

¿Dónde se encuentra mi hijo más querido?

Es posible que durante la insurrección

el cruel enemigo le haya dado muerte.

¡Ah, vosotros gente malvada!

En el nombre de Dios, el más Sagrado, decidme,

¿Por qué habéis asesinado a mi hijo?

Nunca jamás tendré su apoyo

aunque solloce hasta la última de las lágrimas de mi cuerpo.

Incluso si mis amargas lágrimas formasen otro río Oder

no podrían devolver la vida a mi hijo.

Reposa en su tumba e ignoro donde se encuentra,

aunque continuo interrogando a la gente por doquier.

Quizás el pobre chiquillo repose en una cuneta.

En ese caso reposaría en un cálido lecho.

¡Oh, cantad para él pajarillos del Señor!

Porque su mamá no lo puede encontrar.

Y vosotras, florecillas del Señor, floreced en su entorno

para que mi hijo pueda dormir contento.

Henryk Górecki

Sinfonía nº 3, Sinfonía de las Lamentaciones o de las Canciones Dolientes

David Zinman

London Sinfonietta

Dawn Upshaw, soprano

Mayo de 1991, CTS Studios, Londres, 1991.

http://www.megaupload.com/?d=UNQ9C6T8

Schubert. Sinfonía nº 9. Leonard Bernstein. Orquesta Sinfónica de Boston. 1957.

Queridos amigos dejamos hoy este bello disco, mejor dicho parte de él. Concretamente la Sinfonía nº 9 de Schubert en interpretación de Leonard Bernstein y la maravillosa y siempre bella Orquesta Sinfónica de Boston.

He de reconocer que siento un especial aprecio por esta obra de Schubert. Me parece una de las obras sinfónicas más bella, mejor elaborada y más bonita de escuchar que existen. Tiene una tensión emotiva y sonora única, una instrumentación sencillamente maravillosa, una belleza interior que emana y te embriaga al instante.

Ya hemos visto en el blog dos aproximaciones sencillamente maravillosas, las de Szell y Furtwängler. Esta que os dejo de Bernstein, quizá no alcance las cotas de dichas aproximaciones pero tiene algo especial, quizá sean frescura y vitalidad. El ritmo es rápido aunque no acelerado; la intensidad emocional que impone Bernstein es fantástica; la ejecución de la Sinfónica de Boston es bellísima y sigue perfectamente los dictados de Lenny. Las maderas suenan preciosas y junto a unas cuerdas y metales deliciosos logran un fresco musical de una belleza sinceramente apreciable.

Sigue siendo una de mis obras preferidas, tiene ese encanto de lo simplemente hermoso que cautiva y que te hace vibrar y sentir como pocas obras lo logran. Y sientes tensión, emoción, alegría, frescura, dinamismo, vitalidad y belleza. Sigues sus bellas melodías, sus instrumentos en sus intervenciones solistas dulces y emotivos, sus ritmos impulsivos, su vitalidad y su energía.

Espero que disfruten de esta interpretación de Bernstein de esta hermosísima obra de Schubert y les cautive de la misma manera que lo hace conmigo todas y cada una de las veces que la escucho.

Schubert

Sinfonía nº 9

Bernstein

Orquesta Sinfónica de Boston

Boston, 11 de octubre de 1957

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Beethoven

Tchaikovsky

Rachmaninoff. Sinfonías nº 1 a nº 3, Vocalise. Eugene Ormandy. Philadelphia Orchestra. 1966. 1959. 1967.

Queridos amigos quisiera dejar hoy en esta entrada un doble CD que presenta el conjunto de las sinfonías de Rachmaninoff en una bellísima interpretación de Eugene Ormandy y su Philadelphia Orchestra. Grabación espectacular con una interpretación soberbia aunque con los habituales recortes que con frecuencia se hacían en las obras del compositor en aquellos años (Sinfonía nº 2). Aún con eso el disco merece la pena ser escuchado pues nos ofrece una interpretación muy matizada, delicada, apasionada y técnicamente perfecta de las obras presentadas, haciendo su escucha un verdadero placer.



La Primera Sinfonía de Rachmaninoff es una obra sinceramente preciosa, una obra tenida en muchas ocasiones como una simple transición en la música rusa y que tuvo una pésima recepción debido a la falta de ensayos y a la falta de compromiso (y según se dice algo de ayuda de cierto cálido líquido alto en graduación) de Glazunov en su estreno en San Petersburgo el 28 de marzo de 1897. Este fracaso llevó incluso al compositor a un declive psicológico serio. Las partituras quedaron en Rusia y redescubierta en sus partes principales se realizó la reconstrucción de la obra teniendo un reestreno en Moscú el 17 de octubre de 1945 con Alexander Gauk en la dirección siendo bastante mejor interpretada y poco a poco aceptada como una obra sinfónica de gran valor propio. Su gestación fue según se indica bastante larga para lo que Rachmaninoff solía emplear en sus obras y estuvo llena de revisiones en el proceso compositivo según las indicaciones de Taneyev y Glazunov. En su conjunto resulta una obra melódica sombría, profunda, muy emotiva y bellísima en su sonoridad. Recorre toda ella un espíritu sombrío y de sentimiento denso y apenado pero aderezado con muestras de brillo y melodías preciosas de clarinete, intervenciones soberbias de los metales y sobre todo unas cuerdas absolutamente impresionantes en su belleza y melodismo. El estreno estadounidense el 18 de marzo de 1948 por la Philadelphia Orchestra y Eugene Ormandy formó parte de la primera retransmisión televisiva de un concierto en EEUU y llegó a necesitar hasta siete ensayos antes de su presentación.

La Sinfonía nº 2 compuesta entre 1906 a 1907 fue estrenada el 8 de febrero de 1908 por el propio compositor en San Petersburgo y fue dedicada a Taneyev. La obra fue compuesta en una época de éxito de Rachmaninoff como Director del Bolshoi y con un Rachmaninoff que se traslada a Alemania, a Dresde, donde se dedica de forma intensa a la composición y alejado de los convulsos tiempos que vivía Rusia. La obra completa sin cortes tiene una duración cercana a la hora pero en los años 1940 y 1950 se establecieron cortes muy serios que la reducían a tan sólo una media hora larga. La sinfonía es de una enorme belleza, con un flujo extraordinario de melodismo bello en su motivo y en el desarrollo completo de la obra. La obra está recorrida de sensaciones inquietantes, misteriosas, intensas, dramáticas, apoyadas en unas cuerdas de nuevo excepcionalmente manejadas. Los temas vigorosos y fuertes de su segundo movimiento con referencias al Dies Irae con los maravillosos metales son de una intensidad impresionantes. El tercer movimiento maneja las maderas, con ese oboe y ese clarinete, de forma bellísima junto a un violín maravilloso y el corno inglés que lo acompaña que logran un clímax romántico emotivo sin par. En el movimiento final se repiten, retoman y resumen los temas y motivos de los movimientos que lo han precedido logrando un desarrollo final intenso, grande y creciente, de una belleza suprema.

La Sinfonía nº 3 de Rachmaninoff fue compuesta entre 1935 y 1936 en su villa suiza de Senar y estrenada el 6 de noviembre de 1936 por la Philadelphia Orchestra y Leopold Stokowski con una acogida bastante pobre. El mismo autor realizó la primera grabación en Filadelfia en 1939. Es quizá la más avanzada en la composición sinfónica de Rachmaninoff y profundamente intensa y densa. La instrumentación resulta bellísima pudiendo disfrutar de unas melodías sensuales y profundas, un juego instrumental delicioso y un lirismo delicioso.

Vocalise es una composición de Rachmaninoff para voz de su ciclo de canciones op. 34 publicado en 1912. Por la belleza de la obra tiene multitud de adaptaciones a las más diversas combinaciones imaginables. entre ellas esta que se presenta realizada por el propio Rachmaninoff para orquesta. Resulta sencillamente bella, dulce, melodiosa y preciosa.

Espero que disfruten del disco y que se sientan conmovidos por la belleza intrínseca de la música de Rachmaninoff. Sinceramente merece la pena sumergirse en su universo sonoro y sentimental.

La interpretación ofrecida por la Philadelphia Orchestra y Eugene Ormandy no tiene desperdicio, es de una intensidad fantástica, sus instrumentistas están francamente insuperables e inspirados, la orquesta suena deliciosa, preciosa, precisa, brillante, lírica e impresionante.

Que lo disfruten.

Rachmaninoff

Sinfonías nº 1, 2 y 3

Vocalise

Eugene Ormandy

Philadelphia Orchestra

Philadelphia, 28 de febrero de 1966 nº 1; 19 de abril de 1959 nº 2; 20 de diciembre de 1967 nº 3; 18 de octubre de 1967 Vocalise.

Mp3

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Rudolf Barshai. Un gran Director. Descanse en Paz. Shostakovich. Sinfonías nº 1, 2 y 3. Orquesta WDR Sinfonieorchester Köln, Coro Rundfunkchor Köln. 1994. 1995. 1994.

Simplemente quisiera rendir un pequeño homenaje a un gran músico, instrumentista, arreglista, compositor y director: Rudolf Barshai, 28 de septiembre de 1924 al 2 de noviembre de 2010.

Gracias por tus interpretaciones, tu pasión y tu seria y bella aproximación a la música.

Descansa en paz.

Disfruten de estas bellísimas interpretaciones de las tres sinfonías iniciales de Shostakovich, obras de juventud, de gran valor musical, belleza expresiva y sonora, en estas preciosas interpretaciones del maestro Barshai y la Orquesta WDR Sinfonieorchester y el Coro Rundfunkchor de Colonia.

Shostakovich

Sinfonía nº 1

Sinfonía nº 2

Sinfonía nº 3

Rudolf Barshai

WDR Sinfonieorchester and Rundfunkchor

Grabaciones

Sinfonía nº 1, 30 de septiembre al 3 de octubre de 1994

Sinfonía nº 2, 23 de enero de 1995

Sinfonía nº 3, 30 de septiembre al 3 de octubre de 1994

Colonia, Philharmonie

Grabaciones de la Westdeutschen Rundfunk Köln

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Lito Vitale. Lito Vitale Cuarteto (Ese Amigo del Alma 1987). Lito Vitale Cuarteto. 1987.

Queridos amigos, hoy os quiero dejar un disco que además de resultar enormemente bello desde un punto de vista musical, tiene una gran carga emotiva y sentimental para mí. Se trata del disco de Lito Vitale, Lito Vitale Cuarteto.

Corresponde a una primera aproximación grabada, anterior a uno de sus discos de mayor éxito que fue Ese Amigo del Alma del año 1988 en el que se añadieron dos temas más a este que os presento, inicialmente grabado en el año 1987: La Luz Sagrada y Súbito Pianíssimo. No llegué a comprar ese segundo disco nunca, cosa de la que me arrepiento, pero este resume básicamente la esencia emotiva y musical con el impresionante tema Ese Amigo del Alma y fundamentalmente con Estar Vivo Hoy, uno de los temas musicales más bellos que jamás haya escuchado junto a otra composición del propio Lito Vitale posterior, Un Cuento de Hadas, de su disco En Solitario de 1988 (una maravillosa recreación imaginativa que te transporta mediante los sonidos a un mundo imaginario de Hadas, Pirncesas y Príncipes).

Ambos temas (y varios más, todos ellos embriagadoramente bellos) tuve la enorme suerte de escucharlos en directo en una actuación en Sevilla dentro del marco del programa cultural Cita en Sevilla y organizado por la Universidad Hispalense, concretamente un 29 de mayo de 1990 recién terminada mi carrera y en una pésima situación emocional personal, por circunstancias muy dolorosas de mi entorno y de mi propio interior.

Y digo suerte por varios motivos. El primero porque fue mi primer concierto en vivo que tuve la ocasión de disfrutar si obvio un espectacular montaje en vivo al que acudí en los Reales Alcázares de Sevilla para ver al Ballet de María Rosa y Antonio "El Bailarín" (un espectáculo inolvidable de dos enormes artistas despreciados por aquellos años en España, ¡la política que llega a ser muy mala!). Y el segundo y principal porque este de Lito fue el primero al que acudí en compañía de alguien diferente a mi tita, alguien muy, muy especial, única en mi vida (desde siempre) y a quien debo mucho más de lo que jamás podrá sospechar (y que no sospechará nunca al dejar escapar la oportunidad de así hacérselo saber, aunque todavía tengo en mi poder el regalo que lo atestigua y que nunca le entregué).

Recuerdo perfectamente que se celebró en una noche maravillosa, de luna clara y cielo despejado, en el entonces Auditorio del Prado de San Sebastián (un lugar precioso cerca del Parque de María Luisa de Sevilla) impregnado de olores de azahar y en un ambiente humano acogedor y cálido, con personas deseosas de escuchar a "ese músico argentino" que hacía una música muy bonita y emotiva. Había sido invitado por esa persona al concierto y por supuesto no desaproveché la oportunidad. Estaba nervioso, como un niño en la Noche de Reyes, disfrutando, ya de entrada, de la invitación, emocionado por asistir a algo novedoso y que decían era especial, acompañado además por alguien especial que pasaba por circunstancias difíciles, muy complicadas, diría incluso que demasiado complicadas y duras (y que posteriormente demostró poder superar para ejemplo de muchos otros que éramos menos fuertes de lo que aparentábamos).

Sencillamente la noche resultó ser lo más bonito que jamás he podido vivir. Nunca se me olvidará mi andar titubeante y tembloroso al terminar el concierto, ni las lágrimas que durante el mismo derramé, ni la alegría que en mi corazón se introdujo gracias a aquellos sonidos tan bellos, delicados, dulces y emocionantes que junto a las circunstancias que rodeaban el concierto lo hicieron único e irrepetible.

Además, la música ofrecida con esos títulos tan descriptivos hacía que el sentimiento fuera aún más profundo y apropiado. Era como si canalizara las emociones contenidas que aquella noche brotaron simplemente de forma natural, extraídas del corazón y simplemente lanzadas al aire perfumado de la noche sevillana. Las emociones que transmitieron, la magnífica forma de interpretar que lograron, ayudados por la intimidad que existía en un recinto no demasiado lleno y por supuesto la belleza de la música, fueron soberbias y nunca jamás vividas de forma tan intensa por quien les escribe.

Sencillamente debo dar las gracias a ese enorme músico que es Lito Vitale por hacer sencillo, en aquellos momentos, lo difícil: la expresión de la emoción pura, la amistad sincera y el amor.

Espero que puedan disfrutar de semejantes sensaciones a aquellas que pude disfrutar yo en aquella ocasión. Desde luego la música que os dejo las tiene encerradas en su esencia.

Para mi Amiga del Alma

Lito Vitale Cuarteto

Lito Vitale Cuarteto

Recuerdos en mi bemol*

Estar entre nosotros*

La Vida es un Tango**

Estar vivo hoy**

Ese amigo del Alma**

Lito Vitale, composición y arreglos

Marcelo Torres, bajo

Manuel Miranda, vientos y chéquere

Cristhian Judurcha, batería

Julio de 1987* y junio de 1988**

Mp3

Día de Todos los Santos. Bruckner. Te Deum. Motetes. Salmo 150. Eugen Jochum. Maria Stader, Sieglinde Wagner, Ernst Haefliger, Peter Lagger, Chor der Deutschen Oper Berlin, Berliner Philharmoniker: Te Deum. Chor des Bayerischen Rundfunks: Motetes. Maria Stader, Chor der Deutschen Oper Berlin, Berliner Philharmoniker: Salmo 150. Te Deum, 1966; Motetes: 1965 y 1966. Salmo 150, 1966.

En un día tan especial para los católicos quisiera compartir este bello disco en recuerdo de todos aquellos que ya no están con nosotros sino en presencia del Señor. Quien no sea creyente simplemente que disfrute de la maravillosa música de Bruckner, un verdadero placer emocional para el corazón.

En el caso concreto de nuestra Iglesia se celebra hoya la festividad de todos aquellos que nos han precedido en su marcha a la Casa de Padre, y que ya están disfrutando de la presencia de Dios cara a cara. Es decir, todas aquellas personas anónimas que ya son santos. Esta fiesta nos recuerda que todos somos llamados a la santidad en esta vida. En los primeros siglos de vida de la Iglesia había un día para recordar a los mártires. El Papa Bonifacio IV (608-615) transformó un templo griego en uno cristiano para dedicarlo al culto de “Todos los Santos”. En el año 840 fue cuando la festividad comenzó a celebrarse el 1 de noviembre. Muchas fiestas importantes comienzan su celebración el día anterior por la noche, en la misa vespertina de vigilia, es decir el 31 de octubre en este caso, lo que en inglés sería All Hallow’s Eve, la víspera de Todos los Santos (con el tiempo su pronunciación fue cambiando hasta la que conocemos en nuestros días de Halloween).

El Te Deum es uno de los primeros himnos cristianos, tradicional de acción de gracias, entonado habitualmente en momentos de celebración. En la Iglesia Católica Romana se emplea habitualmente en el Oficio de las Lecturas dentro de la Liturgia de las Horas; en las misas celebradas, en ocasiones especiales como en las ceremonias de canonización, la ordenación de presbíteros, tras la elección del Papa y al finalizar el año.

Según la leyenda es una composición común de San Agustín de Hipona y San Ambrosio de Milán que entonaron juntos los versos en el bautizo del primero por San Ambrosio.

En muchos países hispanoamericanos y en España misma el Te Deum tiene una gran tradición y es entonado con ocasión de fiestas de carácter nacional, fundación, independencia, etc.

La lista de autores que ham compuesto música para el Te deum es amplísima: Palestrina, Purcell, Salieri, Georg Friedrich Haendel, Franz Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Hector Berlioz, Antonín Dvorák, Benjamin Britten,  Marc-Antoine Charpentier, William Walton y muchísimos más, muestra de alguna manera de la importancia de la obra y su significado.

Les dejo este precioso disco con una excepcional interpretación de ese enorme director que fue Eugen Jochum, defensor de la música de Bruckner y unido en la misma fe con el gran compositor. Espero que lo disfruten. Sirva como pequeño homenaje a todos aquellos que ya no están con nosotros sean de cualquier religión, raza, fe, cultura o pensamiento. Todos de alguna manera están hoy donde pensaban que estarían. Aprovechamos además para rendir homenaje al maestro en la celebración de su día de nacimiento, un día precioso para un hombre digno del mismo.

Bruckner

Te Deum

Jochum

Maria Stader

Sieglinde Wagner

Ernst Haefliger

Peter Lagger

Chor der Deutschen Oper Berlin

Berliner Philharmoniker

Motetes

Chor des Bayerischen Rundfunks

Salmo 150

Maria Stader

Chor der Deutschen Oper Berlin

Berliner Philharmoniker

Te Deum junio de 1966; Motetes junio y julio de 1965, junio de 1966. Salmo 150 junio de 1966. Grabados en Munich Herkules-Saal y Berlín Jesus-Christus-Kirche (motetes Afferentur regi y Pange, lingua).

  

Les adjunto escaneos de los textos.

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